Üzenet S. Rahmanyinov „Spring Waters” című románcáról

Válaszok:

Rahmanyinov „Spring Waters” című romantikájában az nVI harmónia bevezető akkordként a 6-ban oldódik fel harmóniává (281. példa) Két, formálisan kettős VI-es lépésként megmaradó alávaló itt tulajdonképpen már akkordként funkcionál kis másodperc távolságra. , és nem megnövelt prímával, ilyen dallami felbontással csökkentett kvartba mozdul el, ami jellemző egy „szignó” forgalomra „Rahmaninov szubdominánssal” (hasonlítsd össze a „Jaj nem, könyörgöm, ne menj” romantikával el”). harmóniában tonik. Megnehezíti a vele való közvetlen kommunikáció nehézkessége, az egyértelmű tónusos gravitáció hiánya és az alrendszeri kommunikációba való belépés egyszerűsége miatt. Leegyszerűsíti (és elszegényíti), mert a klasszikus funkcionális harmónia számos (becses!) finomsága eltűnik: rejtett disszonanciák és „társak”, az STD hármas jellege stb. Magának az akkordnak a közvetlen érzéki, „anyagi” adottsága és megbízhatóbbsága mint a tonika iránti „kötelesség" alapján kialakuló hangkontextuális kapcsolatok. A hangértelmezés hitelességét gyakran elősegítik a mostanában használatos új szerkezeti formák, ahol a tonika iránti egyértelmű vonzalom szükségszerűen csak a „parancsolásban" rejlik. harmóniák, különösen az elején és a végén, illetve az azoktól távolodó helyeken az alrendszer hanglazaságának, bizonytalanságának, lineáris törekvésének rezsimje jön létre, amely nem teszi lehetővé más tonalitás kialakítását, és ezáltal megtartja a hangszín elsődlegességét. fő. A központi gravitáció klasszikus funkcionális elvét felváltja az alaphangok funkcionális csoportosításának elve (ennek az új típusnak a tonális alárendeltségére lásd az elemzést bevezető cikk e sorok szerzője a kiadványhoz: Hindemith. P. Ludus tonalis zongorára. M., 1980. S. 4.) Így a klasszikus tónusú gravitációs szerkezeti típus helyett a „pretonálishoz” (a modális harmónia idejéből) valamelyest hasonló szerkezet jön létre. a 15-16. század), azonban tovább új alap a tonális (vagy talán már új-tonális) elv megvalósítása. A tónustól távol álló és bonyolult kapcsolatokat hordozó szakaszok nem „hangon kívüliek”, hanem tonálisan instabilak vagy átmenetiek, ami végső soron erősíti a mondaton és perióduson belüli általános hangstabilitást (vö. kromatikus sorozatokkal, 204B példákkal stb.). mindkét esetben (282. példa) a tónuskezdet és -vég erős keretei lehetővé teszik, hogy a középpontban a toniktól rendkívül távol eső harmóniákat tartsunk a középpont felé irányuló gravitációs mezőben

Szergej Vasziljevics Rahmanyinov. románcok

"Orosz zeneszerző vagyok, és a szülőföldem nyomot hagyott a karakteremben és a nézeteimben. A zeném a jellemem gyümölcse, ezért ez orosz zene... Nincs saját hazám. El kellett hagynom az ország, ahol születtem, ahol küzdöttem és elszenvedtem a fiatalság minden bánatát, és ahol végül sikerült.

"Mi a zene?!

Csendes holdfényes éjszaka van;

Ez az élő levelek susogása;

Ez egy távoli esti harangszó;

Ez az, ami szívből fakad

és a szívhez megy;

Ez szerelem!

A zene testvére a költészet

és az anyja szomorú!

Rahmanyinov zongoránál, 1900-as évek eleje.

1892-től 1911-igSzergej Vasziljevics Rahmanyinov83 románcot írt, azazmind létre vannak hozvaéletének orosz korszakában. Népszerűségben versenyeznek zongoraműveivel.A románcok nagy része a 19. század második felének orosz lírai költőinek szövegeire íródott.századés a 20. forduló és alig több mint egy tucat a 19. század első felének költőinek verseiről - Puskin, Kolcov, Sevcsenko orosz fordításban.

Rahmanyinov írta:„A költészet nagyon inspirál. A zene után a költészetet szeretem leginkább. … Mindig kéznél van a költészet. A költészet inspirálja a zenét, mert magában a költészetben sok zene van. Olyanok, mint az ikertestvérek."

1. "Nem vagyok próféta" - Alekszandr Kruglov szavai. 2. "Itt az idő" - Nadson. 3. "Krisztus feltámadt" - Merezhkovsky. 4. "Hogy fáj" Glafira Galina. 5. Hangosítás. 6. "Szerelmes lettem a szomorúságomba" - Pleshcheeva (Sevcsenko-tól). 7. "Ó, ne, kérlek, ne menj!" - Merezskovszkij. 8. "Sziget" - Balmont 9. Részlet Mussetből - Apukhtin fordítása. 10. "Jó itt" - Galina. 11. "Várok rád" - Davidova. 12. "Az éjszaka szomorú" - Bunina. 13. "Ne higgy nekem, barátom!" - Alekszej Tolsztoj. 14. "Ne énekelj, szépség, velem" - Puskin 15. "Ima" - Pleshcheeva (Goethétől). 16. Milyen régen, barátom - Golenishcheva-Kutuzova. 17. "Tavaszi vizek" - Tyutchev.

Rahmanyinov románcaibanminden tükröződik benne, ami az anyaországról alkotott elképzelésében egyesült - egy orosz ember lelke, földje iránti szeretete, gondolatai, dalai.A természet képeit nem csak a csendes, szemlélődő hangulatok kifejezésére használják. Néha segítenek viharos, szenvedélyes érzések megtestesülésében. Ekkor virtuóz jellegű románcok születnek, melyeket a formai szélesség, a színgazdagság, a zongorajáték ragyogása és összetettsége jellemez. Ebben a stílusban a "Spring Waters" romantika Tyutchev szavaira íródott. Ez az orosz tavasz zenei képe, a lelkes, örömteli érzések verse.

A "lila" Beketova szavaihoz Rahmanyinov dalszövegeinek egyik legértékesebb gyöngyszeme. Ennek a romantikának a zenéjét a kivételes természetesség és egyszerűség, a lírai érzés és a természetképek csodálatos fúziója jellemzi.

