Messaggio sulla storia d'amore di S. Rachmaninov "Spring Waters"

Risposte:

Nel romanzo di Rachmaninov "Spring Waters", l'armonia nVI come accordo introduttivo è risolta in armonia nella 6a (esempio 281). Due submedianti, che formalmente rimangono un doppio VI gradino, in realtà qui funzionano già come accordi a distanza di un piccolo secondo , e non una prima aumentata, con una tale risoluzione melodica passa a un quarto ridotto, che è tipico per un turnover "firma" con un "sottodominante Rakhmaninov" (confronta con il romanzo "Oh no, ti prego, non andare via”). armonie con tonico. Lo rende difficile a causa dell'ingombro della comunicazione diretta con esso, della mancanza di gravità tonale inequivocabile e della facilità di entrare nelle comunicazioni del sottosistema. Semplifica (e impoverisce) perché molte (preziose!) sottigliezze dell'armonia funzionale classica scompaiono: dissonanze nascoste e "compagni", la natura tripartita di STD, ecc. La donazione "materiale" direttamente sensuale dell'accordo stesso e la sua più affidabile rispetto ai collegamenti tono-contestuali sulla base del "dovere" verso la tonica. La credibilità dell'interpretazione tonale è spesso facilitata dalle nuove forme strutturali ora utilizzate, dove l'inequivocabile attrazione per la tonica è necessariamente inerente solo al "comando" armonie, soprattutto all'inizio e alla fine, e in luoghi allontanandosi da esse, si crea un regime di scioltezza tonale di sottosistema, incertezza, aspirazione lineare, che non consente di stabilire nessun'altra tonalità e mantiene quindi il primato della principale. Il principio funzionale classico della gravità centrale è sostituito dal principio del raggruppamento funzionale dei toni fondamentali (per un esempio della subordinazione tonale di questo nuovo tipo, si veda l'analisi in articolo introduttivo l'autore di queste righe alla pubblicazione: Hindemith. P. Ludus tonalis per pianoforte. M., 1980. S. 4).Così, al posto del tipo classico di struttura con gravità tonale, si crea un tipo di struttura alquanto simile a quella “pretonale” (dai tempi dell'armonia modale di secoli XV-XVI), invece, su nuova base realizzando il principio tonale (o, forse, già new-tonale). Le sezioni con relazioni tutt'altro che toniche e complesse non sono "stonate", ma sono tonalmente instabili o transitorie, il che alla fine rafforza la stabilità tonale complessiva all'interno di una frase e di un periodo (cfr. con serie cromatiche, esempi 204B, ecc.). in entrambi i casi (esempio 282), forti cornici di inizio e fine tonali consentono di mantenere armonie nel mezzo estremamente lontane dalla tonica nel campo gravitazionale verso il centro

Sergei Vasilyevich Rahmaninov. romanzi

"Sono un compositore russo e la mia patria ha lasciato un'impronta nel mio carattere e nelle mie opinioni. La mia musica è il frutto del mio carattere, e quindi è musica russa... Non ho il mio paese. Ho dovuto andarmene il paese dove sono nato, dove ho combattuto e sofferto tutti i dolori della giovinezza e dove finalmente ci sono riuscito.

“Cos'è la musica?!

È una tranquilla notte di luna;

È il fruscio delle foglie vive;

È un lontano rintocco serale;

Questo è ciò che viene dal cuore

e va al cuore;

Questo è amore!

La sorella della musica è la poesia

e sua madre è tristezza!

Rachmaninov al pianoforte, inizio '900.

Dal 1892 al 1911Sergei Vasilyevich Rahmaninovha scritto 83 romanzi, cioèsono tutti creatidurante il periodo russo della sua vita. In popolarità, competono con le sue opere per pianoforte.La maggior parte dei romanzi sono stati scritti sui testi dei poeti lirici russi della seconda metà del XIX secolo.secoloe l'inizio del XX e poco più di una dozzina di poesie di poeti della prima metà del XIX secolo: Pushkin, Koltsov, Shevchenko in traduzione russa.

Rachmaninov ha scritto:“La poesia mi ispira molto. Dopo la musica, amo soprattutto la poesia. … Ho sempre la poesia a portata di mano. La poesia ispira la musica, perché c'è molta musica nella poesia stessa. Sono come sorelle gemelle".

