Mesaj despre romantismul lui S. Rahmaninov „Ape de izvor”

Raspunsuri:

În romanul lui Rahmaninov „Ape de izvor”, armonia nVI ca acord introductiv este rezolvată în armonia 6 (exemplul 281). Două submedianți, rămânând formal un pas dublu VI, funcționează de fapt aici deja ca acorduri la o distanță de o secundă mică, și nu o primă crescută, cu o astfel de rezoluție melodică, trecerea la o patra redusă, ceea ce este tipic pentru o cifră de afaceri „de marcă” cu un „subdominant Rakhmaninov” (comparați cu romantismul „Oh, nu, vă implor, nu plecați”) .armonii cu tonic. Îl îngreunează din cauza greutății comunicării directe cu acesta, a lipsei de gravitație tonală clară și a ușurinței de a intra în comunicațiile subsistemului. Se simplifică (și sărăcește) pentru că dispar multe (prețioase!) subtilități ale armoniei funcționale clasice: disonanțe ascunse și „însoțitori”, S-T-D tribazic etc. Dăruirea direct senzuală, „materială” a acordului în sine și tonul său fundamental devin mai mult. fiabile decât conexiunile tonal-contextuale bazate pe „datorie” față de tonic. Credibilitatea interpretării tonale este adesea facilitată de noile forme structurale utilizate acum, unde atracția fără ambiguitate față de tonic este neapărat inerentă doar armoniilor „domnitoare”. , mai ales la început și la sfârșit, și în locurile care se îndepărtează de ele, se creează un regim de dezordine tonală subsistemului, de incertitudine, de aspirație liniară, care nu permite să se stabilească nicio altă tonalitate și, prin urmare, păstrează primatul principalului. unu. Principiul funcțional clasic al gravitației centrale este înlocuit cu principiul grupării funcționale a tonurilor fundamentale (pentru un exemplu al subordonării tonale a acestui nou tip, vezi analiza din articol introductiv autorul acestor rânduri către publicație: Hindemith. P. Ludus tonalis pentru pian. M., 1980. S. 4).Astfel, în locul structurii de tip clasic cu gravitaţie prin tonal, se creează un tip de structură care seamănă oarecum cu cea „pretonală” (din vremea armoniei modale a secolele XV-XVI), dar pe noua baza realizând principiul tonal (sau, poate, deja nou-tonal). Secțiunile cu relații departe de tonic și complexe nu sunt „în afara tonului”, ci sunt tonal instabile sau tranzitorii, ceea ce întărește în cele din urmă stabilitatea tonală generală în cadrul propoziției și al punctului (cf. cu serii cromatice, exemplele 204B etc.). În ambele cazuri (exemplul 282), cadrele puternice ale începutului și sfârșitului tonal fac posibilă păstrarea armoniilor la mijloc care sunt extrem de departe de tonic în câmpul de gravitație spre centru

Serghei Vasilevici Rahmaninov. romante

"Sunt un compozitor rus, iar patria mea a lăsat o amprentă asupra caracterului meu și a opiniilor mele. Muzica mea este rodul caracterului meu și, prin urmare, este muzică rusă... Nu am propria mea țară. A trebuit să plec. țara în care m-am născut, unde am luptat și am suferit toate necazurile tinereții și unde am reușit în sfârșit.

„Ce este muzica?!

Este o noapte liniştită cu lună;

Este foșnetul frunzelor vii;

Este un sonerie îndepărtată de seară;

Aceasta este ceea ce vine din inimă

și merge la inimă;

Aceasta este Iubirea!

Sora muzicii este poezia

iar mama ei este tristețe!

Rachmaninoff la pian, începutul anilor 1900.

Din 1892 până în 1911Serghei Vasilevici Rahmaninova scris 83 de romane, acesta estetoate sunt createîn perioada rusă a vieţii sale. În popularitate, ei concurează cu lucrările sale pentru pian.Majoritatea romanțelor au fost scrise pe textele poeților lirici ruși din a doua jumătate a secolului al XIX-lea.secolși la sfârșitul secolului al XX-lea și doar puțin peste o duzină de poezii ale poeților din prima jumătate a secolului al XIX-lea - Pușkin, Koltsov, Shevchenko în traducere rusă.

Rachmaninoff a scris:„Poezia mă inspiră foarte mult. După muzică, îmi place mai mult poezia. … Am mereu poezia la îndemână. Poezia inspiră muzica, pentru că există multă muzică în poezia însăși. Sunt ca niște surori gemene.”

1. „Nu sunt un profet” - cuvintele lui Alexander Kruglov. 2. „Este timpul” – Nadson. 3. „Hristos a înviat” - Merezhkovsky. 4. „Ce doare” Glafira Galina. 5. Vocalizarea. 6. „M-am îndrăgostit de tristețea mea” - Pleshcheeva (din Shevchenko). 7. "Oh, nu, te rog nu pleca!" - Merezhkovski. 8. „Insula” - Balmont 9. Un fragment din Musset - tradus de Apukhtin. 10. „E bine aici” – Galina. 11. „Te aștept” – Davidova. 12. „Noaptea este tristă” – Bunina. 13. „Nu mă crede, prietene!” - Alexei Tolstoi. 14. „Nu cânta, frumusețe, cu mine” – Pușkin 15. „Rugăciune” – Pleshcheeva (din Goethe). 16. Cât de mult timp în urmă, prietenul meu - Golenishcheva-Kutuzova. 17. „Ape de izvor” - Tyutchev.

În romanțele lui Rahmaninovse reflectă tot ceea ce a fost combinat în ideea lui despre Patria Mamă - sufletul unui rus, dragostea lui pentru pământul său, gândurile sale, cântecele sale.Imaginile naturii sunt folosite nu numai pentru a exprima dispoziții liniștite, contemplative. Uneori ajută la întruchiparea sentimentelor furtunoase și pasionale. Apoi se nasc romantisme de natură virtuoză, care se disting prin amploarea formei, bogăția culorilor, strălucirea și complexitatea prezentării la pian. În acest stil, romantismul „Ape de izvor” a fost scris după cuvintele lui Tyutchev. Aceasta este o imagine muzicală a primăverii rusești, o poezie cu sentimente entuziaste și vesele.

