Andrei Andreevich Voznesensky (1933-2010) - Poeta russo. È nato nel 1933 a Mosca. Già in gioventù ha scoperto un interesse per le belle arti e la musica ed è entrato all'Istituto di architettura di Mosca, laureandosi nel 1957. Anche Voznesensky mostrò presto interesse per la poesia: all'età di quattordici anni, l'adolescente inviò le sue poesie a Pasternak e il maestro le apprezzò molto, dicendo che aspettava l'arrivo di un vero poeta nella letteratura moderna.

Voznesensky entrò rapidamente nella poesia russa: nel 1958 furono pubblicate le sue prime poesie, l'anno successivo scrisse la poesia "Masters". Nel 1960 apparvero le prime raccolte di poesie: "Parabola" e "Mosaic", che resero famoso l'autore. Il successo di Voznesensky arrivò al culmine della popolarità nazionale della poesia, il suo modo poetico colpì nella sua novità e attratto dalla sua vicinanza alle tradizioni del futurismo russo, cioè il legame con l'eredità di Mayakovsky, Pasternak e poeti di l'inizio del XX secolo. Dal 1961, la poesia di Voznesensky è stata ampiamente riconosciuta in tutto il mondo: il poeta si esibisce negli Stati Uniti, guadagnando popolarità in Europa.

Nel 1964, Voznesensky pubblicò una raccolta di poesie "Antimira", e presto fu messo in scena uno spettacolo di canzoni e poesie sulla base di questa raccolta al Teatro Taganka. È interessante notare che fu allora che ebbe luogo un incontro creativo di due maestri della nostra cultura: il poeta e cantante Vladimir Vysotsky apparve per la prima volta sul palco di Taganka.

I legami con il teatro in seguito si rafforzano ancora di più: nel 1980 Voznesensky scrive un libretto poetico, secondo il quale l'opera rock Juno and Avos viene rappresentata al Lenin Komsomol Theatre, che è diventato un fenomeno eccezionale della nostra cultura. Da vero poeta, Voznesensky è sempre ricettivo alla modernità, come dimostra la sua raccolta di poesie Sul vento virtuale (1998).

La poesia di Voznesensky combina la parola e l'espressività della pittura con il rilievo architettonico, quindi le sue poesie hanno un potenziale musicale significativo. Ad esempio, ha abilmente descritto in versi la leggenda dell'amore dell'artista Pirosmani: hanno unito la vastità del mare di rose scarlatte e sentimenti profondi. Questi versi sono stati messi in musica dal compositore Raimonds Pauls e la canzone "A Million Scarlet Roses" è stata ispirata dalla cantante Alla Pugacheva.

La formula "non ci sono persone poco interessanti al mondo" è stata affermata da E. Yevtushenko già nel 1960. Questa poesia è indirizzata a persone che a volte vengono chiamate "semplici". Nella sua opera, ogni scrittore, poeta in un modo o nell'altro fa riferimento a questo argomento: il tema di una persona, la sua anima, le sue azioni e intenzioni. Ma il tema dell'uomo, la sua bellezza spirituale è sempre connesso al tema della natura, del mondo circostante, dell'ambiente in cui una persona manifesta i suoi pensieri e sentimenti. La poesia di Aleksey Parshchikov "Elegy" sembra riguardare la natura, i rospi, i rappresentanti più bassi del mondo animale, ma anche qui il suo interesse per la bellezza dei vivi, per le persone, le loro azioni, le azioni si manifesta.
... Nella fanciullezza lavorano a maglia, nel matrimonio camminano con il caviale, All'improvviso combatteranno fino alla morte e il fruscio si calmerà di nuovo. E poi, come quelli di Dante, d'inverno si congelano nel ghiaccio, e poi, come quelli di Cechov, passeranno la notte a parlare.
L'uomo ricade il ruolo di mediatore tra natura e umanità. A. Voznesensky una volta disse a riguardo:
Siamo gemelli. Siamo doppie agenzie, come un tronco di quercia, Tra natura e cultura, Politica e amore.
Il problema dell'uomo e del suo ideale morale preoccupava molti autori, non solo prosatori, ma anche poeti. Il nucleo morale del carattere lirico di Yevtushenko si manifesta in poesie su persone che hanno già superato la più severa prova di forza e vi hanno resistito durante la guerra. Queste sono poesie come "Matrimoni", "Soldato di prima linea", "Esercito", "Nastya Karpova". Nella poesia "Soldato di prima linea" l'eroe è un soldato ferito, oggetto della più grande adorazione di ragazzi e adolescenti. Allo stesso tempo, vediamo la condanna più risoluta della duttilità morale di un soldato di prima linea che, essendo molto ubriaco, assillava con il suo corteggiamento prima l'una o l'altra ragazza e “parlava troppo forte, troppo pieno delle sue imprese. " Non solo i bambini, gli eroi del poema, ma anche il poeta collega l'ideale morale con le persone che hanno combattuto al fronte, quindi non consente la minima deviazione da esso al soldato in prima linea, quindi insiste ostinatamente sul fatto che "lui deve essere migliore, migliore, perché è stato in prima linea.
Particolarmente indicativo in questo senso è l'ultimo libro di Voznesensky, The Foremen of the Spirit, dove un tema giornalistico pervasivo attraversa poesia, prosa e note critiche. Chi sono i caposquadra dello spirito di Voznesensky? Si tratta di persone di rara vocazione: "attivisti sociali della cultura", "creatori di creatori", organizzatori, difensori, assistenti, asceti, persone che si sono realizzate non direttamente nella creatività, ma in "attività per il bene dell'arte". Come Tretyakov, Cvetaev, Diaghilev. Ma l'autore non è incline a una rigida divisione delle persone d'arte in artisti stessi e, per così dire, sovrintendenti spirituali destinati a servirli. Scopre caratteristiche di "pro-schiavitù" in poeti, compositori, registi. E ancora oltre, ancora più ampio: i caposquadra dello spirito sono tutti coloro che partecipano alla creazione - siano i valori spirituali,
Materiale. .
Il poeta N. Rubtsov trova i suoi ideali morali in campagna. La vita misurata di un lavoratore rurale, le solite preoccupazioni quotidiane della gente comune corrispondono allo stato d'animo di Rubtsov. Si dissolve nell'immensità della natura contadina, canta con la voce, piange con le lacrime. Ma le lacrime di Rubtsov non sono "amare", sono cristalline, a volte leggermente coperte da un velo di luminosa tristezza. Tale è lo schizzo poetico di "Good Phil". Rubtsov vede la gentilezza degli abitanti del villaggio, la loro creduloneria che non conosce limiti. Ricorda che nella sua "Nikola" non chiudevano mai le porte, sostituendo le serrature con una batozhka attaccata agli stipiti. Ecco perché il villaggio non ha mai perdonato i furti, le "persone focose" sono state espulse per sempre dalla comunità. Forse il tema dell'uomo e della sua bellezza spirituale si è manifestato in modo più chiaro e vivido nei testi dei poeti bardi, i creatori della canzone dell'autore - B. Okudzhava, V. Vysotsky, A. Rosenbaum. I loro testi sono più vicini a una persona, ai suoi pensieri e desideri più segreti. Il successo è arrivato a Okudzhava perché non si rivolge alle masse, ma all'individuo, non a tutti, ma a ciascun individuo. L'essenza della canzone dell'autore è l'approvazione dell'autore, ad es. libero, senza censure, indipendente (dal greco. ai (05 - se stesso) - posizione di vita, atteggiamento dell'autore. Ad ogni canzone, l'autore sembra dire: "Questo è il mio grido, la mia gioia e il mio dolore dal contatto con la realtà Il motivo centrale della poesia Okudzhava e, in particolare, il suo modo di scrivere è il motivo della speranza, compreso e interpretato in diverse forme. Il concetto astratto di "speranza" è "umanizzato", animato da Okudzhava, acquisisce caratteristiche visibili, incarnate in una vera donna di nome Nadezhda ("Compagna Nadezhda con il nome di Chernova ", "Nadya-Nadya ... in un cappotto speciale, così oliato"); allo stesso tempo, il nome Nadezhda è poeticamente generalizzato, acquisendo la funzione di una simbolo.
Gli eroi della lirica di Vysotsky sono in perpetuo movimento di superamento:
Non c'è motivo di fermarsi. vado a scivolare.
E non ci sono picchi del genere nel mondo. Cosa non si può prendere.
Le prime canzoni di Vysotsky sono caratterizzate da una manifestazione delle capacità illimitate di una persona, dall'amore e dall'amicizia. I suoi eroi si precipitano tra le nuvole, conquistano gli oceani, assaltano le cime delle montagne. Una situazione estrema è una componente indispensabile della poetica romantica di Vysotsky. La guerra è anche romanzata da Vysotsky. Il motivo principale delle sue canzoni "militari" è il canto delle gesta di piloti, sottomarini, esploratori, marines. Il tocsin della guerra, come le ceneri di Klaas, bussa nel suo cuore:
E quando rimbomba, quando si esaurisce e piange, E quando la nostra fine smetterà di saltarci sotto, E quando le nostre ragazze cambieranno i loro sibili in vestiti, - Allora non dimenticheremmo, non perdoneremmo e lo faremmo' non perdere!
("La canzone del nuovo tempo")

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Ricerche artistiche nella prima poesia di Andrei Andreevich Voznesensky

introduzione

Yevgeny Yevtushenko, Andrey Voznesensky, Bella Akhmadulina, Robert Rozhdestvensky, Bulat Okudzhava... Hanno iniziato il loro viaggio letterario dall'atmosfera del "disgelo" di Krusciov.

A. Voznesensky - un poeta degli anni '60. Nato a Mosca. Il figlio di un idroingegnere di Mosca. Dallo stesso cantiere con Andrei Tarkovsky. Nel 1957 si laureò all'Istituto di Architettura di Mosca e segnò questo finale con i seguenti versi: "Addio, architettura! Brucia largamente, stalle in amorini, gabinetti in rococò!"

Da quel momento in poi, la sua vita è stata completamente posseduta creatività letteraria. Nel 1958 le sue poesie appaiono sui periodici e, a partire dal poema "Masters" (1959), la poesia di Voznesensky è rapidamente esplosa nello spazio poetico del nostro tempo, dopo aver ricevuto il riconoscimento di milioni di lettori. "Il tuo ingresso nella letteratura è rapido, tempestoso, sono contento di essere sopravvissuto per vederlo", scrisse Pasternak dall'ospedale.