1. "Non sono un profeta" - le parole di Alexander Kruglov. 2. "È ora" - Nadson. 3. "Cristo è risorto" - Merezhkovsky. 4. "Come fa male" Glafira Galina. 5. Vocalizzazione. 6. "Mi sono innamorato della mia tristezza" - Pleshcheeva (da Shevchenko). 7. "Oh no, per favore non andare!" - Merezhkovsky. 8. "Isola" - Balmont 9. Un estratto da Musset - tradotto da Apukhtin. 10. "Va bene qui" - Galina. 11. "Ti sto aspettando" - Davidova. 12. "La notte è triste" - Bunina. 13. "Non credermi, amico!" - Alessio Tolstoj. 14. "Non cantare, bellezza, con me" - Pushkin 15. "Preghiera" - Pleshcheeva (da Goethe). 16. Quanto tempo fa, amico mio - Golenishcheva-Kutuzova. 17. "Acque primaverili" - Tyutchev.

Nei romanzi di Rachmaninovtutto ciò che è stato combinato nella sua idea di Patria si riflette: l'anima di una persona russa, il suo amore per la sua terra, i suoi pensieri, le sue canzoni.Le immagini della natura sono usate non solo per esprimere stati d'animo calmi e contemplativi. A volte aiutano a incarnare sentimenti tempestosi e appassionati. Quindi nascono romanzi di natura virtuosa, caratterizzati dall'ampiezza della forma, dalla ricchezza dei colori, dalla brillantezza e dalla complessità della presentazione pianistica. In questo stile, il romanzo "Spring Waters" è stato scritto con le parole di Tyutchev. Questa è un'immagine musicale della primavera russa, una poesia di sentimenti entusiasti e gioiosi.

"Lilla" per le parole di Beketova è una delle perle più preziose dei testi di Rachmaninov. La musica di questo romanzo è caratterizzata da un'eccezionale naturalezza e semplicità, una meravigliosa fusione di sentimento lirico e immagini della natura.

Un posto molto speciale nei testi vocali di Rachmaninov è occupato da Vocalise, scritto nel 1915 (dedicato alla grande cantante Nezhdanova). Gli elementi dello stile della canzone popolare qui si fondono organicamente nella melodia, caratterizzata da una brillante individualità. L'ampiezza della melodia, la natura senza fretta del suo sviluppo e il linguaggio armonico testimoniano la connessione tra Vocalise e la persistente canzone russa.

Alla mia finestra l'uccello fiori di ciliegio,
Fiorisce pensieroso sotto un riza argentato...
E con un ramo fresco e profumato si chinò e chiama...
I suoi petali ariosi svolazzanti
Prendo un respiro allegro con gioia,
Il loro dolce profumo offusca la mia mente,
E canzoni d'amore che cantano senza parole...

Galina Galina

margherite

Oh guarda! quante margherite
Sia lì che qui...
Fioriscono; molti di loro; il loro eccesso;
Fioriscono.
I loro petali sono triangolari - come ali,
Come la seta bianca...
Sei il potere dell'estate! Tu sei la gioia dell'abbondanza!
Sei un reggimento leggero!
Prepara, terra, una bevanda è cresciuta dai fiori,
Dare succo allo stelo...
Oh ragazze! oh, stelle margherite!
Ti voglio bene...

Igor Severyanin

I romanzi di un personaggio lirico-paesaggio formano una delle aree più importanti dei testi vocali di Rachmaninov. L'elemento del paesaggio o si fonde con il principale contenuto psicologico o contrasta con esso. Alcune di queste opere sono progettate con toni festosi, acquerelli, intrisi di un carattere calmo e contemplativo, caratterizzato da sottigliezza e poesia.

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Sergei Rachmaninov, un eccezionale compositore classico russo, è nato nella seconda metà del 19° secolo in Russia. Morì nel 1943, durante la seconda guerra mondiale, negli Stati Uniti. Sergei Vasilyevich è anche conosciuto come un famoso pianista, ha gestito magistralmente l'orchestra come direttore d'orchestra.

C'erano molti musicisti nella famiglia di Sergei Rachmaninov. Come pianista, Sergei è diventato famoso tra il pubblico mentre studiava ancora al Conservatorio di Mosca. Si è laureato con una medaglia d'oro da giovane talento.

Il più famoso opere musicali, scritto da Sergei Rachmaninov come compositore - si tratta di "Danze sinfoniche", un poema sinfonico molto originale "L'isola dei morti", un poema sinfonico "Il principe Rostislav", un magnifico poema sinfonico "Le campane" alle parole di un molto poeta e scrittore americano originale Edgar Allan Poe, il "genio cupo". Anche le opere "Francesca de Rimini", "Il cavaliere avaro", "Aleko", diverse sinfonie, alle quali vengono assegnati numeri secondo la sequenza della loro creazione. In generale, Sergei Rachmaninov è considerato un compositore della direzione romantica.