„Liliac” după cuvintele lui Beketova este una dintre cele mai prețioase perle ale versurilor lui Rahmaninov. Muzica acestui romantism este marcată de naturalețe și simplitate excepționale, o fuziune minunată de sentimente lirice și imagini ale naturii.

Un loc cu totul special în versurile vocale ale lui Rahmaninov îl ocupă Vocalise, scrisă în 1915 (dedicată marii cântărețe Nezhdanova). Elemente ale stilului cântecului popular se îmbină organic aici în melodie, marcată de o individualitate strălucitoare. Amploarea melodiei, natura negrabită a dezvoltării sale și limbajul armonic mărturisesc legătura dintre Vocalise și cântecul persistent rusesc.

La fereastra mea, pasărea înflorește cireș,
Înflorește gânditor sub o riză argintie...
Și cu o creangă proaspătă și parfumată s-a aplecat și strigă...
Petalele ei aerisite fluturând
Respir cu bucurie,
Aroma lor dulce îmi înnebunește mintea,
Și cântece de dragoste pe care le cântă fără cuvinte...

Galina Galina

margarete

Oh, uite! cate margarete
Atat acolo cat si aici...
Înfloresc; o mulțime; excesul lor;
Ele înfloresc.
Petalele lor sunt triunghiulare - ca niște aripi,
Ca mătasea albă...
Esti puterea verii! Sunteți bucuria abundenței!
Ești un regiment ușor!
Pregătește, pământ, o băutură a crescut din flori,
Dați suc tulpinii...
Oh fetelor! o, stele margarete!
Te iubesc...

Igor Severyanin

Romancele cu caracter liric-peisagistic formează una dintre cele mai importante zone ale versurilor vocale ale lui Rahmaninov. Elementul de peisaj fie se contopește cu conținutul psihologic principal, fie contrastează cu acesta. Unele dintre aceste lucrări sunt concepute în tonuri festive, de acuarelă, impregnate cu un caracter calm, contemplativ, remarcat prin subtilitate și poezie.

istoriyamuziki.narod.ru ›rahmaninov-vokal-tvor.html

Serghei Rachmaninov, un remarcabil compozitor clasic rus, s-a născut în a doua jumătate a secolului al XIX-lea în Rusia. A murit în 1943, în timpul celui de-al Doilea Război Mondial, în Statele Unite. Serghei Vasilevici este cunoscut și ca un pianist celebru, a condus cu măiestrie orchestra ca dirijor.

Au fost mulți muzicieni în familia lui Serghei Rachmaninov. Ca pianist, Serghei a devenit cunoscut în rândul publicului în timp ce studia încă la Conservatorul din Moscova. A absolvit cu o medalie de aur ca tânăr talent.

Cel mai faimos opere muzicale, scris de Serghei Rahmaninov ca compozitor - acestea sunt „Dansurile simfonice”, un poem simfonic foarte original „Insula morților”, un poem simfonic „Prințul Rostislav”, un magnific poem simfonic „Clopotele” după cuvintele unui poetul și scriitorul american original Edgar Poe, „geniul sumbru”. De asemenea, operele „Francesca de Rimini”, „Cavalerul avar”, „Aleko”, mai multe simfonii, cărora li se atribuie numere în funcție de succesiunea creării lor. În general, Serghei Rachmaninov este considerat un compozitor al regiei romantice.

Serghei Rachmaninoff a scris și romanțe, a creat multe piese pentru pian. Este una dintre cele mai frumoase romane ale lui Serghei Rachmaninov - aceasta „Ape de izvor”, creat în 1896, după cuvintele celebrului clasic rus, poetul Fyodor Tyutchev. Romantismul descrie o imagine a trezirii de primăvară a naturii, topirea zăpezii, pâraiele de zăpadă, inundațiile. Aceasta este o compoziție majoră, strălucitoare, pozitivă, un vestitor vesel al primăverii. "Vine primavara! Vine primavara!" - cântă o dragoste.

Serghei Rahmaninov și familia sa au părăsit Rusia la scurt timp după revoluția din 1917. A petrecut un an în Europa, unde a susținut multe concerte ca pianist și dirijor și a devenit foarte celebru. Apoi s-a mutat în SUA. Aici a câștigat și mai multă popularitate și faimă, a devenit un om foarte bogat și o „legendă vie” a muzicii simfonice.

Interesant este că începutul carierei muzicale a lui Rahmaninov ca compozitor a fost extrem de nereușit. Nimeni nu a înțeles muzica sa inovatoare, originală, criticii au scris recenzii rău intenționate, tânărul compozitor a fost numit cu voce tare mediocritate în cercurile muzicale, dar până la vârsta de 30 de ani Rahmaninov a reușit să câștige faima întregii Ruse. Și ce s-ar întâmpla dacă Rahmaninov la început mod creativ a renunțat și a renunțat?

Un loc aparte în repertoriul nostru l-au ocupat romanele lui Serghei Vasilievici RACHMANINOV (n. 1873 - 1943).

Abilitățile muzicale manifestate timpurii i-au predeterminat viitorul: la vârsta de 8 ani a devenit student al departamentului de juniori a Conservatorului din Sankt Petersburg. Cu toate acestea, a trebuit să studieze la Conservatorul din Moscova.

În 1891 a absolvit ca pianist, în 1892 ca compozitor, prezentând ca teza Opera „Aleko” bazată pe poezia lui Pușkin „Țigani”.

În anii de studiu, el creează una dintre cele mai interesante compoziții ale sale - Primul Concert pentru pian, plin de imagini strălucitoare, melodii frumoase și tehnică strălucitoare.

În aceiași ani, au apărut primele sale romane, printre care „Oh, NU, TE ROG, NU PLĂCĂ” la cuvintele lui D. Merezhkovsky .:

Oh, nu, te rog nu pleca!
Toată durerea este nimic înainte de despărțire.
Sunt prea fericit cu acest chin.

Se distinge prin sensibilitate la text poetic, care a dat naștere unei melodii pline de fraze pline de „respirație”.

Una dintre cele mai bune romanțe ale lui Rahmaninov la cuvintele lui F. Tyutchev este „Apele de izvor”, plină de puterea incitantă a trezirii naturii, tinereții, bucuriei și optimismului.

Zăpada încă albește pe câmpuri,
Iar apele sunt zgomotoase primăvara.
Ei aleargă și trezesc malul adormit,
Aleargă și strălucește și spune..
Ei spun peste tot:
Vine primăvara, vine primăvara!
Suntem mesageri ai primăverii tinere,
Ea ne-a trimis înainte!”