Rahmanyinov énekszövegében nagyon különleges helyet foglal el az 1915-ben írt Vocalise (a nagy énekesnőnek, Nezhdanova-nak szentelve). A népdalstílus elemei itt szervesen beleolvadnak a dallamba, melyet fényes egyéniség jellemez. A dallam szélessége, fejlődésének rohamtalansága, harmonikus nyelve a Vocalise és az orosz elhúzódó dal kapcsolatáról tanúskodik.

Az ablakomnál a madárcseresznye virágzik,
Elgondolkodva virágzik egy ezüstös riza alatt...
És egy friss és illatos ággal meghajolt és hív...
Repülő légies szirmait
Boldogan veszek egy vidám levegőt,
Édes illatuk elhomályosítja elmémet,
És szerelmes dalokat, amelyeket szavak nélkül énekelnek...

Galina Galina

százszorszépek

Nézd csak! hány százszorszép
Ott is és itt is...
Virágoznak; sok belölük; feleslegük;
Virágoznak.
Szirmaik háromszög alakúak, mint a szárnyak,
Mint a fehér selyem...
Te vagy a nyári erő! Te vagy a bőség öröme!
Könnyűezred vagy!
Készülj, föld, virágból ital nőtt,
Adj levet a szárnak...
Ó lányok! ó, százszorszép csillagok!
Szeretlek...

Igor Szeverjanin

A lírai-tájjellegű románcok Rahmanyinov énekszövegének egyik legfontosabb területét alkotják. A tájelem vagy összeolvad a fő pszichológiai tartalommal, vagy ellentétes vele. Ezen művek egy része ünnepi, akvarell tónusokkal készült, nyugodt, elmélkedő karakterrel, finomsággal és költészettel jellemezve.

istoriyamuziki.narod.ru ›rahmaninov-vokal-tvor.html

Szergej Rahmanyinov kiemelkedő orosz klasszikus zeneszerző a 19. század második felében született Oroszországban. 1943-ban, a második világháború idején halt meg az Egyesült Államokban. Szergej Vasziljevics híres zongoraművészként is ismert, karmesterként mesterien irányította a zenekart.

Szergej Rahmanyinov családjában sok zenész volt. Szergej zongoraművészként ismertté vált a közönség körében, amikor még a Moszkvai Konzervatóriumban tanult. Fiatal tehetségként aranyéremmel végzett.

A leghíresebb zeneművek Szergej Rahmanyinov, mint zeneszerző – ezek a „Szimfonikus táncok”, egy nagyon eredeti szimfonikus költemény „Holtak szigete”, egy „Rostislav herceg” szimfonikus költemény, egy csodálatos szimfonikus költemény „A harangok” egy nagyon szavaira eredeti amerikai költő és író, Edgar Poe, a "komor zseni". A „Francesca de Rimini”, „A fösvény lovag”, „Aleko” operák, több szimfónia is, amelyek létrehozásuk sorrendje szerint vannak számozva. Általában Szergej Rahmanyinovot a romantikus irányzat zeneszerzőjének tekintik.

Szergej Rahmanyinov románcokat is írt, számos zongoradarabot alkotott. Szergej Rahmanyinov egyik legszebb románca – ez A "Spring Waters" 1896-ban készült, a híres orosz klasszikus, Fjodor Tyucsev költő szavaira. A romantika a természet tavaszi ébredésének, a hó olvadásának, hópatakoknak, árvizeknek a képét írja le. Ez egy jelentős, fényes, pozitív kompozíció, a tavasz örömteli hírnöke. "Jön a tavasz! Jön a tavasz!" - romantikát énekel.

Szergej Rahmanyinov és családja röviddel az 1917-es forradalom után elhagyta Oroszországot. Egy évet Európában töltött, ahol zongoraművészként és karmesterként számos koncertet adott, és nagyon híres lett. Aztán az USA-ba költözött. Itt még nagyobb népszerűségre és hírnévre tett szert, nagyon gazdag emberré és a szimfonikus zene "élő legendájává" vált.

Érdekes módon Rahmanyinov zeneszerzői karrierjének kezdete rendkívül sikertelen volt. Senki sem értette újító, eredeti zenéjét, a kritikusok rosszindulatú kritikákat írtak, a fiatal zeneszerzőt hangosan középszerűnek nevezték zenei körökben, de 30 éves korára Rahmanyinovnak sikerült elnyernie az egész orosz hírnevet. És mi történne, ha Rahmanyinov az elején kreatív módon feladta és feladta?

Repertoárunkban különleges helyet foglaltak el Szergej Vasziljevics RACHMANINOV (született 1873-1943) románcai.

A korán megnyilvánuló zenei képességek előre meghatározták jövőjét: 8 évesen a Szentpétervári Konzervatórium alsó tagozatának növendéke lett. Azonban a Moszkvai Konzervatóriumban kellett tanulnia.

1891-ben diplomázott zongoraművészként, 1892-ben zeneszerzőként, előadóként. tézis Az "Aleko" opera Puskin "Cigányok" című költeménye alapján.

A tanulmányi évek alatt megalkotja egyik legérdekesebb kompozícióját - az első zongoraversenyt, amely tele van ragyogó képekkel, gyönyörű dallamokkal és briliáns technikával.

Ugyanebben az években jelentek meg első románcai, köztük D. Merezskovszkij szavai szerint „Ó, NE, KÉRJÜK, NE HAGYJ EL”:

Ó, ne, kérlek, ne menj!
Minden fájdalom semmi az elválás előtt.
Nagyon örülök ennek a kínnak.

Az iránti érzékenység jellemzi költői szöveg, amely eleven "lélegző" frázisokkal teli dallamot szült.

Rahmanyinov egyik legjobb románca F. Tyutchev szavaira a "Tavaszi vizek", tele az ébredő természet, a fiatalság, az öröm és az optimizmus izgalmas erejével.

Még fehérlik a hó a mezőkön,
És tavasszal zajosak a vizek.
Futnak és felébresztik az álmos partot,
Fuss és ragyogj és mondd..
Azt mondják mindenhol:
Jön a tavasz, jön a tavasz!
A fiatal tavasz hírnökei vagyunk,
Ő küldött minket előre!"