Le sue prime poesie furono pubblicate nel 1958 su Literaturnaya Gazeta e nella raccolta The Day of Russian Poetry. Già le prime pubblicazioni hanno attirato l'attenzione della critica su un poeta di talento, con una voce fresca, intonazioni e ritmo energici, immagini inaspettate e scrittura sonora.

Nel 1960, i libri Parabola e Mosaic sono stati pubblicati parallelamente a Mosca e Vladimir. Sono stati percepiti in modo ambiguo da poeti e critici. Quindi, una delle poesie chiave di questo periodo, "Goya" (1957), è stata rimproverata per il formalismo. La permeazione attraverso le consonanze, le rime interne è chiaramente avvertita nel programma del poeta "Parabolic Ballad" (1958): "Il destino, come un razzo, vola lungo una parabola / di solito - nel buio e meno spesso - lungo un arcobaleno"; "Vanno alle loro verità, coraggiosamente in modi diversi, / un verme - attraverso un varco, un uomo - lungo una parabola".

Già in queste poesie relativamente antiche si manifestava l'originalità del modo poetico di Voznesensky: l'acutezza di vedere il mondo nella sua complessità e tragiche contraddizioni, in rapido movimento, "in grumi figurativi" (E. A. Yevtushenko), il potere del sentimento lirico, il natura espressivo-romantica delle immagini, metafore, associazioni, oltre alla concisione e dinamismo del linguaggio, ampiezza lessicale e intonazionale, libertà e varietà di ritmi, ricca strumentazione del verso. Nel suo lavoro si nota l'influenza della poetica di B. L. Pasternak e V. V. Mayakovsky, V. V. Khlebnikov e M. I. Cvetaeva, altri poeti dell'età dell'argento, numerosi artisti e architetti del 20 ° secolo.

Ha messo la metafora in primo piano, definendola il "motore della forma". Kataev ha definito la poesia di Voznesensky un "deposito di metafore".

Le sue prime metafore erano sbalorditive: "gli occhi corrono sul tiglio come una moto che sbanda", "il mio gatto, come un ricevitore radio, cattura il mondo con un occhio verde", "e le lingue tranquille brillano dai cani, come dagli accendini", ma a volte scioccato: "un gabbiano - costume da bagno di dio". Dopo Majakovskij, non c'era un simile Niagara metaforico nella poesia russa.

Voznesensky ha avuto molti avversari fin dalla sua prima giovinezza, ma nessuno ha potuto togliere il fatto che ha creato il proprio stile, il proprio ritmo. In particolare è riuscito in una linea in rima inaspettatamente accorciata, quindi allungando il ritmo, quindi troncandolo.

Voznesensky è stato uno dei primi poeti di quella generazione ad "aprire una finestra sull'Europa" e sull'America dando letture di poesie. Da entusiaste note giovanili: “Abbasso Raffaello, viva Rubens!”, dal gioco di allitterazioni e rime passa a stati d'animo più tristi: “noi, come appendicite, siamo stati tolti dalla vergogna”, “ogni progresso è reazionario se una persona crolla”. C'erano ragioni biografiche per tutto questo.

Nel 1963, in un incontro con l'intellighenzia al Cremlino, Krusciov sottopose Voznesensky a tutti i tipi di insulti, gridandogli: "Prendi il passaporto e vattene, signor Voznesensky!" Tuttavia, nonostante la temporanea disgrazia, le poesie di Voznesensky continuarono a essere pubblicate e la tiratura dei suoi libri crebbe fino a 200.000. Secondo le sue poesie, furono allestite le rappresentazioni "Antimira" nel 1964 del Teatro Taganka e "Avos" al Teatro Lenin Komsomol. Voznesensky è stato il primo scrittore degli anni '60 a ricevere il Premio di Stato (1978). Peru Voznesensky possiede molti saggi, dove racconta i suoi incontri con Henry Moore, Picasso, Sartre e altri grandi artisti del XX secolo. Voznesensky è un membro onorario dell'American Academy of Arts.

L'importanza dello studio del lavoro del corso è giustificata dal fatto che negli anni '50 del XX secolo è entrata nella letteratura una nuova generazione di poeti, la cui infanzia ha coinciso con la guerra e la loro giovinezza è caduta negli anni del dopoguerra.

A. Voznesensky e molti altri nei loro temi e generi, immagini e intonazioni, riferendosi a diverse tradizioni artistiche, hanno cercato di incarnare i tratti dell'immagine spirituale uomo moderno, la sua brama di pensiero intenso, ricerca creativa, azione attiva.

Lo scopo del lavoro del corso è quello di determinare il vettore di ricerca artistica per la prima poesia di A. Voznesensky

1. Fornisci una descrizione generale della poesia del periodo del "disgelo" degli anni '60

2. Determina il luogo del lavoro di Voznesensky negli anni '60

3. Identificare i temi ei problemi principali della prima poesia di A. Voznesensky.

1. Generaleharatecnichepoesiaperiodo"scongelare"anni '60

Poeta artistico Voznesensky

Il lavoro di A. Voznesensky coincide nel tempo con il periodo del disgelo di Krusciov. Il disgelo di Krusciov è una designazione non ufficiale del periodo della storia dell'URSS dopo la morte di I.V. Stalin (metà degli anni '50 - metà degli anni '60). Nella vita politica interna dell'URSS, è stata caratterizzata dalla liberalizzazione del regime, dall'indebolimento del potere totalitario, dall'emergere di una certa libertà di parola, dalla relativa democratizzazione della vita politica e pubblica, dall'apertura al mondo occidentale e da una maggiore libertà di attività creativa. Il nome è associato alla carica di Primo Segretario del Comitato Centrale del PCUS N. Krusciov (1953-1964).

Nonostante tutta la convenzionalità di dividere la storia (compresa la storia letteraria) in decenni, essa appare abbastanza chiaramente nella realtà stessa, sebbene, ovviamente, i confini cronologici di un singolo stadio così individuato non coincidano con i confini dei decenni del calendario. Quindi nel 20° secolo, gli anni '60 nella vita e nella letteratura non iniziarono il 1 gennaio 1961, e non in Gli ultimi giorni Il 1970 è finito. Questo periodo è segnato, da un lato, da eventi come la morte di I.V. Stalin (marzo 1953) e il XX Congresso del PCUS (febbraio 1956), e dall'altro, la rimozione di N.S. Krusciov nell'ottobre 1964, con il processo agli scrittori Y. Daniel e A. Sinyavkin (gennaio 1966).

Anche questi anni non hanno una definizione digitale, ma figurativa, ripetendo il titolo dello stesso anno, il 1954, del romanzo di I. Ehrenburg, il disgelo. Come confermano gli eventi citati della seconda metà degli anni Sessanta, si è rivelato accurato, sebbene al momento della sua entrata in circolazione fosse difficile per gli ottimisti accettarlo, poiché non escludeva dubbi sull'irreversibilità dei cambiamenti che stavano prendendo forma nel paese.

Metà anni '50 - nuovo punto il disgelo di Krusciov. Il famoso reportage di N.S. Krusciov alla riunione "chiusa" del XX Congresso del Partito del 25 febbraio 1956 segnò l'inizio della liberazione della coscienza di molti milioni di persone dall'ipnosi del culto della personalità di Stalin. L'era fu chiamata il "disgelo di Khrushchev", che diede vita alla generazione degli "anni Sessanta", la sua ideologia contraddittoria e il suo drammatico destino. Sfortunatamente, né le autorità né gli "anni Sessanta" hanno escogitato un autentico ripensamento della storia sovietica, del terrore politico, del ruolo della generazione degli anni '20 in essa, dell'essenza dello stalinismo. Ma in letteratura ci sono stati processi di rinnovamento, rivalutazione dei valori e ricerche creative, i primi anni del “disgelo” sono diventati un vero e proprio “boom poetico”.

La poesia iniziò a concretizzare l'esperienza dei movimenti e delle scuole letterarie del primo Novecento. Ciò è stato facilitato da un'atmosfera morale che ha generato coraggio (dì quello che vuoi), onestà (dì quello che pensi). I poeti hanno cercato di connettersi con l'interrotto esperienza storica. A questo proposito, le parole "amore", "amicizia", ​​"partnership" e altre hanno riacquistato il loro valore ideologico. I poeti stanno cercando di combattere le universalità radicate nella letteratura: l'abuso di parole d'ordine, burocrazia, lodi e altri attributi di un sistema totalitario costruito sulla menzogna e la paura.

La passione per la poesia è diventata la bandiera dei tempi. La gente allora era malata di poesia, né prima né poi in poesia e in generale in letteratura non erano particolarmente interessati. Letture di poesie per la prima volta in storia nazionale cominciò a radunare folle di giovani.

Fu creato un ambiente giovanile, la cui parola d'ordine era la conoscenza delle poesie di Pasternak, Mandelstam, Gumilyov. Nel 1958 fu solennemente aperto a Mosca un monumento a Vladimir Mayakovsky. Dopo il completamento della cerimonia ufficiale di apertura, durante la quale si sono esibiti i poeti previsti, la poesia ha iniziato a essere letta da coloro che lo desideravano dal pubblico, per lo più giovani. I partecipanti a quel memorabile incontro cominciarono a radunarsi regolarmente presso il monumento. Incontri al monumento a Majakovskij nel periodo 1958-1961. sfumature sempre più politiche. L'ultimo di questi ebbe luogo nell'autunno del 1961, quando molti dei partecipanti più attivi agli incontri furono arrestati con l'accusa di agitazione e propaganda antisovietica.

Ma la tradizione della poesia orale non è finita qui. È stato continuato con le serate al Museo del Politecnico e successivamente a Luzhniki. I giovani poeti - Yevgeny Yevtushenko, Andrei Voznesensky e Bella Akhmadulina - sono diventati veri e propri idoli del "disgelo", parlando dal poetico "palcoscenico".