Partea vocală, așezată într-un ritm duo, în principal în gamă înaltă, are un caracter proclamator și proclamator. Combinația sa cu mișcarea în ascensiune a tripleților pline cu șaisprezecele în acompaniament creează o impresie vizibilă a unui potop în clocot, a unui flux de apă de neoprit, o simfonie a trezirii naturale a izvorului.

Melodia romantismului „ÎN TĂCEREA NOPȚII MISTERIOASE”, versuri de A. Fet, într-o răsuflare larg:

Oh, mult timp
În liniștea nopții secrete
Zâmbește, uită-te, privire întâmplătoare,
Degetele păr ascultător,
Șuvița ta groasă de păr
Alungă din gânduri și sună din nou;

Dezvoltându-se treptat, se desparte în fraze scurte care nu-l privează de durata semantică, ci doar sporesc dramatismul imaginii, ducând la punctul culminant natural, dinamic și emoțional al romantismului:

Șoptește și repetă expresii vechi
Discursurile mele cu tine, pline de jenă,
Și beat, împotriva minții,
Nume prețuit pentru a trezi întunericul nopții,
Nume prețuit pentru a trezi întunericul nopții -

Ultima frază sună la repetare, întorcându-ne la starea de spirit originală. Ultima dată se aude la pian la sfârșitul lucrării pe fondul topirii tripleților în acompaniament.

Acompaniamentul de pian completează armonios și fracturat melodia, iar la punctele culminante își completează ideea muzicală și poetică.

Romancele lui Rahmaninov, Ceaikovski, Rimski-Korsakov sunt profund simfonice. Înainte, în ora sovietică, a existat o tradiție muzicală minunată - de a crea transcripții ale romanturilor clasicilor noștri pentru interpretarea lor de către un solist, acompaniat de o orchestră simfonică.

Au fost la radio tot timpul. Acum cântă ceva complet diferit și sub „placaj”. Îmi amintesc de începutul acestei ere a „suflării” în microfon. De atunci, doar cântăreții de operă au învățat vocea. Conceptul de voce în scenă este foarte puțini dintre reprezentanții săi.

Câte aspecte ale culturii au fost imediat lovite de acest coven vocal analfabet și de permisivitatea profesională!

„MI-AM IUBIT RĂU”, op. A. Pleshcheeva (de la Heine) - o poveste de dragoste despre soarta tristă a unei femei al cărei soț a fost luat pentru a o recruta. Romantismul necesită o melodie largă, plinătate de timbru.

M-am îndrăgostit de tristețea mea
Orfanul celor fără talent.
Am avut o astfel de tăietură.

Pentru a obține caracterul necesar, compozitorul folosește o varietate de mijloace de exprimare: dinamică contrastantă, accente, o creștere prelungită a forței sunetului, amplificată de triplete armonice „bulbore” însoțite de acompaniament de pian.

Ne-a sfâșiat oameni puternici,
L-au luat, l-au recrutat...
Și sunt soldat, sunt singur
Să știi că în coliba altcuiva voi îmbătrâni.
Ce cotă pentru mine. ȘI...

Romantismul se termină cu o vocalizare a disperării și a plânsului - lamentațiile soției unui soldat singuratic, susținute de pasajele estompate ale notele a șaisprezecelea din acompaniament.

„LONG IN LOVE, versuri de A. Feta romantism este o dezamăgire, saturată de atingeri, deviații expresive de tempo. Fraze scurte- plângerile sunt pline de amărăciune și regret. Cea mai expresivă melodie este îmbogățită cu armonie frumoasă și textura variată a părții de pian.

De multă vreme în dragoste există puțină consolare.
Oftă fără suflare
Lacrimi fără bucurie
Ceea ce era dulce a devenit amar
Trandafirii au căzut, visele s-au risipit.

Punctul culminant, atât semantic, cât și dinamic, este în a doua strofă, ca urmare a acumulării de emoții și sentimente de deznădejde în prima:

Lasă-mă, amestecă-te cu mulțimea!
Dar te-ai întors și te plângi, aparent
Și încă ești sătul de mine.
O, cât de greu îmi este
Și cât de rușinos pentru mine!

Se pare că, privind aceste strofe - proză, este imposibil să creați ceva armonios pe baza lor, care să se încadreze într-o formă muzicală acceptabilă. Dar ce putere a dramaturgiei muzicale și a subtilității intonației melosului obține Rakhmaninov prin îmbrățișarea întregului poem într-un singur gând muzical - o declarație!

Romancele menționate mai sus pe care le-am stăpânit sunt vii din punct de vedere emoțional, pline de expresie interioară și dramă.

Expresie atât în ​​melodie, cât și în textura și armonia complexă și detaliată a părții de pian.

Romantism „VIS”, op. Pleshcheev, este o miniatură muzicală romantică-vise despre trecut cu un pasaj care decolează la sfârșitul fiecărui vers, însoțit de un miraj sonor care se bazează pe amintirile apărute.

Și am avut un pământ natal: este frumos!
Acolo, molidul se legăna deasupra mea...
Dar asta a fost un vis!

Familia de prieteni era în viață. Din toate părțile
Mi-au sunat cuvinte de dragoste...
Dar asta a fost un vis!

„SIRENE”, op. Beketova, este un exemplu de versuri poetice ușoare. Melodia este simplă, plină de prospețime, transparență, în ritm de bătaie neîntreruptă în notele și contrapunct scurt emergent în acompaniament, ca o melodie îndepărtată a unui flaut sătesc.

Dimineața, în zori, pe iarba plină de rouă...
Voi merge proaspăt dimineața să respir,
Și în umbra parfumată, unde liliac se înghesuie,
O sa-mi caut fericirea...

În viață, sunt destinat să găsesc fericirea singur,
Și fericirea aceea trăiește în liliac;
Pe ramuri verzi, pe perii parfumate
Biata mea fericire înflorește

„RIVER LILE”, op. A. Pleshcheeva (din Heine) este o miniatură muzicală elegantă. Melodia flexibilă capricioasă, așa cum spune, atrage detaliile acuarelei contemplate: un crin argintit de lumina lunii pe suprafața apei a râului, iar notele de grație ascendente (decorurile) din partea de pian sunt o picătură transparentă de noapte din frunze. aplecat lângă malurile ramurilor.