A duó ritmusban, főleg magas tartományban felállított énekszólam hirdető és hirdető jellegű. A kíséretben a tizenhatodokkal megtöltött hármasok forrongó-felszálló mozgásával való kombinációja a forrásban lévő árvíz, a megállíthatatlan vízfolyás, a természetes tavaszi ébredés szimfóniájának látható benyomását kelti.

A "TITOKOS ÉJSZAKÁNAK CSENDÉBEN" című romantika dallama, A. Fet szövege, széles lélegzetben:

Ó, még sokáig fogom
A titkos éjszaka csendjében
Mosolyogj, nézz, véletlenszerű pillantás,
Ujjak engedelmes haj,
A sűrű hajad
Vezesd ki a gondolataidat és hívj újra;

Fokozatosan fejlődik, rövid frázisokra bomlik, amelyek nem fosztják meg szemantikai időtartamától, csak fokozzák a kép drámaiságát, ami a romantika természetes dinamikus és érzelmi csúcspontjához vezet:

Suttogj és ismételd a régi kifejezéseket
Beszédeim veled, tele zavarral,
És részegen, az ész ellen,
Becses név, hogy felébressze az éjszaka sötétjét,
Becses név, hogy felébressze az éjszaka sötétjét -

Az utolsó mondat ismétlésre hangzik, visszaadva minket az eredeti hangulathoz. Utoljára a mű végén szólal meg a zongorán, a kíséretben olvadó tripletek hátterében.

A zongorakíséret harmonikusan és törékenyen egészíti ki a dallamot, a csúcspontokon pedig teljessé teszi zenei és költői gondolatát.

Rahmanyinov, Csajkovszkij, Rimszkij-Korszakov románcai mélyen szimfonikusak. Előtte, be szovjet idő, csodálatos zenei hagyománya volt - klasszikusaink románcainak átiratát készíteni egy szólista előadására, szimfonikus zenekar kíséretében.

Végig a rádióban voltak. Most egészen mást énekelnek és a „rétegelt lemez” alatt. Emlékszem a mikrofonba "fújás" korszakának kezdetére. Azóta csak operaénekesek tanulnak éneket. Az ének fogalma a színpadon nagyon kevés képviselője van.

A kultúra hány aspektusát sújtotta azonnal ez az analfabéta vokálszövetség és szakmai megengedés!

„ILOTED MY SORRY”, op. A. Pleshcheeva (Heine-től) - romantika egy nő szomorú sorsáról, akinek a férjét elvették toborozni. A romantikához széles dallamosság, hangszín teltség kell.

Beleszerettem a szomorúságomba
A tehetségtelenek árvája.
Volt már ilyen vágásom.

A szükséges karakter elérése érdekében a zeneszerző sokféle kifejezési eszközt használ: kontrasztos dinamikát, hangsúlyokat, a hang erősségének hosszan tartó növelését, amelyet zongorakíséretben „bugyogó” harmonikus triplettek erősítenek fel.

Széttépett minket erős emberek,
Elvitték, beszervezték...
És katona vagyok, magányos
Tudd, hogy valaki más kunyhójában fogok megöregedni.
Micsoda részesedés nekem. DE...

A románc a kétségbeesés és a sírás hangjával ér véget – egy magányos katonafeleség siránkozásával, amelyet a kíséret tizenhatodik hangjának elhalványuló szakaszai támasztanak alá.

„A LONG IN LOVE A. Feta dalszövegei a romance csalódás, telítve érintéssel, kifejező tempóeltérésekkel. Rövid kifejezések - a panaszok tele vannak keserűséggel és sajnálattal. A legkifejezőbb dallam gyönyörű harmóniával és a zongora szólam változatos textúrájával gazdagodik.

Hosszú ideig a szerelemben kevés a vigasz.
Lélegzetelállító sóhajok
Könnyek öröm nélkül
Ami édes volt, keserűvé vált
Lehullottak a rózsák, szertefoszlottak az álmok.

Mind a szemantikai, mind a dinamikus csúcspont a második versszakban van, az érzelmek és a reménytelenség érzéseinek felhalmozódása következtében az elsőben:

Hagyj, keveredj a tömegbe!
De te elfordultál, és láthatóan panaszkodsz
És még mindig rosszul vagy tőlem.
Ó, milyen nehéz ez nekem
És milyen kínos számomra!

Úgy tűnik, ezekre a strófákra - prózára nézve - ezek alapján lehetetlen valami harmonikust alkotni, ami egy elfogadható zenei formába illeszkedik. De micsoda zenei dramaturgia erejét és a dallamok intonációjának finomságát éri el Rahmanyinov azzal, hogy az egész verset egyetlen zenei gondolatba – egy kijelentésbe – öleli fel!

A fent említett románcok, amelyeket elsajátítottunk, érzelmileg élénkek, tele vannak belső kifejezéssel és drámával.

Kifejezés mind a dallamban, mind a zongoraszólam összetett és részletgazdag textúrájában és harmóniájában.

Romantikus „DREAM”, op. Pleshcheev, egy romantikus zenei miniatűr-álmok a múltról, minden vers végén felszálló passzussal, amelyet egy hang délibáb kísér, amely kiegészíti a felmerült emlékeket.

És volt szülőföldem: gyönyörű!
Ott imbolygott fölöttem a luc...
De ez álom volt!

A baráti család élt. Minden oldalról
Szerelmes szavak hangzottak el bennem...
De ez álom volt!

„SIRENE”, op. Beketova, a könnyű költői szöveg példája. A dallam egyszerű, csupa frissesség, átlátszóság, a nyolcadhangok megállás nélküli dobogásának és a kíséretben felbukkanó rövid kontrapontnak a ritmusában, mint egy falusi furulya távoli dallama.

Reggel, hajnalban a harmatos füvön...
Reggel frissen megyek levegőt venni,
És az illatos árnyékba, ahol az orgona tolong,
Megyek keresni a boldogságomat...

Az életben az a sorsom, hogy egyedül találjam meg a boldogságot,
És az orgonában lakik a boldogság;
Zöld ágakon, illatos ecseteken
Virágzik szegény boldogságom

"RIVER LILE", op. A. Pleshcheeva (a Heine-től) egy elegáns zenei miniatűr. A hajlékony szeszélyes dallam mintegy megrajzolja a szemlélődő akvarell részleteit: a holdfény által ezüstözött liliom a folyó vízfelszínén, a zongora szólamban felszálló kecses hangok (díszek) a közelébe hajló levelek átlátszó éjszakai cseppje. a fiókok bankjai.