Erano un gruppo di attori con ruoli diversi, che si completavano perfettamente a vicenda. Yevtushenko era un poeta-tribuno, finalizzato al dialogo con ciascuno di coloro che sedevano nella sala. Voznesensky ha dato una visione ampia del mondo, coinvolgendo ogni ascoltatore problemi globali. Akhmadulina portò una nota di misteriosa intimità. Considerando la creatività come un sacramento, lei, per così dire, comunicò i suoi lettori e ammiratori a questo sacramento.

Le autorità hanno permesso a Yevtushenko, Voznesensky, Akhmadulina, Rozhdestvensky di parlare in pubblico, ritenendo che un tale fenomeno fosse necessario affinché le persone potessero "sfogarsi". Questi poeti erano necessari alle autorità, sebbene lei non si fidasse di loro in tutto. Questi poeti furono chiamati alla critica. Era il titolo di un articolo di S. Rassadin, dedicato a coloro che in quegli anni facevano parte della letteratura. Sono entrati audacemente e rumorosamente, testimoniando con le loro pagine che la poesia, la prosa, la critica, la drammaturgia stanno uscendo dallo stato letargico in cui si trovavano negli anni del totalitarismo stalinista.

Da oggi è chiaro che il rinnovamento spirituale della società, iniziato in quel tempo, fu per molti aspetti tiepido e di compromesso. Secondo la confessione autocritica di uno di loro, il critico V. Ognev, gli "anni Sessanta" si sforzavano di "essere il più onesti possibile". Loro, difendendo posizioni che di lì a poco chiameranno "socialismo dal volto umano", speravano di ripristinare gli ideali apparentemente elevati della rivoluzione, di ripulirli dalle distorsioni e dai dogmi legati al "culto della personalità", in una parola - testare il socialismo - umanesimo. Alla luce degli eventi degli ultimi anni, questi sforzi romantici possono sembrare sisifei, se non ingenui.

Dementiev ha scritto (Granite of Verse) - "Gli anni Sessanta hanno attivamente sostenuto il" ritorno alle norme leninistiche", da qui le scuse di V. Lenin (poesie di A. Voznesensky e E. Yevtushenko, commedie di M. Shatrov, prosa di E. Yakovlev ) come oppositore di Stalin e della romanticizzazione guerra civile(B. Okudzhava, Yu. Trifonov, A. Mitta).”

Gli anni Sessanta sono convinti internazionalisti e sostenitori di un mondo senza confini. Non è un caso che i rivoluzionari della politica e dell'arte fossero figure di culto degli anni Sessanta - V. Mayakovsky, Vs. Meyerhold, B. Brecht, E. Che Guevara, F. Castro, nonché gli scrittori E. Hemingway e E. M. Remarque.

Dall'altro lato, ruolo importante tra gli "anni Sessanta" iniziò a suonare la poesia modernista. Per la prima volta nella storia russa, le letture di poesie hanno cominciato a raccogliere folle di giovani.

Uno dei simboli della generazione dell'era del "disgelo" fu Andrei Andreevich Voznesensky. Entrò, o meglio, irruppe nella letteratura brillantemente, rapidamente. Come Yevtushenko, Voznesensky è diventato il leader dell'avanguardia poetica del nuovo tempo.Le raccolte di poesie Parabola, Mosaic, Terangular Pear, Antiworlds, pubblicate nei primi anni '60, hanno permesso di affermare che apparve un poeta originale, con il suo proprio mondo, il suo sistema di immagini, una nuova visione dei problemi. Le opere di Voznesensky hanno immediatamente attirato l'attenzione su se stesse con la freschezza del suono, l'energia del ritmo, uno speciale linguaggio metaforicamente ricco, associazioni inaspettate, una ricchezza di mezzi poetici e la diversità di genere (elegia, ballata, monologo lirico, poesia drammatica, confessione d'amore, dialogo, pittura di paesaggio, ritratto satirico, reportage).

Nell'opera del giovane poeta c'era una peculiare sintesi di testi e principi filosofici, l'emancipazione dei sentimenti, i pensieri del verso. Voznesensky è uno dei protagonisti della poesia "pop" degli anni '60, intrisa dello spirito di innovazione e di emancipazione dell'uomo dal potere dei dogmi obsoleti. Voznesensky ha identificato i temi principali della sua poesia nella Parabolic Ballad:

Canoni radicali, previsioni, paragrafi,

Arte, amore e storia impetuosi -

Su una traiettoria parabolica!

Voznesensky si riferisce principalmente a intellettuali, "fisici e parolieri", persone di lavoro creativo, e attribuisce un'importanza fondamentale non ai problemi sociali, morali e psicologici, ma a mezzi artistici e le forme della sua comprensione e incarnazione. Fin dall'inizio, il suo mezzo poetico preferito è la metafora iperbolica, simile alle metafore di Mayakovsky e Pasternak, e i generi principali sono il monologo lirico, la ballata e la poesia drammatica, da cui costruisce libri di poesie e poesie.

Già all'epoca della prima creatività, il poeta aveva un serio bagaglio di conoscenze. Architettura e musica, matematica e sopromat, storia della pittura e storia della poesia. Questo è importante da sapere: l'architettura ha influenzato le poesie, in particolare la scuola di Vladimir, tra le immagini di cui il poeta trascorse la sua infanzia. Più tardi, Andrei Voznesensky amava il barocco italiano.

Voznesensky introduce nella sua poetica i contorni viventi di quest'anno, mese, giorno, momento, ogni volta ripensati.

La poetica di Voznesensky è caratterizzata da uno speciale schema ritmico, caratterizzato da "rilievo", "rigonfiamento": al culmine, il poeta non amplifica il suono, ma, al contrario, lo attutisce. Allo stesso tempo, le poche esplosioni emotive rimaste risaltano e si trasformano in punti di shock. Le sue poesie sono sempre costruite compositivamente, "architettoniche". .

La realtà gli dà eventi, fatti, nomi, date. il poeta, aperto all'impressione della vita, assorbe tutto in se stesso e il suo verso, come un sismografo, reagisce con sensibilità agli shock nella coscienza pubblica di compatrioti e contemporanei. Non a tutti piacciono le poesie francamente sperimentali di Andrei Voznesensky. I suoi "isopi" furono accolti con ostilità da alcuni, i versi, eccessivamente sovraccarichi di inversioni, furono appena percepiti.

Una caratteristica importante della sua poetica sono le numerose rime interne, le ripetizioni sonore. Dapprima sorge una consonanza in rima, poi viene raccolta da numerosi echi nei versi successivi, moltiplicandosi all'infinito e facendo eco ad altre consonanze.

Nei libri di Andrei Voznesensky, l'energia sonora del verso brilla e schizza. I suoni fluiscono facilmente, naturalmente. Non si tratta di un gioco di parole sconsiderato, come alcuni critici sembrano pensare, ma di una costante e giovane svolta verso il significato, l'essenza. L'acutezza del suono nella poesia di Andrei Voznesensky nel corso degli anni acquisisce sempre più l'acutezza del significato. Il linguaggio della sua poesia è il linguaggio dell'uomo moderno. Nel linguaggio moderno, il poeta cerca la grana perfetta. Ma per una selezione di successo, devi vagliare la pula in tonnellate, scartare la buccia.

Tutti hanno avuto successo con il grande pubblico. Umanesimo, cittadinanza, democratismo del poeta, confessione, temperamento, emotività, fusione del vario socio-discorso stili, la piena dedizione ha ampliato il pubblico dei suoi ammiratori, ha attirato tutta l'attenzione generale.

Andrei Voznesensky è un poeta originale e dotato. Ha uno spiccato senso della modernità, un intenso lirismo, una brama intrinseca per l'ambiguità delle immagini, per le associazioni compresse come una molla d'acciaio, per metafore inaspettate, spesso grottesche. È diverso da chiunque altro e talvolta ostenta anche con fervore la sua originalità. Ma lavora seriamente e molto. L'attenzione predominante alla forma del verso non esclude la presenza di un tema abbastanza stabile in Voznesensky. La maggior parte delle sue poesie sono narrative. Tra i temi sviluppati dall'artista ci sono i problemi della cultura e della civiltà, della materia e dello spirito (“mondo” e “anti-mondo”). .

2. Basetemie problemiprestopoesia di A. Voznesensky

Il processo poetico degli anni Sessanta è un fenomeno ampio, complesso e ambiguo. C'era anche un'opinione sulla crisi nella poesia di questo tempo. La rinascita della vita letteraria è stata in gran parte facilitata dal lavoro degli allora poeti principianti - E. Yevtushenko, R. Rozhdestvensky, B. Akhmadulina, A. Voznesensky, che hanno parlato con versi civili di attualità. Fu da questi poeti che ebbe origine il termine "poesia pop".

Passiamo al lavoro di Andrei Voznesensky, e in particolare - a una delle sue poesie più sorprendenti - "Vivi non nello spazio, ma nel tempo ...". Voznesensky è un poeta "urbano", ma a volte si stancava anche di "essere" e si rivolgeva a "temi eterni", esperienze emotive.

Infatti, in questa poesia, l'autore si discosta dagli argomenti quotidiani che sono così caratteristici delle sue poesie. Fondendo insieme nella vita di una persona due dimensioni - temporale e spaziale, non trae conclusioni e non impone un'unica soluzione per tutti. Voznesensky lascia la scelta all'uomo, sebbene lui stesso, ovviamente, scelga una vita "temporanea", che è misurata non solo dalla vita terrena, ma anche dalla vita eterna.

Il lavoro di Andrei Voznesensky si è sviluppato in modo complesso. L'eccezionale talento del poeta, la sua ricerca di nuove possibilità della parola poetica hanno immediatamente attirato l'attenzione di lettori e critici. Nelle sue migliori opere degli anni '50, come la poesia "Masters" (1959), le poesie "Dal taccuino siberiano", "Rapporto dall'apertura della centrale idroelettrica", la gioia del lavoro, il senso della vita ottimista del creatore umano sono veicolati. L'eroe lirico di Voznesensky è pieno di sete di agire, di creare:

Vengo dalla panchina degli studenti

Sogno che edifici

stadio del razzo

Volato nell'universo!

Tuttavia, a volte in quel momento gli mancava la maturità civica, la semplicità poetica. Nelle poesie delle raccolte Parabola e Mosaic (1960), intonazioni e ritmi energici, figuratività inaspettata e scrittura sonora si trasformano talvolta in passione per il lato formale del verso.