Crinul de râu, ridicând capul, privește spre cer.
Iar luna, îndrăgostită de raze, o argintează cu tristețe...
Și iată că ea s-a lăsat din nou timidă spre apele azurii.
Dar luna, încă palidă și languroasă, ca o fantomă, strălucește și acolo...

Această înregistrare sonoră muzicală fermecătoare este o manifestare a priceperii lui Rachmaninoff ca compozitor-colorist.

Toate cele trei romane sunt grațioase și sunt acuarele muzicale ușoare - melodia și reprezentarea subtilă sunt atât de ușoare și transparente în ele.

Însoțit de țesătura muzicală fără greutate a frazelor, pare să „atârne” în aer... Gama de „culori” muzicale, alegerea mijloacelor de exprimare este neobișnuit de largă.

Interpretarea operelor compozitorului a fost o sarcină de interpretare foarte serioasă și o mare responsabilitate artistică pentru noi.

Am stăpânit doar o mică parte din lucrările lui S.V. Rahmaninov din primul volum al romanțelor sale, cel mai des auzit la emisiune (la radio). Au existat însă și unele puțin cunoscute: „Crinul de râu”, „Long in Love” și altele.

„Liliac” este o poveste de dragoste care vă permite să vă faceți o idee exactă a versurilor lui Rakhmaninov. Muzica acestei lucrări este naturală și simplă, remarcată printr-o combinație de sentimente lirice și imagini ale naturii. Întreaga țesătură muzicală a romantismului este melodioasă și melodică. Frazele vocale calme și cântece urmează în mod natural una după alta.

Romantismul „Nu cânta, frumusețe, în fața mea”, care combină cântecul și elemente dramatice, este o adevărată capodoperă a versurilor vocale ale lui Rachmaninoff din anii 90. Tema principală a lucrării, gânditoare și tristă, apare pentru prima dată în introducerea la pian ca o melodie a cântecului finalizat. A repetat monoton în bas, mișcarea cromatică descendentă a vocilor mijlocii, împreună cu schimbările colorate ale armoniilor, conferă imaginii muzicale a introducerii o aromă orientală. Punctul culminant al romantismului vine în strofa a treia, în timp ce este interesant că în această lucrare există un al doilea punct culminant în repet.

„Ape de izvor” (după cuvintele lui F.I. Tyutchev) este o poveste de dragoste legată de lucrările liric-peisagistice ale lui Rahmaninov și care reprezintă o imagine a izvorului rusesc. Partea vocală este dominată de motive construite pe sunetele unei triade majore, fraze ascendente care se termină cu un salt energic. Partea de pian este foarte semnificativă și joacă un rol important în crearea unei stări generale de afirmare a vieții a piesei.

Imaginea muzicală a apelor de izvor din romantismul „Ape de izvor” de S. V. Rachmaninov

Romanul „Noaptea este tristă” (după cuvintele lui I. A. Bunin) - tip nou elegie rusă. Absența formei strofice tradiționale pentru genul elegiei, introducerea de material tematic nou în secțiunea de mijloc a romantismului și prezentarea recitativă introduce în ea câteva semne ale unui monolog vocal. Foarte interesantă este și forma muzicală a acestei lucrări, care poate fi definită ca fiind în trei părți, deși fiecare dintre părți nu depășește o propoziție. Romantismul se bazează pe dezvoltarea a două melodii, dintre care una este formată în partea vocală, iar cealaltă în partea de pian.

Terminând povestea despre Rahmaninov, un remarcabil dirijor, pianist și compozitor al secolului al XX-lea, trebuie menționat că moștenirea sa creativă este o parte integrantă a culturii artistice ruse; cele mai bune lucrări pentru pian, vocal și simfonice sunt incluse în fondul de aur al muzicii clasice rusești.

Mecislav Karlovici

Compozitorul, dirijorul, violonistul polonez Mieczysław Karlowicz s-a născut în 1876 într-o familie de muzicieni. Tatăl său a absolvit violoncelul Conservatorului din Bruxelles, iar mama sa a fost cântăreață și pianistă. Mieczysław a început să studieze muzica la vârsta de cinci ani. Din 1889 până în 1895 a studiat cu violonistul S. Bartsevici și Z. Noskovsky (armonie), mai târziu, la Berlin, a luat lecții de la violonistul și compozitorul G. Urban.

Karlovic a fost primul dintre colegii săi compatrioți care și-a îndreptat toate eforturile către crearea muzicii simfonice. Practic nu existau tradiții naționale în acest domeniu, deoarece compozitorii polonezi din secolul al XIX-lea erau pasionați în principal de genurile de pian (F. Chopin), vioara (G. Wieniawski) și operă (S. Moniuszko), precum și lucrările individuale orchestrale. doar pași spre apariția școlii simfonice poloneze („Basme” de Moniuszko).

În 1901, Karlovich s-a întors din Germania în patria sa. La începutul anilor 1900, a scris cele mai semnificative lucrări ale sale, inclusiv concertul pentru vioară, „Century Songs” și „Lithuanian Rhapsody”. Pe lângă munca de creație, compozitorul a fost implicat în activități active și sociale.

Deși unele stări dramatice sunt caracteristice lucrărilor lui Karlovich, muzica sa uimește ascultătorii cu lirismul ei subtil. Poezia simbolistă a avut o mare influență asupra compozitorului. Trăsăturile esteticii simboliste sunt remarcate în special în comentariile care însoțesc partiturile unui număr de lucrări ale programului muzicianului. Dar mijloacele de expresie moderniste nu l-au atras pe Karlovich și, prin urmare, cele mai recente tendințe, caracteristice artei de la începutul secolelor XIX și XX, s-au reflectat doar în selecția intrigilor și temelor lucrărilor sale. Muzica surprinzător de sinceră și clară, melodioasă și expresivă este asociată cu tradițiile populare ale compoziției de cântece din Polonia.

Acestea sunt multe dintre lucrările celebre ale lui Karlovich. Printre acestea se numără Concertul său pentru vioară (1902), optimist și entuziast din punct de vedere romantic. Impresia de forță și frumusețe proaspătă a tinereții este creată de toate cele trei părți ale sale (Allegro moderato, romantism și final). Acest concert a devenit una dintre cele mai optimiste și de afirmare a vieții lucrări ale compozitorului.