A folyami liliom a fejét felemelve nézi az eget.
És a sugarakba szerelmes hold szomorúan ezüstözi őt...
És itt ismét szégyenlősen leereszkedett az azúrkék vizekre.
De a hold még mindig sápadtan és bágyadtan, mint egy szellem, ott is ragyog...

Ez a bájos zenei hangfelvétel Rahmanyinov zeneszerző-kolorista készségének megnyilvánulása.

Mindhárom románc kecses, könnyű zenei akvarell – a dallam és a finom ábrázolás olyan könnyed és átlátszó bennük.

A frázisok súlytalan zenei szövetétől kísérve mintha „lógna” a levegőben... A zenei „színvilág”, a kifejezési eszközök választéka szokatlanul széles.

A zeneszerző műveinek előadása nagyon komoly előadói feladatot és nagy művészi felelősséget jelentett számunkra.

S.V. munkáinak csak egy kis részét sajátítottuk el. Rahmanyinov románcainak első kötetéből, leggyakrabban az éterben (a rádióban) hallható. Voltak azonban kevéssé ismertek is: "River Lily", "Long in Love" és mások.

A "lila" egy romantika, amely lehetővé teszi, hogy pontos képet kapjon Rahmaninov dalszövegeiről. Ennek a műnek a zenéje természetes és egyszerű, lírai érzések és természetképek kombinációjával tűnik ki. A románc teljes zenei szövete dallamos és dallamos. A nyugodt, énekes énekmondatok természetesen követik egymást.

A dalt és a drámai elemeket ötvöző "Ne énekelj, szépség, előttem" romantika Rahmanyinov 90-es évekbeli énekszövegeinek igazi remeke. A mű elgondolkodtató és szomorú fő témája először a zongorabevezetőben jelenik meg, kész dallamként. A basszusban monoton ismétlődő A, a középhangok kromatikusan ereszkedő mozgása a harmóniák színes változásaival együtt keleties ízt ad a bevezető zenei képének. A romantika csúcspontja a harmadik versszakban éri el, miközben érdekesség, hogy ebben a műben van egy második csúcspont is a reprízben.

A „Spring Waters” (F.I. Tyutchev szavaira) Rahmanyinov lírai-táji műveihez kapcsolódó románc, amely az orosz tavasz képét ábrázolja. Az énekszólamban a dúr triász hangjaira épülő motívumok dominálnak, lendületes ugrással végződő emelkedő frázisok. A zongora szólam nagyon tartalmas, és fontos szerepet játszik a darab általános életigenlő hangulatának megteremtésében.

A forrásvizek zenei képe S. V. Rahmanyinov "Spring Waters" című romantikájából

"Az éjszaka szomorú" című regény (I. A. Bunin szavai szerint) - új típusú Orosz elégia. Az elégia műfajában hagyományos strofikus forma hiánya, a romantika középső szakaszában megjelenő új tematikus anyagok és a recitativ előadásmód a vokális monológ jeleit viszi bele. Nagyon érdekes ennek a műnek a zenei formája is, amely háromrészesnek definiálható, bár az egyes részek nem haladják meg a mondatot. A románc két dallam kidolgozásán alapul, amelyek közül az egyik az ének szólamban, a másik a zongora szólamban formálódik.

A Rahmanyinovról, a 20. század kiemelkedő karmesteréről, zongoraművészéről és zeneszerzőjéről szóló történetet befejezve megjegyzendő, hogy alkotói öröksége az orosz művészeti kultúra szerves része; a legjobb zongora-, ének- és szimfonikus művek szerepelnek a klasszikus orosz zene aranyalapjában.

Mecsiszlav Karlovics

Mieczysław Karlowicz lengyel zeneszerző, karmester, hegedűművész 1876-ban született zenész családban. Apja a Brüsszeli Konzervatórium cselló szakán végzett, édesanyja énekes és zongoraművész volt. Mieczysław öt évesen kezdett zenei tanulmányokat folytatni. 1889-től 1895-ig S. Barcevics és Z. Noszkovszkij hegedűművésznél tanult (harmónia), majd Berlinben G. Urban hegedűművésztől és zeneszerzőtől vett leckéket.

Karlovic volt az első honfitárs kollégája, aki minden erőfeszítését a szimfonikus zene megteremtésére irányította. Gyakorlatilag nem voltak nemzeti hagyományok ezen a területen, hiszen a 19. századi lengyel zeneszerzők elsősorban a zongora (F. Chopin), a hegedű (G. Wieniawski) és az opera (S. Moniuszko) műfaját kedvelték, illetve az egyéni zenekari művek is. csak lépések a lengyel szimfonikus iskola megjelenése felé (Moniuszko „Tündérmese”).

1901-ben Karlovich visszatért Németországból hazájába. Az 1900-as évek elején írta legjelentősebb műveit, köztük a hegedűversenyt, a "Century Songs"-t és a "Litván rapszódiát". Az alkotó munka mellett a zeneszerző aktív előadói és társadalmi tevékenységet is folytatott.

Bár Karlovich műveire néhány drámai hangulat is jellemző, zenéje finom lírájával ámulatba ejti a hallgatót. A szimbolista költészet nagy hatással volt a zeneszerzőre. A szimbolista esztétika jegyei különösen a zenész számos programművének partitúráját kísérő kommentekben tűnnek fel. A modernista kifejezőeszközök azonban nem vonzották Karlovichot, ezért a 19. és 20. század fordulójának művészetére jellemző legújabb irányzatok csak a cselekmény- és témaválasztásban tükröződtek. A lengyelországi dalszerzés népi hagyományaihoz a meglepően szívhez szóló és tiszta, dallamos és kifejező zene kötődik.

Ilyen Karlovich számos híres munkája. Köztük van hegedűversenye (1902), amely romantikusan vidám és lelkes. A fiatalság erejének és friss szépségének benyomását keltik mindhárom része (Allegro moderato, romantika és finálé). Ez a koncert a zeneszerző egyik legoptimistább és legéletigenlőbb műve lett.