Sergei Rachmaninoff ha anche scritto romanzi, creato molti pezzi per pianoforte. È uno dei romanzi più belli di Sergei Rachmaninov: questo "Spring Waters", creato nel 1896, dalle parole del famoso poeta classico russo Fyodor Tyutchev. Il romanzo descrive un'immagine del risveglio primaverile della natura, dello scioglimento della neve, dei ruscelli di neve, delle inondazioni. Questa è una composizione importante, luminosa e positiva, un gioioso araldo della primavera. "La primavera sta arrivando! La primavera sta arrivando!" - canta una storia d'amore.

Sergei Rachmaninov e la sua famiglia lasciarono la Russia poco dopo la rivoluzione del 1917. Trascorse un anno in Europa, dove tenne molti concerti come pianista e direttore d'orchestra, e divenne molto famoso. Poi si è trasferito negli Stati Uniti. Qui ha guadagnato ancora più popolarità e fama, è diventato un uomo molto ricco e una "leggenda vivente" della musica sinfonica.

È interessante notare che l'inizio della carriera musicale di Rachmaninov come compositore è stato estremamente infruttuoso. Nessuno capiva la sua musica innovativa e originale, i critici scrivevano recensioni maligne, il giovane compositore veniva chiamato a gran voce mediocrità nei circoli musicali, ma all'età di 30 anni Rachmaninov riuscì a conquistare la fama tutta russa. E cosa accadrebbe se Rachmaninov all'inizio modo creativo rinunciato e rinunciato?

Un posto speciale nel nostro repertorio è stato occupato dai romanzi di Sergei Vasilievich RACHMANINOV (nato nel 1873 - 1943).

Le prime abilità musicali manifestate hanno predeterminato il suo futuro: all'età di 8 anni è diventato uno studente del dipartimento junior del Conservatorio di San Pietroburgo. Tuttavia, ha dovuto studiare al Conservatorio di Mosca.

Nel 1891 si diploma come pianista, nel 1892 come compositore, presentandosi come tesi Opera "Aleko" basata sul poema "Zingari" di Pushkin.

Durante gli anni di studio, crea una delle sue composizioni più interessanti: il Primo Concerto per pianoforte, pieno di immagini luminose, belle melodie e tecnica brillante.

Negli stessi anni apparvero i suoi primi romanzi, tra cui "Oh NO, PER FAVORE, NON LASCIARE" con le parole di D. Merezhkovsky .:

Oh no, per favore non andare!
Tutto il dolore non è niente prima di separarsi.
Sono troppo felice di questo tormento.

Si distingue per la sensibilità testo poetico, che ha dato vita ad una melodia piena di vivace fraseggio "respirante".

Uno dei migliori romanzi di Rachmaninov secondo le parole di F. Tyutchev è "Spring Waters", pieno dell'eccitante potere di risvegliare la natura, la giovinezza, la gioia e l'ottimismo.

La neve sta ancora imbiancando nei campi,
E le acque sono rumorose in primavera.
Corrono e svegliano la riva addormentata,
Corri e risplendi e dì ..
Dicono dappertutto:
La primavera sta arrivando, sta arrivando la primavera!
Siamo messaggeri della giovane primavera,
Ci ha mandato avanti!"

La parte vocale, articolata in un ritmo in duo, prevalentemente in gamma alta, ha carattere proclamatore e proclamatore. La sua combinazione con il movimento ribollente-ascendente di terzine piene di sedicesimi nell'accompagnamento crea l'impressione visibile di un'inondazione ribollente, un flusso d'acqua inarrestabile, una sinfonia di risveglio naturale primaverile.

La melodia del romanzo "IN THE SILENCE OF THE MYSTERIOUS NIGHT", testi di A. Fet, in un ampio respiro:

Oh, a lungo lo farò
Nel silenzio della notte segreta
Sorridi, guarda, guarda a caso,
Dita capelli obbedienti,
La tua folta ciocca di capelli
Scaccia i pensieri e chiama di nuovo;

Sviluppandosi gradualmente, si rompe in brevi frasi che non lo privano della durata semantica, ma migliorano solo il dramma dell'immagine, portando al naturale climax dinamico ed emotivo della storia d'amore:

Sussurra e ripeti le vecchie espressioni
I miei discorsi con te, pieni di imbarazzo,
E ubriaco, contro la mente,
Nome prezioso per svegliare l'oscurità della notte,
Nome prezioso per svegliare l'oscurità della notte -

L'ultima frase suona sulla ripetizione, riportandoci allo stato d'animo originale. L'ultima volta che suona al pianoforte alla fine del lavoro sullo sfondo di terzine che si sciolgono nell'accompagnamento.