Cele mai atractive aspecte ale concertului pentru vioară sunt bogăția melodică și melodiozitatea inerente muzicii pur slave. Capacitatea de a combina expresivitatea și virtuozitatea aduce opera lui Karlovich mai aproape de lucrările lui P. Ceaikovski. În același timp, opera muzicianului mărturisește că este un demn succesor al tradiției virtuoziste a artei viorii din Polonia, care i-a admirat pe contemporanii lui G. Wieniawski. Printre avantajele concertului, scris de Karlovich, se numără calități precum continuitatea dezvoltării, claritatea formei, compatibilitatea uimitoare a părților solo și orchestrale. În plus, lucrarea arată cunoștințele excelente ale lui Karlovich cu privire la toate posibilitățile tehnice și expresive ale unui astfel de instrument precum vioara, deși nu este nimic surprinzător în asta: muzicianul a fost un violonist minunat care a absolvit cu succes cursul la conservator și a interpretat perfect P. Concertul lui Ceaikovski la examenul final.

Talentul strălucit al lui Karlovich se dezvăluie și în genul unui poem simfonic. Valurile care se întorc (1904), scrisă în spiritul simbolismului, povestește despre experiențele unui om ale cărui zile sunt numărate, dar amintirile despre fericirea lui anterioară continuă să-l entuziasmeze. Tripticul simfonic „Cântece de secol”, creat de compozitor în anii 1904-1906, este, de asemenea, impregnat de o dispoziție tristă. Este alcătuit din trei părți: „Cântarea veacurilor angoasei”, „Cântarea iubirii și morții”, „Cântarea atotființei”. Și în 1907 a apărut un alt poem simfonic - „Stanislav și Anna”. Această lucrare impresionează prin emoționalitatea și expresivitatea sunetului orchestral.

De asemenea, trebuie remarcată o astfel de lucrare a lui Karlovich ca „Rapsodia lituaniană” (1906), în care compozitorul s-a orientat către folclorul lituanian și belarus. Aprofundarea dezvoltării, subtilitatea transferului trăsăturilor melodiilor populare, dezvăluirea profundă a imaginilor poetice - toate acestea fac ca muzica rapsodiei să fie cu adevărat încântătoare.

Deși Karlovich a trăit o viață scurtă (în 1909, compozitorul în vârstă de treizeci și doi de ani a murit, îngropat de o avalanșă în Tatra), semnificația operei sale, asociată cu tradițiile muzicii poloneze, este foarte mare.

Bela Bartok

Bela Bartok, cel mai mare compozitor maghiar, unul dintre clasicii secolului al XX-lea, s-a născut în 1881 la Nagyszentmiklos (azi Synnikolaul Mare) din România. Tatăl său era directorul unei școli agricole, iar mama lui era profesoară. Ea, observând abilitățile muzicale la fiul ei, i-a dat primele lecții de pian. Apoi, băiatul a studiat cu muzicienii celebri F. Kersh și L. Erkel, iar în 1899 a intrat la Academia Liszt din Budapesta, unde și-a îmbunătățit abilitățile de pian și a studiat teoria compoziției.

Bela Bartok

După absolvirea academiei în 1903, Bartok s-a orientat către arta populară maghiară și a plecat în mod regulat în expediții în zonele îndepărtate maghiare, românești și slovace, unde a înregistrat melodii populare vechi. Ulterior, a folosit folclorul de mai multe ori în lucrările sale.

În 1904 a fost interpretată prima operă majoră a lui Bartók, poemul simfonic Kossuth. În plus față de ea, până atunci el scrisese mai multe piese pentru pian, cvartete de coarde și suite orchestrale. În 1911, compozitorul a început să lucreze la opera Castelul Ducelui Barba Albastră, pe care a reușit să o finalizeze abia în 1918, când fusese deja creat baletul Prințul de lemn. După ceva timp, apare următoarea pantomimă de balet - „Mandarina minunată”.

Bartók nu se limitează la compunere și acționează ca pianist. Face turnee în multe orașe importante din Europa și SUA, inclusiv Moscova și Leningrad.

În 1907, Bartók a devenit profesor de pian la Academia de Muzică Liszt. În 1934 a încetat să predea și s-a concentrat în întregime asupra muncă de cercetareîn domeniul folclorului şi al etnografiei. La începutul celui de-al Doilea Război Mondial, compozitorul s-a mutat în Statele Unite. Totuși, viața într-o țară străină este foarte grea: Bartok este foarte singur, aici nu are nici prieteni, nici admiratori. În 1945, moare la Spitalul de Stat pentru Săraci din New York.

Moștenirea creativă a compozitorului, pe lângă aceste lucrări, este reprezentată și de două cantate, o simfonie, muzică pentru coarde, percuție și celesta, un concert pentru orchestră, trei concerte pentru pian, două concerte pentru vioară și violă, multe compoziții pentru instrumente de cameră și pian. , coruri, cicluri de cântece pentru voce și pian. Bartok deține și mai multe lucrări științifice de folclor.

Carl Orff

Compozitorul, dirijorul, profesorul german Carl Orff s-a născut în 1895 la München. La vârsta de cinci ani, a început să învețe să cânte la pian, violoncel și orgă. Mai târziu a studiat muzica la Academia de Muzică din München, unde mentorii săi au fost A. Beer-Walbrunn și P. Zilcher. În viitor, Orff a luat lecții de la celebrul polifonist G. Kaminsky.

În 1915 - 1919 Orff a fost dirijor la München, Mannheim, Darmstadt. La Academia de Muzică din München a ocupat funcția de profesor de compoziție.

În 1924, muzicianul a devenit unul dintre fondatorii școlii de muzică Gunteshul, unde și-a creat propriul sistem de educare a tinerei generații prin muzică, dans și exerciții de gimnastică. Orff este autorul unui binecunoscut manual pentru școli. A creat o serie de lucrări pentru cor de copii și instrumente de percuție.

Un alt domeniu de activitate al lui Orff este direcția concertelor Societății Bach. În 1955, compozitorul a primit un doctorat onorific de la Universitatea din Tübingen.

Printre cele mai semnificative lucrări ale lui Orff se numără trei cantate de scenă („Carmina Burana”, „Catulli Carmina”, „Triumful Afroditei”), lucrări muzicale și dramatice („Luna”, „Clever Girl”, „Bernuerin”). Principalele lor calități au fost realismul întruchipării și expresivitatea muzicii cântecului. Așa este, de exemplu, cantata „Carmina Burana” (1936), al cărei subtitlu scrie: „Cântece seculare pentru soliști și coruri cu acompaniament instrumental și tablouri de scenă”.