A hegedűverseny legvonzóbb aspektusa a tisztán szláv zenében rejlő dallamgazdagság és dallamosság. Az expresszivitás és a virtuozitás ötvözésének képessége közelebb hozza Karlovics munkásságát P. Csajkovszkij műveihez. A zenész munkássága ugyanakkor arról tanúskodik, hogy méltó folytatója a lengyelországi hegedűművészet virtuóz hagyományának, amely G. Wieniawski kortársait csodálta. A Karlovich által írt versenymű előnyei között olyan tulajdonságok szerepelnek, mint a fejlődés folytonossága, a formatisztaság, a szóló és a zenekari részek elképesztő kompatibilitása. A mű ráadásul jól mutatja Karlovich kiváló tudását egy ilyen hangszer, például a hegedű minden technikai és kifejező lehetőségében, bár ebben nincs semmi meglepő: a zenész csodálatos hegedűművész volt, aki sikeresen elvégezte a konzervatóriumi tanfolyamot, és tökéletesen előadta a P. Csajkovszkij versenyműve a záróvizsgán.

Karlovich ragyogó tehetsége a szimfonikus költemény műfajában is megmutatkozik. A szimbolizmus jegyében íródott visszatérő hullámok (1904) egy olyan ember élményeiről mesél, akinek napjai meg vannak számlálva, de egykori boldogságának emlékei továbbra is izgatják. Szomorú hangulat hatja át a zeneszerző által 1904-1906-ban készített "Century Songs" szimfonikus triptichont is. Három részből áll: "A szorongás korszakainak dala", "A szerelem és a halál dala", "A mindenség dala". És 1907-ben egy másik szimfonikus költemény jelent meg - "Stanislav és Anna". Ez a mű lenyűgöz a zenekari hang érzelmességével és kifejezőképességével.

Meg kell jegyezni Karlovics olyan művét is, mint a "Litván rapszódia" (1906), ahol a zeneszerző a litván és a fehérorosz folklór felé fordult. A kidolgozás alapossága, a népi dallamjegyek vonásainak átvételének finomsága, a költői képek mély feltárása – mindez teszi igazán elbűvölővé a rapszódia zenéjét.

Bár Karlovich rövid életet élt (1909-ben a harminckét éves zeneszerző meghalt, egy lavina temette el a Tátrában), munkásságának a lengyel zenei hagyományokhoz kötődő jelentősége igen nagy.

Bartók Béla

Bartók Béla, a legnagyobb magyar zeneszerző, a 20. század egyik klasszikusa 1881-ben született a romániai Nagyszentmikloson (ma Synnikolaul Mare). Édesapja egy mezőgazdasági iskola igazgatója, édesanyja tanárnő volt. Észrevette fiában a zenei képességeket, ő adta neki az első zongoraleckéket. Ezután a fiú az akkori híres zenészeknél, F. Kershnél és L. Erkelnél tanult, majd 1899-ben beiratkozott a budapesti Zeneakadémiára, ahol zongoraművészetét és kompozícióelméletet tanult.

Bartók Béla

Az akadémia 1903-as elvégzése után Bartók a magyar népművészet felé fordult, és rendszeresen járt expedíciókra távoli magyar, román és szlovák külterületekre, ahol régi népdalokat jegyzett. Ezt követően műveiben többször is felhasználta a folklórt.

1904-ben hangzott el Bartók első nagy műve, a Kossuth című szimfonikus költemény. Rajta kívül ekkorra több zongoradarabot, vonósnégyest és zenekari szvit írt. A zeneszerző 1911-ben kezdett el dolgozni a Kékszakállú herceg vára című operán, amelyet csak 1918-ban sikerült befejeznie, amikor a Fából faragott herceg című balett már elkészült. Egy idő után megjelenik a következő balett-pantomim - "Csodálatos mandarin".

Bartók nem korlátozódik a zeneszerzésre, hanem zongoristaként is tevékenykedik. Európa és az USA számos nagyvárosában turnézik, köztük Moszkvában és Leningrádban.

1907-ben Bartók a Zeneakadémia zongoraprofesszora lett. 1934-ben abbahagyta a tanítást, és teljesen rá koncentrált kutatómunka folklór és néprajz területén. A második világháború elején a zeneszerző az Egyesült Államokba költözött. Az élet azonban egy idegen országban nagyon nehéz: Bartok nagyon magányos, itt nincsenek se barátai, se tisztelői. 1945-ben a New York-i Állami Szegények Kórházában hal meg.

A zeneszerző alkotói örökségét ezen műveken kívül még két kantáta, egy szimfónia, vonós-, ütő- és celeszta-zene, zenekari versenymű, három zongora-, két hegedű- és brácsaverseny, számos kamara-instrumentális és zongorakompozíció, kórusok, dalciklusok énekhangra és zongorára. Bartoknak is több tulajdonosa van tudományos munkák a folklór szerint.

Carl Orff

Carl Orff német zeneszerző, karmester, tanár 1895-ben született Münchenben. Ötéves korában zongorázni, csellózni és orgonálni kezdett. Később a Müncheni Zeneakadémián tanult zenét, ahol A. Beer-Walbrunn és P. Zilcher voltak a mentorai. A jövőben Orff leckéket vett a híres polifonista G. Kaminskytól.

1915-1919 között Orff karmester volt Münchenben, Mannheimben, Darmstadtban. A Müncheni Zeneakadémián zeneszerzés professzori posztot töltött be.

A zenész 1924-ben a günteshuli zeneiskola egyik alapítója lett, ahol zenei, táncos és gimnasztikai gyakorlatok segítségével saját rendszert alakított ki az utánpótlás nevelésére. Orff egy jól ismert iskolai tankönyv szerzője. Számos művet készített gyermekkórusra és ütőhangszerekre.

Az Orff másik tevékenységi köre a Bach Társaság hangversenyeinek rendezése. A zeneszerző 1955-ben a Tübingeni Egyetem díszdoktori címét kapta.

Orff legjelentősebb alkotásai közé tartozik három színpadi kantáta („Carmina Burana”, „Catulli Carmina”, „Aphrodité diadala”), zenei és drámai alkotások („Hold”, „Okos lány”, „Bernuerin”). Legfőbb tulajdonságuk a megtestesülés realizmusa és a dalzene kifejezőképessége volt. Ilyen például a „Carmina Burana” (1936) kantáta, melynek alcíme: „Világi dalok szólistáknak és kórusoknak hangszeres kísérettel és színpadi képekkel”.