Le poesie dei suoi primi due libri sono piene di espressione giovanile. L'autore cerca di trasmettere in essi la furiosa pressione del mondo circostante. Ma già nella raccolta Anti-Worlds (1964), il modo poetico di Voznesensky diventa più raffinato e razionalista. L'espressione romantica, per così dire, "si blocca" in metafore. Ora il poeta non partecipa tanto alle vicende di cui parla, quanto le osserva di lato, scegliendo per esse paragoni inaspettati e taglienti. [ 1, pag. 28] .

Per la prima volta, le poesie di Andrei Voznesensky sono state pubblicate nella Literaturnaya Gazeta. Negli anni '70 furono pubblicate raccolte di poesie: "Shadow of Sound", "Look", "Release the Bird", "Temptation", "Selected Lyrics".

Il poeta Sergei Narovchatov, analizzando il libro di Andrey Voznesensky "The Stained Glass Master", ha tracciato il collegamento tra la sua poetica e l'arte del vetro colorato. Come sapete, il rapporto tra letteratura e arti visive è di lunga data, ma oggi questo "comune delle muse" è diventato ancora più forte.

Nelle poesie di A. Voznesensky "Grove", "Beaver Lament", "Song of the Evening" l'idea è affilata al limite che distruggendo la natura circostante, le persone distruggono e uccidono il meglio di se stesse, esponendo il loro futuro sulla Terra ai mortali Pericolo.

Nel lavoro di Voznesensky, le ricerche morali ed etiche sono notevolmente intensificate. Lo stesso poeta sente l'urgenza di aggiornare, soprattutto, il contenuto spirituale della poesia. E la conclusione di queste riflessioni sono le seguenti righe circa lo scopo vitale dell'arte:

C'è un obiettivo più alto del poeta -

Batti il ​​ghiaccio sul portico,

Per riscaldarsi dal freddo

E confessione da bere.

Questi impulsi e aspirazioni sono stati espressi nei libri "Cello Oak Leaf" (1975) e "Stained Glass Master" (1976), "Amo le basi dolci". Hanno anche portato all'emergere di altri motivi, tratti figurativi e dettagli, ad esempio, nella percezione della natura. Quindi - "Bei boschetti di una patria timida (il colore di una lacrima o di un filo duro) ..."; "Una pera che si è estinta, sola nella boscaglia, non spezzerò la tua bellezza"; "I pini stanno fiorendo - candele di fuoco che si nascondono nelle palme dei coni futuri ..."; "Ciliegie fresche pendono trucioli ...". Il poeta, con una certa sorpresa, ammette a se stesso: "Vedo, come per la prima volta, il lago di bellezza della periferia russa".

“Spiegando perché non risparmia gli anni dedicati all'architettura, Voznesensky ha scritto nella prefazione a The Cello Oak Leaf: “Qualsiasi architetto serio inizia l'esame del progetto con una pianta e una sezione costruttiva. Facciata - per chi non lo sapesse, per spettatori. Il piano è il nodo costruttivo ed emotivo di una cosa, sebbene ne sia il nervo.

Voznesensky lavora su opere di grande forma poetica, ha scritto le poesie Longjumeau, Oz, Led69, Andrei Palisadov e altri.Le sue poesie crescono naturalmente dalle sue poesie e si ergono tra loro come alberi tra i cespugli. Queste poesie sono impetuose, le immagini non si incastrano nella quotidianità e nella scrupolosa descrittività, non vogliono scivolare. Lo spazio è dato in volo: "i centri televisivi sorvolano Moore come una sigaretta notturna". Spotlight -- Tempo (in maiuscolo), Tempo epico:

Entro nella poesia

Come entrare in una nuova era.

Così inizia il poema Longjumeau.

La reazione del poeta al contemporaneo, al vitale, è istantanea, urgente, Ambulanza e i vigili del fuoco, le sue parole sono 24 ore su 24 e affidabili. Doloroso, umano, penetrante caratterizza in modo deciso e distinto l'opera del poeta.

Ogni progresso è reazionario

Se una persona crolla.

Andrei Voznesensky ha anche scritto articoli sui problemi della letteratura e dell'arte, ha dipinto molto, alcuni dei suoi dipinti sono nei musei.

Nel 1978, a New York, gli è stato conferito l'International Poetry Forum Prize for risultati incredibili in poesia, nello stesso anno, Andrei Voznesensky ricevette il Premio di Stato dell'URSS per il libro "Maestro del vetro colorato".

Secondo Voznesensky, una persona è il costruttore del tempo in cui vive:

… alberi minuti ti sono affidati,

non possedere foreste, ma ore.

E qui il poeta dice che il tempo è soprattutto. Ed è proprio questo che protegge l'umanità, la sua vita dall'oblio e dalla distruzione: «abitare sotto case minuscole». L'idea è paradossale, ma molto precisa, credo.

Si può quindi dire che l'autore riveste tutto ciò che è materiale, spaziale, di un tessuto temporale. Anche la sua Casa è equiparata al tempo. Queste sono due rette parallele che alla fine si intersecano. Anche Voznesensky propone di sostituire i vestiti con il tempo, perché è più costoso delle pellicce più pregiate:

e spalle invece di zibellino a qualcuno

concludere in un minuto impagabile...

In effetti, il tempo è il miglior dono per qualsiasi persona, ma, sfortunatamente, donarlo è in potere solo di poteri superiori, Dio.

Vale la pena notare che la rima generalmente non è caratteristica delle poesie di Voznesensky. In questa poesia, ha rimato solo la prima e la seconda strofa, quelle dedicate al lato materiale dell'esistenza umana. Le altre due stanze non solo non fanno rima, ma sono anche costruite in modo asimmetrico (cinque e due versi ciascuna). Sono la stessa cosa del tempo stesso, che è ciò che dice il poeta nel primo verso della terza strofa: "Che tempo asimmetrico!"

Il pathos del poema "Vivi non nello spazio, ma nel tempo ..." si basa sull'opposizione: tempo e spazio. E sebbene il poeta li metta ai diversi poli della vita umana, l'uno è impossibile senza l'altro. Tuttavia, le persone non possono esistere senza di loro.

È interessante notare che non c'è una concretizzazione nella poesia: non c'è né un eroe lirico, né un appello a qualcuno personalmente. Tutto è generalizzato, e allo stesso tempo nei confronti di tutti.

Voznesensky dimostra che la sua vita non è la stessa di quella del lettore, ma per la quale il lettore deve certamente lottare. E sebbene questo non sia indicato direttamente nella poesia, si sente. Per diventare un artista, una persona, bisogna vivere "nel tempo". Cioè, sottolineando la distanza, Andrei Voznesensky allo stesso tempo ha chiesto il suo superamento.

E questa reale, seducente realizzabilità di entrare nel mondo dell'arte affascina e seduce. Dopotutto, sono le persone come il poeta che vivono a lungo nel tempo, anche dopo la loro vita corporea.

Strani confronti, molto accurati e spaventosi, sono dati dall'autore nella penultima strofa. Mi fa rabbrividire capire che è vero che:

Gli ultimi minuti - in breve,

L'ultima separazione è più lunga...

E non puoi scrivere niente qui - è vero. La forzatura nella stanza di un'atmosfera di disperazione, ma la possibilità di cambiare tutto, di scelta, sottolinea la ripetizione della parola “ultimo”.

Morire - nello spazio,

Dal vivo - nel tempo.

E qui la scelta spetta a tutti: dove vuole vivere, quale ricordo di sé lasciare. Questo è probabilmente uno degli eterni, ma così stranamente espresso in una poesia di un poeta moderno, una domanda.

Analisi delle prime raccolte di poesie. caratteristiche della poetica. Il ruolo della metafora, del paradosso, dell'ironia nell'opera di Voznesensky.

Una delle prime raccolte di poesie di Andrei Andreevich Voznesensky si chiamava Achilles' Heart (1966). Sulla copertina interna c'era un cardiogramma. È difficile immaginare un'immagine migliore per capire il poeta. Achillesiano, cioè non protetto, vulnerabile, facilmente vulnerabile, il cuore reagisce bruscamente alla crudeltà e all'ingiustizia, agli insulti e agli insulti, risponde a tutti i dolori e le sofferenze.

Voznesensky è un poeta della seconda metà del XX secolo. Questo è chiaro dalla sua poesia. Mosca e la California, l'aeroporto di New York e le stelle sopra Mikhailovsky, "Sono a Shushenskoye" e "Quando scrisse a Vyazemsky" - una tale libertà di movimento nel tempo e nello spazio è caratteristica del nostro contemporaneo.

Il tempo di "stress e passioni" - sia nella sua lingua che nei suoi versi. Prima di tutto, Voznesensky è un poeta dal pensiero acuto e intenso. Allo stesso tempo, la sua conoscenza professionale dell'architettura e della pittura ha contribuito al suo interesse per la forma poetica. Quindi - l'architettura armoniosa delle sue poesie, l'accuratezza degli epiteti, la musicalità della scrittura sonora:

* Ombra glorificata!

* Che cosa sta urlando in modo fastidioso

* record - come un bersaglio,

* inserito nella "top ten"?

Leggere Voznesensky è un'arte. Il semplice disfare le metafore del poeta non darà il risultato sperato. Dobbiamo accettare come nostro il suo dolore per un uomo, il suo odio per la meschinità, il filisteismo, la volgarità, il suo rabbioso avvertimento sulla possibilità di una Hiroshima spirituale. Ma Voznesensky non è solo indignato e odia - proclama e afferma: "Ogni progresso è reazionario se una persona crolla".

* Cos'altro è straordinariamente importante per lui?

* Russia, amata,

*Questo non è uno scherzo.

* Tutti i tuoi dolori - mi hanno trafitto di dolore.

* Sono il tuo capillare

* nave,

* Fa male quando -

* ti fa male, Russia.

Il sentimento di profonda compassione, il desiderio di aiutare ha ispirato il poeta a creare la poesia "Dal rapporto di Tashkent", scritta in risposta al noto terremoto del 1966. Nemmeno le immagini insolite con cui ricrea questa tragedia sembrano più strano o paradossale. Voznesensky difende alti valori spirituali, per una persona nobile, altruista e completa.