Această lucrare are la bază texte preluate de autor din vechea colecție de cântece „Karmina Burana”, întocmit în secolul al XIII-lea și găsite astăzi în bolta uneia dintre mănăstirile din Bavaria. Aceste cântece vesele și vesele sau pline de ironie au fost compuse de școlari, călugări, artizani și țărani. Folosind cu măiestrie intonațiile melodiilor vechi, Orff le oferă un sunet nou, arată toată varietatea de posibilități ale interpretării originale a diatonicului. De mare interes este orchestra de cantate, pe care compozitorul a adaugat-o cu doua piane si diverse instrumente de percutie.

Deși cantata spune că o persoană nu poate rezista sorții și viața lui depinde de învârtirile roții norocului, muzica ei, surprinzător de proaspătă și energică, creează o dispoziție veselă și strălucitoare în rândul ascultătorilor. Orff introduce în cantată nu numai intonații, ci și fragmente de cântece populare, dar opera sa nu se transformă într-o stilizare.

Expresivitatea și puterea elementară a lui Carmina Burana o deosebește favorabil de Catulli Carmina (1943) și Triumful Afroditei (1951), scrise după cuvintele lui Catullus, Safo și Euripide, dar aceste cantate au și multe pagini atractive și strălucitoare.

Printre operele de scenă de mare interes se numără „Clever Girl” (1942), creată pe baza basmului fraților Grimm, o lucrare plină de umor plin de viață în spiritul unei farse.

Carl Orff a murit în 1982.

Igor Fiodorovich Stravinski

Unul dintre cei mai mari muzicieni ai secolului XX, Igor Stravinsky, s-a născut în 1882 la Oranienbaum, lângă Sankt Petersburg. Tatăl său, F. I. Stravinsky, a fost cântăreț, solist al Teatrului Imperial Mariinsky.

Igor Fiodorovich Stravinski

Băiatul a arătat abilități muzicale timpurii. La vârsta de 9 ani, a început să învețe să cânte la pian, mai întâi cu Snetkova și apoi cu Kashperova. Cu toate acestea, Stravinsky nu a primit o educație muzicală profesională, iar la vârsta de 18 ani, la insistențele părinților săi, a intrat la facultatea de drept a Universității din Sankt Petersburg. Dar atracția lui pentru muzică nu a dispărut și asta-i tot. timp liber s-a consacrat studiului subiectelor muzical-teoretice.

Doi ani mai târziu, dându-și seama că are nevoie de sfaturi profesionale, Stravinski a apelat la Rimski-Korsakov, care i-a dat lecții private în perioada 1903-1905 și, de asemenea, i-a oferit studentului său asistența necesară până la moartea sa.

Primele lucrări ale lui Stravinski, scrise de el sub conducerea lui Rimski-Korsakov, au fost câteva piese pentru pian, o cantată pentru cea de-a 60-a aniversare a lui Rimski-Korsakov, o suită pentru voce și orchestră „Faunul și Păstorița”, o simfonie în Mi bemol major, Fantastic Scherzo. Diaghilev a asistat la premiera acestuia din urmă. Fascinat de talentul tânărului compozitor, el i-a comandat un balet pentru a pune în scenă în Stagiunile Ruse de la Paris. Rezultatul a fost Pasărea de foc (1910), apoi Petrușka (1911) și încă mai târziu Sarbatoarea primăverii (1913). Aceste compoziții au câștigat o popularitate binemeritată în cercurile iubitorilor de muzică și au promovat numele creatorului lor cu faimă mondială.

În acea perioadă, Stravinsky și-a alternat șederea în Rusia cu excursii la Paris. În vara anului 1914, adică imediat înainte de începerea primului război mondial, compozitorul a plecat în Elveția, unde, din cauza izbucnirii ostilităților, a trebuit să rămână până în 1918. În anii petrecuți în această țară, Stravinski a scris opera Privighetoarea (1914), Povestea unui soldat (1918), pe care el însuși a definit-o drept „un basm despre un soldat fugar și un diavol, a citit, a jucat și a dansat. "

Compozitorul nu a vrut să se întoarcă în Rusia, devenită sovietică, și s-a mutat la Paris, unde a locuit până în 1940. În 1919, a primit o nouă comandă de la Diaghilev, care consta în faptul că Stravinski a fost invitat să lucreze la perfecţionarea părţii muzicale a baletului „Pulcinella” bazată pe muzica lui Pergolesi.

Ceva mai târziu, în capitala Franței au fost puse în scenă operele lui Stravinski Maurul (bazat pe poemul lui Pușkin Casa din Kolomna) și Oedip Rex. Apariția acestuia din urmă a marcat începutul unei noi etape în opera compozitorului – neoclasică, care i-a înlocuit opera într-o tradiție pur rusă.

În 1924, Stravinsky și-a făcut debutul ca pianist, interpretând Concertul pentru pian cu o fanfară, dirijat de Koussevitzky. Un an mai târziu, Stravinsky se încearcă ca dirijor. În timpul liber, compune muzică pentru teatru, și apelează și la alte genuri muzicale: scrie o simfonie pentru instrumente de suflat, suite pentru orchestră de cameră, pian și lucrări vocale. În curând au apărut baletele lui Stravinski „Apollo Musagete”, „Sărutul zânei”, celebra Simfonie a Psalmilor la textele latine ale Vechiului Testament.

Începutul anilor 1930 a fost marcat de apariția unor astfel de lucrări ale compozitorului precum Concertul pentru vioară și orchestră și Concertul pentru două piane. În 1933 - 1934, Stravinski, la comanda celebrei dansatoare Ida Rubinstein, împreună cu A. Gide, a compus melodrama Persefona. Apoi decide să accepte cetățenia franceză, drept urmare firele care încă îl leagă de patria sa sunt în cele din urmă rupte. În aceeași perioadă, a fost publicată cartea sa autobiografică „Cronica vieții mele”.

În 1936, Stravinsky a plecat în turneu în SUA. Metropolitan Opera găzduiește premiera baletului său Playing Cards, iar el însuși începe să lucreze la concertul Dumbarton Oaks, interpretat în 1938 la casa clienților, soții Bliss. În același an, el conduce mai multe cursuri cu studenți la Universitatea Harvard.