Ez a mű a szerző által a 13. században összeállított régi „Karmina Burana” dalgyűjtemény szövegein alapul, amely ma az egyik bajor kolostor boltívében található. Ezeket a vidám és vidám vagy iróniával teli dalokat iskolások, szerzetesek, kézművesek és parasztok szerezték. A régi dallamok intonációit mesterien felhasználva Orff új hangzást ad nekik, bemutatja a diatonika eredeti interpretációjának minden lehetőségét. Nagy érdeklődésre tart számot a kantáta zenekar, amelyet a zeneszerző két zongorával és különféle ütős hangszerekkel egészített ki.

Bár a kantáta azt mondja, hogy az ember nem tud ellenállni a sorsnak, élete a szerencsekerék fordulataitól függ, meglepően friss és energikus zenéje vidám és derűs hangulatot varázsol a hallgatóságba. Orff nemcsak intonációkat visz be a kantátába, hanem népdaltöredékeket is, de munkája nem válik stilizációvá.

A Carmina Burana kifejezőereje és elemi ereje kedvezően különbözteti meg a Catullus, Sappho és Euripides szavaira írt Catulli Carminától (1943) és Aphrodité diadala (1951), de ezeknek a kantátáknak is sok vonzó és fényes oldala van.

A nagy érdeklődésre számot tartó színpadi alkotások közé tartozik a Grimm fivérek meséje alapján készült "Okos lány" (1942), a bohózatos előadás jegyében eleven humorral teli alkotás.

Carl Orff 1982-ben halt meg.

Igor Fjodorovics Sztravinszkij

A 20. század egyik legnagyobb muzsikusa, Igor Stravinsky 1882-ben született a Szentpétervár melletti Oranienbaumban. Apja, F. I. Stravinsky énekes, a Mariinsky Imperial Theatre szólistája volt.

Igor Fjodorovics Sztravinszkij

A fiú korai zenei képességeket mutatott. 9 évesen kezdett zongorázni tanulni, először Snetkovával, majd Kashperovával. Sztravinszkij azonban nem kapott professzionális zenei oktatást, és 18 évesen, szülei kérésére belépett a Szentpétervári Egyetem jogi karára. De a zene iránti vonzalma nem múlt el, és ez minden. Szabadidő zeneelméleti tárgyak tanulmányozásának szentelte magát.

Két évvel később Sztravinszkij, felismerve, hogy szakmai tanácsra van szüksége, Rimszkij-Korszakovhoz fordult, aki 1903-1905 között magánórákat adott neki, és haláláig biztosította tanítványának a szükséges segítséget.

Sztravinszkij első művei, amelyeket Rimszkij-Korszakov vezényletével írt, több zongoradarab volt, Rimszkij-Korszakov 60. évfordulójára készült kantáta, „A faun és a pásztorlány” szvit énekhangra és zenekarra, egy szimfónia E-dúr, Fantasztikus Scherzo. Diaghilev részt vett az utóbbi premierjén. A fiatal zeneszerző tehetségétől lenyűgözve balettet rendelt neki a párizsi Orosz Évszakok színpadára. Az eredmény a Tűzmadár (1910), majd Petruska (1911), és még később A tavasz rítusa (1913) lett. Ezek a kompozíciók megérdemelt népszerűségre tettek szert a zenekedvelők körében, és világhírűvé tették alkotójuk nevét.

Akkoriban Sztravinszkij oroszországi tartózkodását párizsi utazásokkal váltotta fel. 1914 nyarán, tehát közvetlenül az első világháború kitörése előtt a zeneszerző Svájcba ment, ahol az ellenségeskedések kitörése miatt 1918-ig kellett maradnia. Sztravinszkij az országban eltöltött évek alatt megírta A csalogány (1914), Egy katona története (1918) című operát, amelyet ő maga a következőképpen definiált: „Tündérmese egy szökött katonáról és egy ördögről, olvasott, játszott és táncol. "

A zeneszerző nem akart visszatérni a szovjetné vált Oroszországba, Párizsba költözött, ahol 1940-ig élt. 1919-ben új megrendelést kapott Diaghilevtől, ami abból állt, hogy Stravinskyt felkérték a Pergolesi zenéjén alapuló „Pulcinella” balett zenei részének tökéletesítésére.

Valamivel később Sztravinszkij A mór című operáit (Puskin A kolomnai ház című verse alapján) és az Oidipusz Rexet mutatták be Franciaország fővárosában. Ez utóbbi megjelenése egy új szakasz kezdetét jelentette a zeneszerző munkásságában - neoklasszikus, amely a tisztán orosz hagyományban felváltotta műveit.

1924-ben Stravinsky zongoraművészként debütált, zongoraversenyét egy fúvószenekarral adta elő, Koussevitzky vezényletével. Egy évvel később Stravinsky kipróbálja magát karmesterként. Szabadidejében színházi zenét komponál, emellett más zenei műfajok felé is fordul: szimfóniát ír fúvós hangszerekre, szviteket kamarazenekarra, zongorára és énekművekre. Hamarosan megjelentek Stravinsky balettjei: "Apollo Musagete", "A tündér csókja", a híres zsoltárok szimfóniája az Ószövetség latin szövegeihez.

Az 1930-as évek elejét a zeneszerző olyan műveinek megjelenése jellemezte, mint a hegedű-zenekari versenymű és a kétzongorára írt versenymű. 1933-1934-ben Stravinsky a híres táncosnő, Ida Rubinstein megbízásából A. Gide-del együtt megkomponálta a Persephone című melodrámát. Aztán elhatározza, hogy elfogadja a francia állampolgárságot, aminek következtében végleg elszakadnak a szálak, amelyek máig összekötik hazájával. Ugyanebben az időszakban jelent meg önéletrajzi könyve "Életem krónikája".

1936-ban Stravinsky turnéra indult az Egyesült Államokban. A Metropolitan Opera ad otthont Kártyázás című balettjének ősbemutatójának, és ő maga is belekezd a Dumbarton Oaks-versenybe, amelyet 1938-ban adtak elő a vásárlók, a Bliss házastársai otthonában. Ugyanebben az évben több órát is tart a Harvard Egyetem hallgatóival.