È autore delle raccolte di poesie Triangular Pear (1962), Antiworlds (1964), Sound Shadow (1970), Cello Oak Leaf (1975), Stained Glass Master (1976), Ditch ( 1987), “The Axiom of Self- Cerca" (1990) e altri. Voznesensky è il creatore del genere video, nato all'incrocio tra poesia e pittura.

Soggettodestinomaestriin una poesia"Maestri".

Uno dei temi centrali della poesia di Voznesensky è il destino dei maestri. Questo argomento è stato iniziato nella poesia "Maestri", in cui il discorso e i bambini parlano dei costruttori del "Tempio sedizioso".

Poesia "Maestri"

Il tuo martello non è una colonna e

statue tesali -

tolse corone dalla fronte

e scosse i troni.

A. Voznesensky

Andrei Voznesensky è letteralmente esploso nella poesia negli anni Sessanta. Era caratterizzato da entusiasmo giovanile, sorpresa e ammirazione per questo mondo meraviglioso in cui era destinato a vivere e creare.

La poesia "Maestri" ha immediatamente inserito Voznesensky nella categoria degli autori popolari e straordinari. C'era tanta passione giovanile ed energia poetica nell'opera, il suo ritmo era così impetuoso e il dipinto del tiro era inaspettato, che iniziarono immediatamente a parlare del poeta e a litigare.

Campane, clacson...

Squillo, squillo...

Pittori

Sempre!..

Il tuo martello non è una colonna

E lui tesal statue -

Abbattuto dalla fronte della corona

E scosse i troni.

Questa poesia è intrisa dell'idea dell'immortalità della vera arte. Niente ha potere su di lui, nemmeno il tempo spietato.

L'artista originale -

Sempre un tribuno.

Ha lo spirito della rivoluzione

E per sempre - ribellione.

Sei stato murato.

Hanno bruciato sul rogo.

Monaci dalle formiche

Hanno ballato sui fuochi.

L'arte è risorta

Dalle esecuzioni e dalle torture

E batteva come una sedia,

O pietre dei Moabiti.

Per la trama, Voznesensky prende una leggenda drammatica sui maestri che hanno costruito il tempio miracoloso - la Cattedrale dell'Intercessione, popolarmente conosciuta come Cattedrale di San Basilio, e sull'accecamento dei maestri in modo che non creassero un tempio ancora migliore da nessun'altra parte.

Erano coraggiosi - sette,

Erano forti - sette,

Probabilmente dal mare blu

O da nord

Dov'è Ladoga, prati,

Dove l'arcobaleno è l'arco.

Hanno posato la muratura

Lungo le rive bianche

Volare, come un arcobaleno.

Sette città diverse.

La poesia è scritta in un linguaggio sonoro e luminoso. Di capitolo in capitolo, il ritmo cambia dal tintinnio e dalla chiarezza "di ferro" del primo capitolo alla sconsiderata canzone del buffone nel secondo e nel terzo.

Ricci - trucioli,

Mani sulle pialle.

Furiosi, russi,

magliette rosse...

Il freddo, le risate, il rumore dei cavalli e l'abbaiare sonoro dei cani.

Abbiamo lavorato come diavoli e oggi - bere, camminare?

Il poeta, per così dire, si unì due volte. Con entusiasmo giovanile, senza paura, descrive il lontano passato, non cerca di stilizzare la sua lingua come un antico russo, ma parla in una lingua familiare a lui e ai suoi lettori.

E il tempio bruciava in mezzo al cielo,

Come uno slogan di ribellione

Come una fiamma di rabbia

Tempio che affonda!

Le autorità vedono sempre una minaccia e una sedizione nella creatività, cercando di strangolare il creatore. Ma è impossibile uccidere l'arte, esisterà finché le persone vivranno.

Non essere, non essere, non essere città!

Le torri modellate non nuotano nella nebbia.

Né il sole, né i seminativi, né i pini - non essere!

Né bianco né blu - non essere, non essere.

E lo stupratore uscirà per distruggere - per uccidere...

Ci saranno le città!

Sulla distesa dell'universo

Nelle foreste d'oro

Voznesensky,

li alleverò!

Così, il collegamento dei tempi è stato realizzato. Il poeta si sente l'erede dei padri e dei nonni, il successore delle loro idee:

Sono lo stesso artel

Che i sette maestri.

La rabbia negli arteli,

Venti secoli!

Ho mille braccia

dalle tue mani,

Ho mille occhi

con i tuoi occhi.

mi alleno

in vetro e metallo

non ho sognato...

Il tema della creatività e dell'abilità è sempre attuale, in ogni momento. Inoltre, la poesia solleva la questione del potere e del creatore. Sono sempre in contrasto tra loro. Le poesie di Voznesensky sono piene di energia sonora. I suoni fluiscono facilmente, naturalmente e, soprattutto, in modo significativo. Questo non è un gioco di parole sconsiderato, ma una giovane svolta costante verso il significato, l'essenza...

Conclusione

Le poesie di Voznesensky sono piene di energia sonora. I suoni fluiscono liberamente, disinibiti e, soprattutto, consapevolmente. Non si tratta di un cieco gioco di parole, ma di una giovane e costante svolta verso il significato, verso l'essenza...

In questo lavoro è stato determinato il vettore delle ricerche artistiche della prima poesia di A. Voznesensky, sono stati identificati i temi e i problemi principali dei primi testi di A. Voznesensky.

Nel lavoro di Voznesensky, le ricerche morali ed etiche sono notevolmente intensificate. Lo stesso poeta sente l'urgenza di aggiornare, soprattutto, il contenuto spirituale della poesia.

Nel lavoro del corso, il metodo di analisi ha individuato e analizzato le principali direzioni della creatività dei poeti degli anni Sessanta, e in particolare di A. Voznesensky. Questo è il tema della creatività e dell'abilità, così come i temi filosofici: vita e morte, giustizia e ingiustizia, potere e peso, moralità e immoralità, e altri temi rilevanti per l'uomo moderno. Ecco perché la poesia di Voznesensky sarà sempre rilevante. V. Sokolov e R. Rozhdestvensky, E. Yevtushenko e A. Voznesensky e molti altri nei loro temi e generi, immagini e intonazioni, affrontando tutti i tipi di costumi artistici, hanno cercato di personificare le qualità dell'immagine spirituale dell'uomo di oggi, il suo tendenza alla riflessione intensa, alla ricerca creativa, all'azione proattiva.

La prospettiva di questo studio sta nel fatto che la creatività e soprattutto il significato profondo racchiuso nelle poesie non solo di A. Voznesensky, ma anche di molti altri poeti degli anni Sessanta non è completamente studiato, quindi lo studio dell'opera dei poeti di questo periodo sarà anche rilevante in ogni momento.

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12. Stanze del sec. Antologia della poesia russa. comp. E. Evtusenko. Minsk-Mosca, "Polifact", 2009. Nemmeno qui ci ho messo molto.

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"Poesia di varietà". Questo termine di solito si riferisce a un fenomeno storicamente specifico nella storia della letteratura russa, quando a cavallo tra gli anni '50 e '60, diversi poeti (principalmente Bella Akhmadulina, Andrei Voznesensky, Evgeny Yevtushenko, Bulat Okudzhava, Robert Rozhdestvensky) iniziarono a leggere le loro poesie al Museo del Politecnico, al Palazzo dello Sport di Luzhniki, in altre sale progettate per centinaia e migliaia di ascoltatori. Questa pratica, già in epoca pre-televisiva, in primo luogo, li ha resi delle indiscusse star della letteratura e, in secondo luogo, ha influito direttamente sulla natura delle stesse poesie "pop", stimolando la tendenza di questi poeti (e dei loro seguaci) a una maggiore comunicativa, immagini vivide forzate, pathos confessionale e predicativo, aforismi e pubblicità, spettacolari gesti oratori. La voce e il comportamento del poeta, la sua immagine, la leggenda che avvolge la sua immagine, pur essendo parte organica e integrante del messaggio lirico, ne facilitano l'assimilazione da parte del più ampio pubblico possibile di ascoltatori.

Nell'opera dei poeti "pop", il pathos del "ricordo" estetico, il restauro, divenne un potente fattore artistico, poiché vi era un forte sentimento di rottura della tradizione, una perdita di memoria culturale. Si svilupparono tendenze neomoderniste: “tutti gli anni Sessanta liberali sono essenzialmente neomodernismo” (Kulakov V., 1999, p. 70). Per alcuni di loro sono stati importanti i contatti diretti e indiretti con i classici dell '"età dell'argento" (l'apprendistato di A. Voznesensky con B. Pasternak, il culto di A. Akhmatova e M. Cvetaeva nella poesia di B. Akhmadulina) . "Loud Lyrics" ha ereditato le tradizioni del futurismo russo e della poesia sovietica post-futuristica degli anni '20. con il suo pathos del romanticismo di Komsomol, concentrandosi principalmente sul costruttivismo e sul compianto V. Mayakovsky, dal quale ha ricevuto i più forti impulsi creativi, adottando la sua cittadinanza, dando il significato personale dell'universale e vivendo il generale come personale. La "nudità" dei sentimenti, la dura veridicità dell'immagine, l'impavidità della visione nei versi delle "persone di varietà" si riferiscono ai predecessori più vicini: i poeti della prima generazione.

Uno dei tratti più caratteristici della poesia degli anni 50-60. erano polemiche, militanti pathos, attività sociale. C'era una discussione in corso sulle questioni più urgenti del nostro tempo. Allo stesso tempo, i destini delle singole persone, la vita del Paese, gli eventi mondiali “passavano attraverso se stessi”, risuonando su di loro con la massima emotività, con viva spontaneità.

Il leader indiscusso della "poesia pop" era Yevgeny Yevtushenko. Nonostante tutti i rimproveri (per lo più giusti) che risuonarono allora e successivamente per l'eccessiva didattica e retorica, il basso livello artistico di molte opere liriche, la sua opera è importante per comprendere la vita letteraria di quegli anni, poiché incarnava tutti gli aspetti ideologici ed estetici vantaggi e svantaggi Il movimento "Thaw" e la direzione poetica, che ne è diventata parte integrante.