Anul 1940 a fost marcat pentru Stravinsky de rămas bun de la Franța și mutarea în SUA pentru ședere permanentă. Acum face uneori turnee în Europa, unde cântă ca pianist și dirijor. În 1962, își sărbătorește solemn 80 de ani, după care decide în cele din urmă să viziteze URSS. Susține concerte la Moscova și Leningrad, apoi se întoarce în SUA. După încă cinci ani, își încheie spectacolele, dar continuă să lucreze ca compozitor. Viața lui se încheie în 1971 la New York.

L. Bakst. Design de costume pentru baletul „The Firebird” al lui I. F. Stravinsky

Moștenirea creativă a lui Stravinski, pe lângă lucrările menționate mai sus, include opera Progresul greblului bazată pe o serie de gravuri de J. Hogarth (1571), baletele Orpheus (1948), The Cage (1951) și Agon (1957), simfonii „În do” și „În trei mișcări”, concert de abanos pentru clarinet solo și ansamblu instrumental, „Tatăl nostru” pentru cor a capella, „Imn sacru spre slava numelui Sfântului Marcu”, „Plângerea profetului”. Ieremia”, cantata „Predică, pildă și rugăciune”, „Cântări pentru morți”, un număr mare de opere mai mici.

Este interesant că Stravinsky nu are un stil anume de scriere muzicală, modul său de lucru se schimbă constant, motiv pentru care a fost chiar supranumit cameleon. Cu toate acestea, toate compozițiile sale sunt exemple de adevărată măiestrie.

Alfredo Casella

Compozitorul, pianist, critic muzical și profesor italian Alfredo Casella s-a născut în 1883. Și-a făcut studiile muzicale la Conservatorul din Paris. A studiat compoziţia sub îndrumarea lui G. Faure, pian - L. Diemer. Muzica franceză, opera lui R. Strauss, precum și cunoștințele cu G. Mahler au avut o mare influență asupra formării stilului său. Cea mai cunoscută dintre primele lucrări ale lui Casella a fost rapsodia simfonică „Italia”, scrisă în 1909, reflectând dorința autorului de a transmite imagini ale vieții din Napoli și Sicilia. Compozitorul a inclus melodii populare în partitura lucrării, apărând într-un cadru orchestral oarecum ponderat.

În 1912-1915, Casella a fost dirijorul Concertelor populare din Sala Trocadero. În aceeași perioadă, a predat pian la Conservatorul din Paris.

În 1915, compozitorul s-a mutat la Roma, unde a devenit profesor de pian la Academia de Muzică din Santa Cecilia. Cu concerte, a vizitat multe orașe europene și americane.

Suita lui Casella „Paginile războiului” (1918), dedicată evenimentelor tragice ale timpului nostru, a apărut la Roma. De atunci, tendințele neoclasice, cu greu observabile în lucrarea anterioară a muzicianului, au crescut semnificativ. Ele sunt resimțite mai ales în partita pentru pian și orchestră (1925), unde dorința de constructivism a autorului iese în prim-plan. La fel ca mulți compozitori europeni din acea vreme, Casella s-a îndreptat constant către tradițiile muzicii italiene timpurii. Cel mai mult, a fost atras de arta secolelor XVII-XVIII, în special de lucrările lui A. Vivaldi și A. Scarlatti. Lucrările lui G. Rossini și A. Paganini au avut, de asemenea, o influență semnificativă asupra muzicianului. În operele lui Casella, interesul pentru antichitate se îmbină cu dorința de a folosi mijloacele expresive ale artei muzicale moderne, regândite de compozitor în lucrările sale teoretice („Evoluția muzicii în lumina istoriei schimbării Cadance”, 1918; „ Politonalitate și atonalitate”). Rol important arta populară joacă și în muzica compozitorului. Elemente de folclor sunt vizibile clar în multe dintre lucrările lui Casella.

Printre cele mai interesante lucrări ale compozitorului se numără Concertul pentru orchestră de coarde (1927), precum și suitele Scarlattiana pentru pian și 32 de instrumente cu coarde (1926) și Paganiniana (1942), care sunt adaptări libere ale celebrilor maeștri ai artei muzicale italiene. În aceste lucrări, precum și în partita deja menționată pentru pian și orchestră, Casella se îndreaptă spre neoclasicism. Tendințele neoclasice se resimt și în Concertul pentru coarde, pian, timpani și percuție (1943). Acest concert, creat special pentru Orchestra de Cameră din Basel, se caracterizează prin armonie structurală și armonie în combinația de genuri de dans și versiuni vechi ale concerto grosso.

Printre cele mai semnificative opere ale lui Casella, create pentru teatru, se numără Femeia-Șarpe (1931), întruchipând imaginile operei buffe italiene, opera Povestea lui Orfeu, baletele Mănăstirea Venețiană (1913), The ulcior (1924). Compozitorul este autorul liturghiei solemne „Pentru pace” (1944), trei simfonii, „Elegie eroică” (1916), concerte, romanțe, piese de teatru, inclusiv unsprezece pentru copii.

Casella a participat activ la activitățile Societății Internaționale pentru Muzică Contemporană. Lucrările compozitorului au fost adesea interpretate la festivaluri organizate de această societate în diverse țări.

Compozitorul italian a murit în 1947.

Deși operele lui Casella nu sunt uniforme în semnificația lor, muzicianul, care a jucat un rol uriaș în renașterea tradițiilor naționale, ocupă un loc demn în istoria artei muzicale italiene.

Heitor Vila Lobos

Heitor Vila-Lobos, compozitor, dirijor, profesor și folclorist brazilian, s-a născut la 5 martie 1887 la Rio de Janeiro. Atracția lui pentru muzică s-a manifestat destul de târziu. La 16 ani a devenit interesat de folclor și a călătorit mult prin țară, înregistrând diverse cântece populare.

În 1923, Vila-Lobos a plecat la Paris, unde a studiat cu sârguință disciplinele muzicale. Acolo i-a cunoscut pe Ravel, Prokofiev și alți compozitori. Prietenia cu ei a jucat un rol important în dezvoltarea operei sale.

Realizându-se ca compozitor, Vila-Lobos și-a găsit, între timp, timp să cânte în concerte în calitate de dirijor, regândind în același timp interpretarea propriilor compoziții și a muzicii contemporanilor săi.