Az 1940-es évet Stravinsky számára a Franciaországtól való búcsú és az USA-ba költözés jelentette. Most néha Európába is turnézik, ahol zongoristaként és karmesterként lép fel. 1962-ben ünnepélyesen ünnepli 80. születésnapját, majd végül elhatározza, hogy ellátogat a Szovjetunióba. Moszkvában és Leningrádban ad koncerteket, majd visszatér az USA-ba. Újabb öt év után befejezi fellépéseit, de továbbra is zeneszerzőként dolgozik. Élete 1971-ben New Yorkban ér véget.

L. Bakst. Jelmeztervezés I. F. Stravinsky "The Firebird" című balettjéhez

Sztravinszkij alkotói öröksége a fent említett műveken kívül a J. Hogarth metszetsorozatán alapuló The Rake's Progress című opera (1571), az Orpheus (1948), A ketrec (1951) és az Agon (1957) című balettjei, szimfóniák „In C” és „Három tételben”, ébenfa versenymű klarinétszólóra és hangszeres együttesre, „Miatyánk” a capella kórusra, „Szent himnusz Szent Márk nevének dicsőségére”, „Próféta siralma” Jeremiás", kantáta "Prédikáció, példabeszéd és ima", "Ének a halottakért", számos kisebb opusz.

Érdekesség, hogy Sztravinszkijnak nincs egy bizonyos zenei stílusa, munkamódszere folyamatosan változik, ezért is kapta a kaméleon becenevet. Minden kompozíciója azonban az igazi mesterségbeli mesterség példája.

Alfredo Casella

Alfredo Casella olasz zeneszerző, zongoraművész, zenekritikus és tanár 1883-ban született. Zenei tanulmányait a Párizsi Konzervatóriumban szerezte. Zeneszerzést tanult G. Faure vezetésével, zongorát - L. Diemer. Stílusának kialakulására nagy hatással volt a francia zene, R. Strauss munkássága, valamint G. Mahlerrel való ismerkedés. Casella korai művei közül a leghíresebb az 1909-ben írt „Olaszország” szimfonikus rapszódia volt, amely a szerző azon vágyát tükrözte, hogy képeket közvetítsen a nápolyi és szicíliai életről. A zeneszerző a mű partitúrájába beépített népi dallamokat, amelyek kissé súlyos zenekari környezetben jelennek meg.

1912-1915-ben Casella a Trocadero teremben megrendezett Folk Concerts karmestere volt. Ugyanebben az időszakban zongorát tanított a Párizsi Konzervatóriumban.

1915-ben a zeneszerző Rómába költözött, ahol a Santa Cecilia Zeneakadémia zongoraprofesszora lett. Koncertekkel számos európai és amerikai városba látogatott el.

Rómában jelent meg Casella „A háború lapjai” című szvitje (1918), amelyet korunk tragikus eseményeinek szenteltek. Azóta a zenész egykori munkásságában alig észrevehető neoklasszikus irányzatok jelentősen megerősödtek. Különösen érezhetőek a zongora-zenekari partitában (1925), ahol a szerző konstruktivizmus iránti vágya kerül előtérbe. Sok korabeli európai zeneszerzőhöz hasonlóan Casella is folyamatosan a régi olasz zene hagyományai felé fordult. Leginkább a 17-18. századi művészet vonzotta, különösen A. Vivaldi és A. Scarlatti művei. G. Rossini és A. Paganini munkássága is jelentős hatással volt a zenészre. Casella műveiben az ókor iránti érdeklődés párosul a modern zeneművészet kifejező eszközeinek használatának vágyával, amelyet a zeneszerző elméleti műveiben újragondolt ("The Evolution of Music in the Light of the History of Cadance Change", 1918; " Politonalitás és atonalitás"). Fontos szerep a népművészet is megszólal a zeneszerző zenéjében. Casella számos művében jól láthatóak a folklór elemei.

A zeneszerző legérdekesebb művei közé tartozik a vonószenekari versenymű (1927), valamint a Scarlattiana zongorára és 32 vonós hangszerre (1926) és a Paganiniana (1942) szvit, amelyek az olasz musical híres mestereinek szabad feldolgozásai. Művészet. Ezekben a művekben, valamint a már említett zongora- és zenekari partitában Casella a neoklasszicizmus felé fordul. A neoklasszikus irányzatok a vonósokra, zongorára, timpánokra és ütőhangszerekre írt versenyműben (1943) is érezhetők. Ezt a kifejezetten a Bázeli Kamarazenekar számára készült versenyművet szerkezeti harmónia, a táncműfajok és a concerto grosso régi változatainak harmonikus kombinációja jellemzi.

A színház számára készült Casella legjelentősebb alkotásai közül kiemelendő az olasz buffa opera képeit megtestesítő A kígyó nő (1931), az Orpheus meséje, a Velencei kolostor (1913), A kancsó című balett. (1924). A zeneszerző a „Békéért” ünnepi mise (1944), három szimfónia, „Hősi elégia” (1916), koncertek, románcok, színdarabok, köztük tizenegy gyerekeknek szóló szerzője.

Casella aktívan részt vett a Nemzetközi Kortárs Zenei Társaság tevékenységében. A zeneszerző műveit gyakran adták elő a társaság által szervezett fesztiválokon különböző országokban.

Az olasz zeneszerző 1947-ben halt meg.

Bár Casella alkotásai jelentőségükben nem egységesek, a nemzeti hagyományok felelevenítésében óriási szerepet játszó zenész méltó helyet foglal el az olasz zeneművészet történetében.

Heitor Vila Lobos

Heitor Vila-Lobos brazil zeneszerző, karmester, tanár és folklorista 1887. március 5-én született Rio de Janeiróban. A zene iránti vonzalma meglehetősen későn mutatkozott meg. 16 évesen kezdett érdeklődni a folklór iránt, és sokat járta az országot, különféle népdalokat rögzített.

1923-ban Vila-Lobos Párizsba ment, ahol szorgalmasan tanult zenei tudományokat. Ott találkozott Ravellel, Prokofjevvel és más zeneszerzőkkel. Munkássága fejlődésében fontos szerepet játszott a velük való barátság.

Vila-Lobos, aki zeneszerzőként valósult meg, eközben kapott időt a koncertekre, mint karmester, miközben saját szerzeményeit és kortársai zenéjét irányította.