Come il poeta E.A. Yevtushenko è nato dalla situazione sociale della metà degli anni '50. Lo stimolo più forte per lo sviluppo del suo pensiero artistico è stato il pathos giornalistico, socio-politico che ha dominato la letteratura. A poco a poco, il poeta si è trovato al centro dell'attenzione del lettore per il suo talento, il suo temperamento civico e la sua capacità di toccare un nervo. La sua poesia continua le tradizioni dei classici russi del 19° secolo. (A.S. Pushkin, M.Yu. Lermontov, il ruolo di N.A. Nekrasov è particolarmente grande) e la poesia modernista dell'inizio del XIX-XX secolo: “Si sa come discutevano tra loro Yesenin, Mayakovsky, Pasternak. Vorrei riconciliarli dentro di me ... "(Evtushenko E.A., 1989, p. 256)

AA. Voznesensky è il poeta del secolo della rivoluzione scientifica e tecnologica e della crisi più grave dell'umanesimo. Questo stato si esprime principalmente attraverso la poetica dei tropi. Particolarmente caratteristico in questo rispetto metafore, poiché l'autore intende la metafora “non come una medaglia per l'arte, ma come un mini-mondo del poeta. Nella metafora di ogni grande artista - il grano, i geni della sua poesia "(Voznesensky A.A., 1998, p. 76). Nel campo associativo delle metafore del primo A.A. Voznesensky, vengono attirate le ultime idee e concetti nati dall'era della rivoluzione scientifica e tecnologica e della modernità: razzi, aeroporti, antimondi, plastica, isotopi, beatnik, rock and roll, ecc. I segni della rivoluzione scientifica e tecnologica sono accompagnati da immagini dell'antichità russa, grandi conquiste artistiche ed echi di eventi globali.

Costruendo una metafora, A.A. Voznesensky riunisce spesso inaspettatamente concetti incommensurabili tra loro: "Il mio autoritratto, storta al neon, apostolo // delle porte del paradiso - / aeroporto!" ("Aeroporto notturno di New York", Voznesensky A.A., 2000, vol. 1, p. 75). La sua poesia gioca con echi semantici di suoni. In questa cornice per un esperimento formale, si esprime l'autocoscienza dell'eroe lirico: una persona assetata di nuove impressioni e alla ricerca di nuovi ideali di vita. Il suo pensiero è cosmopolita, la sua visione è panoramica, è caratterizzato dal movimento nel tempo e nello spazio: Mosca e la California, l'aeroporto di New York e le stelle sopra Mikhailovsky.

Poesia A.A. Voznesensky è estremamente personale. Qui tutto alla fine si riduce all'"io" e tutto ne esce. Espansività lirica di A.A. Voznesensky tende alla personificazione espressiva, la cui diffusione nella poesia della seconda metà del XX secolo. ha dato il tono con il suo famoso "Io sono Goya!" (“Goya”, ibid., p. 15). Il poeta percepisce i guai e le gioie del paese, il mondo intero come suoi e chiede una trasformazione rivoluzionaria della vita.

Una proprietà caratteristica della poesia di Rozhdestvensky è la modernità costantemente pulsante, l'attualità vivente delle domande che pone a se stesso ea noi. Queste domande riguardano così tante persone che risuonano istantaneamente in un'ampia varietà di circoli. Se metti in fila le poesie e le poesie di Rozhdestvensky in ordine cronologico, allora puoi essere certo che la confessione lirica del poeta riflette alcune delle caratteristiche essenziali inerenti alla nostra vita sociale, il suo movimento, la sua maturazione, i guadagni e le perdite spirituali.

A poco a poco, il superamento esterno delle difficoltà, l'intero ambiente geografico della letteratura giovanile di quel tempo vengono sostituiti da uno stato d'animo diverso: la ricerca dell'integrità interna, un solido sostegno morale e civico. Il giornalismo irrompe nelle poesie di Rozhdestvensky, e con esso il ricordo incessante di un'infanzia militare: è qui che storia e personalità si unirono drammaticamente per la prima volta, determinando per molti aspetti l'ulteriore destino e carattere dell'eroe lirico.

Nelle poesie del poeta sull'infanzia - una biografia di un'intera generazione, il suo destino, determinato in modo decisivo dalla metà degli anni '50, il momento di gravi cambiamenti sociali nella vita sovietica.

Un grande posto nel lavoro di Robert Rozhdestvensky è occupato da testi d'amore. Il suo eroe è completo qui, come in altre manifestazioni del suo carattere. Ciò non significa affatto che, entrando nella zona del sentimento, non sperimenti contraddizioni e conflitti drammatici. Al contrario, tutte le poesie di Rozhdestvensky sull'amore sono piene di inquietanti movimenti cardiaci. Il percorso verso l'amato per il poeta è sempre un percorso difficile; è, in sostanza, la ricerca del senso della vita, l'unica e unica felicità, il cammino verso se stessi.

Passando a temi poetici di attualità (la lotta per la pace, il superamento dell'ingiustizia sociale e dell'inimicizia nazionale, le lezioni della seconda guerra mondiale), i problemi dell'esplorazione dello spazio, la bellezza delle relazioni umane, gli obblighi morali ed etici, le difficoltà e le gioie della quotidianità vita, impressioni straniere, Rozhdestvensky con la sua lettera energica, patetica e "combattente" fu il successore delle tradizioni di V. V. Mayakovsky.

Domanda 29.

Un fenomeno significativo nella letteratura degli anni Settanta fu quella corrente artistica, che venne chiamata "liriche tranquille". Nella seconda metà degli anni Sessanta apparvero sulla scena letteraria "Liriche tranquille" come contrappeso alla poesia "rumorosa" degli "anni Sessanta". In questo senso, questa tendenza è direttamente correlata alla crisi del "disgelo" che si manifesta dopo il 1964. "Testi tranquilli" è rappresentato principalmente da poeti come Nikolai Rubtsov, Vladimir Sokolov, Anatoly Zhigulin, Anatoly Prasolov, Stanislav Kunyaev, Nikolai Tryapkin, Anatoly Peredreev, Sergey Drofenko. I "parolieri tranquilli" differiscono notevolmente nella natura degli individui creativi, le loro posizioni sociali non coincidono in tutto, ma sono accomunati, prima di tutto, dal loro orientamento verso un certo sistema di coordinate morali ed estetiche.

Hanno contrapposto il pubblicismo degli "anni Sessanta" con l'elegiaismo, i sogni di rinnovamento sociale - l'idea di tornare alle origini della cultura popolare, morale e religiosa, e non il rinnovamento socio-politico, la tradizione di Majakovskij - hanno preferito la tradizione di Esenin (un'opposizione binaria così restrittiva come "Mayakovsky-Yesenin" era generalmente caratteristica delle predilezioni del "disgelo": demarcazioni simili riguardavano Akhmatova e Cvetaeva, Yevtushenko e Voznesensky, fisici e parolieri, ecc.); le immagini del progresso, della rivoluzione scientifica e tecnologica, della novità e dell'occidentalismo sono state contrastate dai "tranquilli parolieri" con gli emblemi tradizionali della Russia, immagini leggendarie ed epiche, attributi cristiani della chiesa, ecc.; alle sperimentazioni nel campo della poetica, ai gesti retorici spettacolari, preferivano decisamente i versi "semplici" e tradizionali. Tale svolta di per sé ha testimoniato una profonda delusione per le speranze suscitate dal "disgelo". Allo stesso tempo, gli ideali e la struttura emotiva dei "testi tranquilli" erano molto più conformi alla "stagnazione" imminente che al "romanticismo rivoluzionario" degli anni Sessanta. In primo luogo, nei "testi tranquilli" i conflitti sociali sembravano introversi, perdendo la loro acutezza politica e veemenza giornalistica. In secondo luogo, il pathos generale del conservatorismo, cioè la conservazione e la rinascita, era più in linea con la "stagnazione" dei sogni di rinnovamento degli anni Sessanta, di una rivoluzione dello spirito. Nel complesso, la sorta di "lirica tranquilla" ha eliminato una categoria così importante per il "disgelo" come la categoria della libertà, sostituendola con una categoria molto più equilibrata della tradizione. Naturalmente, nei "testi tranquilli" c'era una seria sfida all'ideologia ufficiale: sotto le tradizioni, i "parolieri tranquilli" e gli "paesani" a loro vicini non comprendevano affatto tradizioni rivoluzionarie, ma, al contrario, tradizioni morali e religiose del popolo russo distrutte dalla rivoluzione socialista.

Il ruolo del leader dei "testi tranquilli" è andato al defunto Nikolai Rubtsov (1936-1971). Oggi, le valutazioni di Rubtsov sono raggruppate attorno a due estremi polari: il "grande poeta nazionale", da un lato, e il "poeta inventato", "pseudo-contadino Smerdyakov", dall'altro. Naturalmente, sarebbe ingiusto dichiarare Rubtsov solo un monotono epigono di Esenin, elevato al rango di genio dagli sforzi della critica. Allo stesso tempo, anche gli zelanti ammiratori di Rubtsov, parlando della sua poesia, si allontanano invariabilmente dall'analisi seria verso una dimensione puramente emotiva: "L'immagine e la parola svolgono un ruolo ausiliario nella poesia di Rubtsov, servono qualcosa di terzo, derivante dalla loro interazione" ( V. Kozhinov), "Rubtsov, come apposta, usa definizioni imprecise ... Che cos'è? Incuria linguistica? O è una ricerca di un significato genuino corrispondente alla situazione in versi, la liberazione di un'anima vivente da vincoli grammaticale-lessicali?" (N. Konyaev). A differenza dei "poeti degli anni Sessanta", Rubtsov ignora completamente le tradizioni della poesia modernista. Libera quasi completamente le sue poesie dalla metafora complessa, spostando l'attenzione principale sull'intonazione melodiosa, raggiungendo talvolta note acute e penetranti. La sua poesia è diventata un argomento pesante a favore della tradizione (in opposizione all'esperimento, alla novità). Lo stesso Rubtsov, non senza una sfida, ha scritto:

non riscriverò

Dal libro di Tyutchev e Fet,

Non ascolterò nemmeno

Gli stessi Tyutchev e Fet.

E non inventerò

Lui stesso un Rubtsov speciale,

Per questo smetterò di crederci

Nello stesso Rubtsov.

Ma sono da Tyutchev e Fet

Controllerò la parola sincera,

In modo che il libro di Tyutchev e Fet

Continua con il libro di Rubtsov.