În 1931, Vila-Lobos a fost numit comisar guvernamental pentru educația muzicală din Brazilia. Ar trebui să i se dea cuvenitul: a adus o mulțime de foloase țării sale, deținând un post atât de important. Înființată Vila Lobos scoli de muzicași studiourile corale din multe orașe braziliene, au dezvoltat un sistem de educație muzicală pentru copii. În 1945, la inițiativa sa, a avut loc deschiderea Academiei Braziliei de Muzică, al cărei președinte era permanent.

Alături de atribuțiile comisarului, Vila-Lobos a continuat să facă turnee și a vizitat concerte în diferite țări America de Sud, în SUA, Londra, Paris, Roma, Lisabona etc. Datorită lui, lumea a aflat despre muzica braziliană unică, pe care o reprezenta compozitorul.

Viața Vila Lobos s-a încheiat în 1959 la Rio de Janeiro. Moștenirea sa creativă este un număr imens de lucrări aparținând diferitelor genuri. Dintre acestea, în primul rând, aș dori să remarc operele Aglaya, Eliza, Izat, Malasarte, Yerma; opereta „Maddalena”; 15 balete; oratoriile „Vidpura” și „Cântarea pământului”; suita corală „Descoperirea Braziliei”; Masa; 12 simfonii; 2 simfoniete; 18 poezii simfonice; 5 concerte pentru pian și 2 pentru violoncel, compoziții instrumentale de cameră și pian. Cea mai cunoscută lucrare a compozitorului este „Brazilian Dunes” pentru voce cu ansamblu de instrumente.

Vila-Lobos deține și lucrarea în șase volume „Un ghid practic pentru studiul folclorului”.

Boguslav Martinu

Compozitorul ceh Bohuslav Martinu s-a născut în 1890. Prima lucrare semnificativă a tânărului muzician a fost „Rapsodia Cehă” pentru orchestră (1918). În 1923, Martin a plecat la Paris, unde a început să studieze cu A. Roussel. După terminarea studiilor, a rămas în Franța, deși nu a rupt niciodată legăturile cu patria sa. Noile tendințe în artă nu l-au ocolit, compozitorul era interesat de neoclasicism, jazz etc. Martina a fost foarte influențată de cunoștințele sale cu I. Stravinsky și A. Honegger.

Dar treptat compozitorul și-a dezvoltat propriul stil. Lucrările muzicianului au fost interpretate cu succes la Paris și Praga, deși nu toți ascultătorii i-au acceptat opera. Unii au considerat muzica lui prea îndrăzneață și chiar îndrăzneață.

În anii 1930 au apărut o serie de lucrări ale lui Martinu, care atestă interesul mare al autorului lor pentru motivele cehe. Printre acestea se numără baletul Shpalichek (1932), operele Piese despre Maria (1934) și Teatrul în afara porților (1936), bazate pe elemente folclorice.

Printre cele mai semnificative lucrări ale acestei perioade se numără opera Julieta (1937) și Concertul dublu pentru două orchestre de coarde, pian și timpani (1938). Muzica lor reflecta stările de spirit tulburătoare care au măturat Europa, care era în pragul celui de-al Doilea Război Mondial. Martinou a scris atunci: „Totul a dispărut la îndemână, gândurile nu au primit niciun răspuns sau sprijin nicăieri. S-au dus undeva în neant, de parcă golul care s-a deschis ar fi atras întreaga umanitate.”

Compozitorul a scris însuși libretul pentru „Julieta”, făcând referire la povestea lui J. Neve. Acțiunea se petrece într-un oraș fantastic, ai cărui locuitori nu își amintesc trecutul și nu deosebesc realitatea de ficțiune. Michel, un tânăr care își caută iubita, se trezește într-un oraș ciudat. O găsește pe fată, dar Julieta lui, care a căzut sub puterea vrajei magice a orașului, nu se mai poate elibera. Incapabilă să se despartă de iubita ei, Michelle rămâne în această lume nebună, monstruoasă.

Întreaga acțiune a lui „Juliet” constă din scene mici, părțile vocale sunt bazate pe recitativ. Opera are trăsături de psihologism, ascultătorul empatizează cu personajele care trăiesc într-o lume ireală, misterioasă. Flerul artistic subtil al lui Martin ajută aici, capacitatea sa de a aduce energie vitală și dinamică în atmosfera, evident, fantastică a acțiunii operei. Ideea „Julietei” este dezvăluită de cuvintele compozitorului însuși, care a scris: „Este o luptă disperată pentru posesia a ceva stabil care poate servi drept suport: realitate, memorie, conștiință. Acesta din urmă se dovedește a fi rupt, pus în situații tragice în care Michel trebuie să lupte pentru a-și menține propria stabilitate și sănătate. Merită să cedeze, iar el va rămâne în această lume fără memorie, fără timp, pentru totdeauna. În imagini suprareale, compozitorul a încercat să transmită emoții și sentimente reale care apar ca urmare a unei instabilități dureroase a conștiinței. În aceasta, Martinu era apropiat de B. Bartok și A. Honegger, a căror muzică reflecta și o premoniție alarmantă a unei catastrofe iminente.

Din 1941, compozitorul se află în Statele Unite. În 1953 s-a întors în Europa. Martinu a locuit în Franța, Italia, Elveția. Deși nu a uitat niciodată de rădăcinile sale cehe, mulți ani de departe de patria sa nu au putut decât să-i afecteze munca, multifațetă și controversată. Aproape toate genurile și soiurile sunt reprezentate în moștenirea lui Martin. Muzicianul nu a respectat niciodată anumite sisteme și tendințe, a reușit să-și mențină originalitatea și individualitatea.

Cele mai bune lucrări ale lui Martin au fost create în ultimii douăzeci de ani ai vieții sale. În această perioadă, compozitorul a scris șase simfonii, Frescele și Parabolele de Piero della Francesca pentru orchestră, operele Ariadna și Mirandolina, Pasiunile grecești și altele.

Martinou s-a orientat mai întâi către genul simfoniei deja introdus maturitate. El a scris atunci: „Când cineva se confruntă cu problema creării primei simfonii, involuntar devine deosebit de nervos și serios...” Aceste cuvinte exprimă cerințele compozitorului față de sine și de opera sa.