1931-ben Vila-Lobost Brazíliában a zenei oktatásért felelős kormánybiztosnak nevezték ki. Meg kell adni neki az illetményt: sok hasznot hozott hazájának, ilyen fontos posztot betöltött. Vila Lobos alapította zeneiskolákés számos brazil városban működő kórusstúdió kidolgozta a gyermekek zenei oktatásának rendszerét. 1945-ben az ő kezdeményezésére nyílt meg a Brazil Zeneakadémia, amelynek állandó elnöke volt.

A biztosi feladatok mellett Vila-Lobos továbbra is turnézott és koncerteket látogatott különböző országokban. Dél Amerika, az USA-ban, Londonban, Párizsban, Rómában, Lisszabonban stb. Neki köszönhető, hogy a világ megismerte az egyedülálló brazil zenét, amelyet a zeneszerző képviselt.

Vila Lobos élete 1959-ben ért véget Rio de Janeiróban. Alkotói öröksége hatalmas számú, különböző műfajú alkotás. Közülük mindenekelőtt az Aglaya, Eliza, Izat, Malasarte, Yerma című operákat emelném ki; operett "Maddalena"; 15 balett; a „Vidpura” és a „Song of the Earth” oratóriumok; kórusszvit „Brazília felfedezése”; Tömeg; 12 szimfónia; 2 szimfonitta; 18 szimfonikus költemény; 5 zongora- és 2 csellóverseny, kamara-instrumentális és zongorakompozíció. A zeneszerző leghíresebb műve a „Brazil dűnék” hangszeregyüttesre.

Vila-Lobos birtokában van a „Gyakorlati útmutató a folklór tanulmányozásához” című hatkötetes mű is.

Boguslav Martinu

1890-ben született Bohuslav Martinu cseh zeneszerző. A fiatal zenész első jelentős alkotása a "Cseh rapszódia" volt zenekarra (1918). 1923-ban Martin Párizsba ment, ahol A. Rousselnél kezdett tanulni. Tanulmányai befejezése után Franciaországban maradt, bár szülőföldjével soha nem szakította meg a kapcsolatot. A művészet új irányzatai sem kerülték meg, a zeneszerzőt érdekelte a neoklasszicizmus, a jazz stb. Martinára nagy hatással volt I. Stravinskyval és A. Honeggerrel való ismeretsége.

De fokozatosan a zeneszerző kialakította saját stílusát. A zenész műveit sikerrel adták elő Párizsban és Prágában, bár nem minden hallgató fogadta el művét. Néhányan túl merésznek, sőt merésznek tartották a zenéjét.

Az 1930-as években számos Martinu-mű jelent meg, amelyek szerzőjük nagy érdeklődéséről tanúskodnak a cseh motívumok iránt. Köztük a Shpalichek balett (1932), a Színdarabok Máriáról (1934) és a Színház a kapukon kívül (1936) című, folklórelemekre épülő opera.

A korszak legjelentősebb alkotásai közé tartozik a Júlia opera (1937) és a Kettősverseny két vonószenekarra, zongorára és timpánra (1938). Zenéjük tükrözte azokat a nyugtalanító hangulatokat, amelyek a második világháború küszöbén álló Európán végigsöpörtek. Martinou akkor ezt írta: „Minden eltűnt kéznél, a gondolatok sehol nem találtak választ vagy támogatást. Elmentek valahova a semmibe, mintha a megnyíló üresség az egész emberiséget magába vonná.”

A zeneszerző maga írta "Júliának" a librettóját, utalva J. Neve történetére. Az akció egy fantasztikus városban játszódik, amelynek lakói nem emlékeznek múltjukra, és nem különböztetik meg a valóságot a fikciótól. Michel, egy fiatal férfi, aki kedvesét keresi, egy idegen városban találja magát. Megtalálja a lányt, de Júliája, aki a város varázslatának hatalma alá került, már nem tud kiszabadulni. Nem tud megválni kedvesétől, Michelle ebben az őrült, szörnyű világban marad.

A Juliet teljes akciója kis jelenetekből áll, a vokális részek recitatívra épülnek. Az operában megvannak a pszichologizmus jegyei, a hallgató együtt érez a valószerűtlen, titokzatos világban élő szereplőkkel. Itt segít Martin finom művészi érzéke, az a képessége, hogy életerőt és dinamikát hoz az opera cselekményének nyilvánvalóan fantasztikus atmoszférájába. A „Júlia” gondolatát maga a zeneszerző szavai árulják el, aki ezt írta: „Elkeseredett küzdelem valami stabil birtoklásáért, amely támaszként szolgálhat: a valóság, az emlékezés, a tudat. Utóbbiról derül ki, hogy megtörik, tragikus helyzetekbe került, amelyben Michelnek meg kell küzdenie, hogy megőrizze saját stabilitását és józan eszét. Megéri megadni magát, és ő emlékezet, idő nélkül, örökre ebben a világban marad. A zeneszerző szürreális képekben igyekezett valódi érzelmeket, érzéseket közvetíteni, amelyek a tudat fájdalmas instabilitása következtében jelennek meg. Ebben Martinu közel állt B. Bartokhoz és A. Honeggerhez, akiknek zenéje a közelgő katasztrófa riasztó előérzetét is tükrözte.

1941 óta a zeneszerző az Egyesült Államokban tartózkodik. 1953-ban visszatért Európába. Martinu Franciaországban, Olaszországban és Svájcban élt. Bár sohasem feledkezett meg cseh gyökereiről, a hazájától távol eltöltött évek sokrétű és ellentmondásos munkásságát nem befolyásolhatták. Márton hagyatékában szinte minden műfaj és fajta képviselteti magát. A zenész sosem engedelmeskedett bizonyos rendszereknek, irányzatoknak, sikerült megőriznie eredetiségét, egyéniségét.

Martin legjobb művei élete utolsó húsz évében születtek. Ebben az időszakban a zeneszerző hat szimfóniát írt, „Piero della Francesca freskói” és „Parabola” zenekarra, „Ariadne” és „Mirandolina”, „Görög szenvedélyek” és mások.

Martinou először már a szimfónia műfajához fordult felnőttkor. Akkor ezt írta: „Amikor valaki szembesül az első szimfónia megalkotásának problémájával, önkéntelenül különösen idegessé és komolyabbá válik...” Ezek a szavak kifejezik a zeneszerző önmagával és művével szembeni követelményeit.