Inoltre, è interessante notare che la tradizione in cui Rubtsov ha "incastrato" il suo lavoro, combinando una canzone popolare (Rubtsov eseguiva spesso le sue poesie con una chitarra o una fisarmonica), la poesia di Tyutchev, Fet, Polonsky, Blok e, naturalmente, Esenin , sembrava molto selettivo. Questa serie è costantemente spostata in articoli e memorie su Rubtsov. Nello stesso "set" di punti di riferimento c'era una sfida: i filosofi naturali Tyutchev e Fet salgono allo stendardo in opposizione al "sociale" ufficialmente dipinto Nekrasov, al "mistico" Blok e al "decadente" Yesenin - in opposizione al ufficiale "poeta del socialismo" Mayakovsky.

Ma qui manca un altro, forse il collegamento più significativo: tra Blok ed Esenin c'era la cosiddetta "nuova poesia contadina", rappresentata principalmente da Nikolai Klyuev e Sergey Klychkov: i "testi tranquilli" in generale e Rubtsov in particolare sono collegati proprio a questa tendenza sbrindellata, prendendo dalle mani dei "nuovi poeti contadini" qualità come un culto religioso della natura, l'immagine di una capanna contadina come modello del mondo, una repulsione polemica dalla cultura urbana, un vivo interesse per il favoloso, strato culturale leggendario e folcloristico.

A nostro avviso, il significato della poesia di Rubtsov dovrebbe essere valutato sulla scala del cambiamento di paradigmi culturali avvenuto a cavallo tra gli anni Sessanta e Settanta. Nelle sue poesie non sempre perfette, ma emotivamente molto convincenti, Rubtsov è stato il primo non intellettualmente, ma suggestivamente, a delineare i contorni di un nuovo mito culturale, all'interno del quale sia "testi tranquilli", sia "prosa del villaggio", e l'intero suolo ideologia degli anni '70 e '80.

Domanda 30.

La prosa di villaggio è una tendenza nella letteratura russa degli anni '60-'80, che comprende il drammatico destino dei contadini, il villaggio russo nel XX secolo, segnato da una maggiore attenzione alle questioni morali, al rapporto tra uomo e natura. Sebbene singole opere cominciò ad apparire già dall'inizio degli anni '50 (saggi di Valentin Ovechkin, Alexander Yashin, ecc.), solo verso la metà degli anni '60 la "prosa del villaggio" raggiunse un livello artistico tale da prendere forma in una direzione speciale (di grande importanza per questo era la storia di Solzhenitsyn "Matryonin yard"). Poi è sorto il termine stesso. I maggiori rappresentanti, "patriarchi" della direzione sono F.A. Abramov, V.I. Belov, V.G. Rasputin. Lo scrittore e regista V.M. Shukshin è diventato un rappresentante brillante e originale della "prosa del villaggio" delle giovani generazioni. Anche la prosa del villaggio è rappresentata dalle opere di V. Lipatov, V. Astafiev, E. Nosov, B. Mozhaev, V. Lichutin e altri autori. Creata in un'epoca in cui il paese divenne prevalentemente urbano e lo stile di vita contadino che si era sviluppato per secoli è andato nell'oblio, la prosa del villaggio è permeata dai motivi dell'addio, della "scadenza", dell'"ultimo inchino", della distruzione di un casa rurale, così come il desiderio di ciò che è perduto valori morali, vita patriarcale ordinata, unità con la natura. Da essa provengono in gran parte gli autori di libri sulla campagna, intellettuali di prima generazione: nella loro prosa la vita dei paesani ha un senso di se stessa. Quindi - il lirismo della storia, la "parzialità" e persino una certa idealizzazione della storia sul destino del villaggio russo.

Un po 'prima della poesia degli "anni Sessanta", nella letteratura russa c'era il più forte nel senso problematico ed estetico direzione letteraria chiamata prosa del villaggio. Questa definizione è collegata a più di un argomento della rappresentazione della vita nelle storie e nei romanzi degli scrittori corrispondenti. La principale fonte di tale caratteristica terminologica è una visione del mondo oggettivo e di tutti gli eventi attuali da un punto di vista rurale, contadino, come spesso si dice, "dall'interno".

Questa letteratura era fondamentalmente diversa dalle numerose narrazioni in prosa e poetiche sulla vita del villaggio sorte dopo la fine della guerra nel 1945 e avrebbero dovuto mostrare il rapido processo di ripristino dell'intero stile di vita - economico e morale nel villaggio del dopoguerra . I criteri principali in quella letteratura, che, di regola, riceveva un'alta valutazione ufficiale, erano la capacità dell'artista di mostrare il ruolo trasformativo sociale e lavorativo sia del leader che del normale coltivatore. La prosa contadina, nell'accezione ormai consolidata, era vicina al pathos degli “anni Sessanta” con le loro scuse per una personalità preziosa e autosufficiente. Allo stesso tempo, questa letteratura ha rifiutato anche il minimo tentativo di dipingere la vita rappresentata, presentando la vera tragedia dei contadini domestici a metà del XX secolo.

Tale prosa, ed era solo prosa, era rappresentata da artisti di grande talento e pensatori energici e audaci. Cronologicamente, il primo nome qui dovrebbe essere il nome di F. Abramov, che nei suoi romanzi ha raccontato la resilienza e il dramma dei contadini di Arkhangelsk. Meno socialmente acuta, ma esteticamente e artisticamente, la vita contadina è presentata in modo ancora più espressivo nei romanzi e nei racconti di Y. Kazakov e V. Soloukhin. Risuonavano echi del grande pathos di compassione e amore, ammirazione e gratitudine che si sente in Russia dal 18° secolo, dai tempi di N. Karamzin, nella cui storia "Povera Liza" il leitmotiv morale sono le parole: "contadina le donne sanno amare".

Negli anni Sessanta il pathos nobile e morale di questi scrittori si arricchì di un'acutezza sociale senza precedenti. Nel racconto di S. Zalygin "On the Irtysh", si canta il contadino Stepan Chauzov, che si rivelò capace di un'impresa morale allora sconosciuta: difese la famiglia di un contadino accusato di essere ostile al governo sovietico e mandato in esilio da esso. I più famosi libri di prosa rurale apparvero davanti al contadino nella letteratura nazionale con grande pathos di espiazione della colpa dell'intellighenzia. Quasi nessun'altra letteratura nazionale ha una tale costellazione di creatività.

Domanda 31.

Senza dubbio, VM Shukshin è un maestro nel genere dei racconti. Questo scrittore può essere considerato un successore delle tradizioni della letteratura russa classica. Shukshin considerava il desiderio di aiutare gli altri l'obiettivo principale della vita umana.

Una caratteristica del lavoro dello scrittore può essere giustamente considerata il desiderio di rivelare al meglio l'essenza dei suoi personaggi momenti difficili le loro vite. Le immagini create da Shukshin incarnano gli ideali di una semplice persona russa. Qualsiasi opera, secondo lo scrittore, dovrebbe "far nascere nell'anima il suo sentimento gioioso di aspirazione alla vita o alla vita insieme".

Una caratteristica sorprendente del lavoro di Shukshin è il dinamismo, un rapido cambio di immagini, che contribuisce a una maggiore comprensione della situazione attuale. Gli eroi delle sue storie sono persone normali che vivono come dice loro il loro mondo interiore.

Ma non sempre lo stesso Shukshin riassume. Molto spesso, il lettore stesso deve capire e realizzare di cosa sta parlando l'autore e ciò che considera il più importante in una determinata situazione.

Per rivelare i personaggi dei suoi eroi, Vasily Shukshin, tra le altre cose, ricorre all'umorismo e a momenti comici.

Pertanto, l'atteggiamento dei lettori nei confronti degli eroi di Shukshin si forma in gran parte a causa di situazioni comiche, che rivelano completamente le immagini. Inoltre, mostrano i personaggi come sono realmente.

Molto spesso, nelle opere di V. Shukshin, le note allegre si intrecciano con la tristezza e una sorta di malinconia divorante. Quindi, nella storia "Duma", il personaggio principale, ascoltando quasi ogni notte i suoni di una fisarmonica per strada, ricorda i suoi anni giovanili, dove ce n'erano molti memorabili. Una varietà di pensieri supera l'eroe: ricorda la morte di suo fratello, sua moglie, pensa al futuro. Devo dire che Shukshin tende a fare appello alla forma della riflessione nelle sue opere, perché sono le riflessioni che rivelano il mondo interiore di una persona.

In termini di linguaggio, le storie dello scrittore sono molto luminose e sfaccettate. L'autore ricrea facilmente il discorso dei personaggi, che è molto vivace e fantasioso.

Nelle prime storie prevale l'immagine di una persona semplice, trasformata nell'immagine di un paesano, ideali associati alla moralità. In generale, il primo ideale Shukshin, così come l'ideale della tradizione del villaggio nel suo insieme, si trova nel mondo di una piccola patria con linee guida morali distinte.

Nelle storie degli anni '60, il rapporto dell'eroe con il mondo si complica. Inizialmente, un carattere morale integrale, ma ulteriormente la contraddizione della natura degli eroi di Shukshin diventa più complicata. L'evoluzione creativa di Shukshin segue questa linea. Andando oltre la cornice della letteratura contadina per approfondire la natura dell'eroe, il mondo contadino stesso, che è, seppur in forma mitologica, cessa di essere portatore dell'ideale dell'autore. L'opposizione tra civiltà rurale e urbana è in lui alquanto ridotta. L'appartenenza dell'eroe al mondo rurale non salva l'eroe dalle contraddizioni, tenta di comprendere il mondo.

La grande scoperta artistica di Shukshin: riesce a creare un nuovo tipo di eroe nella narrativa. Gli eccentrici di Shukshin sono un tipo di eroe che abita densamente la sua prosa e la sua cinematografia. Freak in consonance è correlato al concetto di "eccentrico". Un freak è un invariante speciale che differisce dal prototipo originale di una "manovella". Dal Don Chisciotte di Cervantes al Faust di Goethe, gli strani eroi si incontrano. È un eccentrico perché sembra strano, incomprensibile ai suoi coetanei che vivono con lui nel mondo artistico dell'opera. L'eroe eccentrico diventa l'incarnazione dell'ideale dell'autore sia nel Don Chisciotte che nel Faust, perché tali eroi sono in anticipo sui tempi con saggezza, l'incarnazione degli ideali dell'autore. Vivono con le leggi dell'universo che li circonda.

Gli eccentrici di Shukshin sono una versione interessante degli eroi eccentrici. La forma della parola eccentrico mostra la direzione della trasformazione che sta avvenendo. I mostri di Shukshin sono anche ridicoli, incomprensibili per gli altri, commettono atti incomprensibili, uno sviluppo drammatico degli eventi ... Questi eroi non sono affatto saggi (la differenza tra gli eroi di Shukshin). Un eccentrico è un eccentrico, privo di saggezza, ma non perché scopre brillantemente, prevede nuovi valori, ideali. Non sono filosofi, non geni. Per Shukshin, qualcos'altro è importante: un desiderio intuitivo di cambiare qualcosa nella vita, di trovare qualcosa nella vita, ma poiché non c'è molta educazione, le buone intenzioni si rivelano imbarazzanti. Lo strambo di Shukshin prova insoddisfazione per la sua esistenza quotidiana e cerca intuitivamente una via d'uscita dalla sua situazione. Di conseguenza, la sensazione intuitiva si riversa, lo strano inizia a cercare opportunità per spingere i confini della vita in cui vive. Dobbiamo rendere il mondo almeno un po' migliore per i nostri vicini. I freak non pensano in termini di cultura, nazione, ma si sforzano di rendere migliore la vita circostante. Per Shukshin, la loro insoddisfazione e la ricerca di nuovi orizzonti sono importanti.

Le storie di Shukshin hanno una struttura euristica. Il principio di novità è associato a un'immagine dinamica di un evento luminoso. Shukshin combina la novità con la cinematografia. Le sue storie sono costruite come una catena di racconti. A volte due o tre pagine sono la lunghezza della storia, è concisa. Questa è una caratteristica della costruzione della trama: il dinamismo della trama e la costruzione di una catena di racconti (come un film, una catena di episodi è incollata e montata). Così è costruito il romanzo, il collegamento del montaggio è ben visibile, anche un evento centrale è diviso in episodi, la saturazione è molto alta in uno spazio abbastanza piccolo.

Un'altra caratteristica dello stile è il dialogismo, molte delle parole dirette del personaggio. C'è anche la presenza di un autore, ma c'è ancora la sensazione che le opere di Shukshin siano composte da dialoghi (come in un film). I dialoghi di Shukshin occupano un posto importante. C'è anche la parola interiore dell'eroe: il dialogo dell'eroe con se stesso e il dialogo dell'autore con il lettore. La dialogicità non è solo a livello della struttura narrativa dell'organizzazione. Il dialogo come tratto interno della poetica, sul piano della semantica, del contenuto. I personaggi entrano in dialogo tra loro, con se stessi. Il percorso dell'eroe Shukshin è il percorso dell'autoconoscenza (il percorso anche di quello intuitivo). Le azioni stesse sono polemiche e dialogiche sia in relazione al mondo che a se stessi. La prosa di Shukshin è pienamente l'elemento del dialogo sia in termini di semantica che di ricerca artistica.

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I primi testi di A. Voznesensky

Andrei Voznesensky è un poeta dotato e originale. Ha un senso di modernità, un desiderio per l'ambiguità delle immagini, un intenso lirismo. Il suo lavoro è caratterizzato da associazioni e neologismi concisi, spesso da metafore grottesche. Non è come nessun altro. Lavora seriamente, molto e ha pubblicato più di dieci raccolte.
Le sue poesie cominciano ad apparire negli anni Sessanta. Già nelle prime raccolte Parabola (1960), Mosaic (1960), Triangular Pear (1962), Antimirs (1964), si manifestava l'individualità creativa del poeta. La ricerca di un percorso individuale non ha portato Andrei Voznesensky a staccarsi dalla tradizione classica, ma lo ha solo costretto a comprenderla creativamente, a modo suo.
L'arte era conosciuta e apprezzata nella famiglia del poeta. In gioventù, Andrei Voznesensky si interessò all'architettura, si dedicò seriamente alla pittura, poi vennero gli hobby letterari di Mayakovsky, Pasternak, Lorca e Gogol.
Parlando del lavoro di Voznesensky, in seguito Nikolai Aseev dirà che “la parentela di Voznesensky con Mayakovsky è innegabile. E non solo nell'insolita struttura del verso - è nel contenuto, nella profonda vulnerabilità delle impressioni...».
Il dramma così insito nei testi di Andrei Voznesensky sorge dove un nuovo atteggiamento nei confronti del mondo si scontra con le vere contraddizioni della realtà moderna. Nella poesia di un aspirante artista c'è un confine netto tra ciò che ama e ciò che odia con tutta la forza della sua anima. Il poeta è ferito dalla presa in giro dell'arte, dell'artista che ha dipinto un ritratto di Mayakovsky sul marciapiede, e i pedoni, quasi senza guardare, "gettano tangenti" e calpestano il suo lavoro. E sul marciapiede, "come una ferita", il volto di Mayakovsky traspare: "Beh, è ​​necessario decollare con il destino, in modo che il viso, come Hiroshima, sia impresso sul marciapiede!" Il poeta non può riconciliarsi né con la tragica morte dell'attrice Marilyn Monroe, esaurita da produttori intelligenti, né con un insulto al nome stesso di "donna", alla sua purezza e tenerezza:

Insopportabile da nudo
in tutti i manifesti, in tutti i giornali,
dimenticando che il cuore è nel mezzo,
le aringhe sono avvolte in te.
Gli occhi sono accartocciati, il viso è strappato...

Il lirismo di Voznesensky è un'appassionata protesta contro il pericolo dell'Hiroshima spirituale, cioè la distruzione di tutto ciò che è veramente umano in un mondo in cui le cose hanno preso il potere e "l'anima ha avuto il veto". La richiesta di proteggere tutto ciò che è bello risuona distintamente nella sua poesia, specialmente in poesie come "A caccia di una lepre", "Rispondi!", "Primo ghiaccio", "Hanno picchiato una donna".
L'inconciliabilità con qualsiasi manifestazione di antiumanesimo acquisisce in Andrey Voznesensky un preciso carattere storico. Quindi nella poesia "Goya" (1959), l'immagine dell'artista è un simbolo di alta umanità e la voce di Goya è la voce della rabbia contro gli orrori della guerra, contro le atrocità della reazione.

Nella poesia "Il richiamo del lago" (1965), il poeta continua appassionatamente questo verso. Lago calmo e tranquillo: la creazione di mani umane, ma mani insanguinate. Sì, le vittime dei nazisti, torturate e uccise da loro dal ghetto, furono sepolte qui e poi allagate dall'acqua:

Le nostre scarpe da ginnastica sono congelate.
Silenzio.
Ghetto nel lago. Ghetto nel lago
Tre ettari di fondo vivibile.

Nelle sue poesie c'è la voce di chi ha resistito alla lotta mortale contro il nazismo, che potrebbe giustamente dire: "Ho sparato in un sorso all'Occidente, sono le ceneri di un intruso!" già atomico. Nella poesia "Oz" il motivo principale è il desiderio di proteggere il suo giovane amore dalla minaccia di una guerra mostruosa, da una civiltà senz'anima che minaccia di distruggere il mondo. La poesia inizia con l'inno "Ave, Oz", pieno di alta tensione di sentimenti.

Oppure, caro amico, siamo davvero sentimentali?
E l'anima verrà rimossa, come le tonsille nocive? ..
L'amore non è di moda come un caminetto?
Amen?

La sua eroina appartiene alla realtà, è una meravigliosa combinazione di atomi. Ma questa "combinazione di particelle" è facile da distruggere, non appena l'esplosione atomica "cambia l'ordine"! E avverte l'umanità:

Sarà troppo tardi, troppo tardi!

Chi minaccia l'eroina del poema? E poi c'è un'immagine satirica del “mondo dentro e fuori”. Il mondo dei robot senz'anima, coloro che, per motivi di lavoro, sono pronti a far precipitare l'umanità nell'orrore e nel tormento di una guerra atomica, provoca una speciale acutezza di negazione. Questo brutto mondo è odiato dall'eroe del poema, un mondo in cui tutti i veri sentimenti sono persi, la profondità e la complessità del pensiero umano sono rifiutate, la tenerezza e la purezza sono ridicolizzate:

... Non c'è tempo per pensare, non c'è tempo.
negli uffici come nei carrelli,
c'è solo lordo, netto -
non c'è tempo per essere umani.

A questo mondo disumano il poeta contrappone la giovinezza del globo nel bagliore di ottobre. L'immagine del mondo naturale, il mondo dell'umanità, è disegnata dal poeta:

Il mio vantaggio. casa della bellezza,
Il confine di Rublev, Blok,
Dove la neve è favolosa
incredibilmente pulito...

E il tema dell'amore si intreccia con il racconto del confronto tra due antimondi. La poesia dispiega un'aspra e inconciliabile disputa tra il paroliere e l'“amico straniero” e il moderno “deluso” contemporaneo. Il poeta rifiuta la possibilità di rifiutare la bellezza della persona umana. Lyric discute con il modernista deliberatamente maleducato:

Come dirglielo, bastardo,
Che viviamo per non morire -
Alle labbra tocca il miracolo
bacio e streaming.

I testi d'amore del poeta si rivelano invariabilmente più ampi e più profondi del loro scopo. L'appello del poeta al complesso e bellissimo "miracolo dell'amore" è indissolubilmente legato a un riverente senso di sorpresa davanti all'unicità della personalità umana, alle sue forze creative.
L'immagine lirica dell'eroina in Voznesensky si fonde spesso con la natura, incarna la sua bellezza ingenua e gentile. Vede l'eroina a volte “come un ramo di ontano bagnato”, a volte come una “sorgente di montagna”. Il poeta ricorre alla tradizione folcloristica quando gli alberi parlano con voci umane.
La sua eroe lirico protesta contro tutte le bugie, mette in guardia la sua amata dallo spreco di sentimenti: "... perdere te stesso non è una sciocchezza - corri dappertutto come l'acqua a manciate ..."
Nelle sue poesie, Andrei Voznesensky è riuscito a esprimere una fede appassionata nell'uomo e un rifiuto attivo dell'antagonismo, che sono i tratti distintivi del nostro contemporaneo: un cittadino di una nuova società.