L'accompagnamento al pianoforte completa armonicamente e in modo frammentario la melodia, e nei punti culminanti completa la sua idea musicale e poetica.

I romanzi di Rachmaninov, Tchaikovsky, Rimsky-Korsakov sono profondamente sinfonici. Prima, dentro epoca sovietica, c'era una meravigliosa tradizione musicale: creare trascrizioni dei romanzi dei nostri classici per la loro esibizione da parte di un solista, accompagnato da un'orchestra sinfonica.

Erano alla radio tutto il tempo. Ora cantano qualcosa di completamente diverso e sotto il "compensato". Ricordo l'inizio di questa era di "soffiare" nel microfono. Da allora, solo i cantanti d'opera hanno imparato a cantare. Il concetto di voce sul palco è molto poco dei suoi rappresentanti.

Quanti aspetti della cultura sono stati immediatamente colpiti da questa congrega vocale analfabeta e da questa permissività professionale!

“HO AMATO IL MIO SCUSA”, op. A. Pleshcheeva (da Heine) - una storia d'amore sul triste destino di una donna il cui marito è stato portato via per reclutare. Il romanticismo richiede un'ampia melodiosità, pienezza di timbro.

Mi sono innamorato della mia tristezza
L'orfano dei senza talento.
Ho avuto un tale taglio.

Per ottenere il carattere necessario, il compositore utilizza una varietà di mezzi espressivi: dinamiche contrastanti, accenti, un prolungato aumento della forza del suono, amplificato da terzine armoniche "gorgoglianti" in accompagnamento al pianoforte.

Ci ha fatto a pezzi persone forti,
Lo hanno portato via, lo hanno reclutato...
E io sono un soldato, sono solo
Sappi che nella capanna di qualcun altro invecchierò.
Che condivisione per me. MA...

La storia d'amore si conclude con una vocalizzazione di disperazione e pianto - i lamenti della moglie di un soldato solitario, supportati dai passaggi in dissolvenza delle sedicesimi nell'accompagnamento.

“LONG IN LOVE, i testi di A. Feta romance sono una delusione, satura di tocchi, deviazioni espressive del tempo. Frasi brevi: i reclami sono pieni di amarezza e rimpianto. La melodia più espressiva è arricchita da una bella armonia e da una trama variata della parte pianistica.

Per molto tempo nell'amore c'è poca consolazione.
Sospiri senza fiato
Lacrime senza gioia
Ciò che era dolce divenne amaro
Le rose sono cadute, i sogni sono svaniti.

Il climax, sia semantico che dinamico, è nella seconda stanza, come risultato dell'accumulo di emozioni e sentimenti di disperazione nella prima:

Lasciami, mescolati alla folla!
Ma ti sei voltato dall'altra parte e ti lamenti, a quanto pare
E sei ancora stufo di me.
Oh quanto è difficile per me
E che vergogna per me!

Sembra che, guardando queste stanze - prosa, sia impossibile creare qualcosa di armonioso sulla base che si adatti a una forma musicale accettabile. Ma quale potere della drammaturgia musicale e sottigliezza dell'intonazione del melo ottiene Rakhmaninov abbracciando l'intera poesia in un unico pensiero musicale - una dichiarazione!

I suddetti romanzi che abbiamo imparato sono emotivamente vividi, pieni di espressione interiore e dramma.

Espressione sia nella melodia che nella complessa e dettagliata trama e armonia della parte pianistica.

Romanzo "SOGNO", op. Pleshcheev, è un musical romantico in miniatura-sogni sul passato con un passaggio che decolla alla fine di ogni verso, accompagnato da un miraggio sonoro che completa i ricordi sorti.

E io avevo una terra natale: è bellissima!
Là l'abete ondeggiava sopra di me...
Ma quello era un sogno!

La famiglia degli amici era viva. Da tutte le parti
Le parole d'amore mi suonavano...
Ma quello era un sogno!

"SIRENA", op. Beketova, è un esempio di testi poetici leggeri. La melodia è semplice, piena di freschezza, trasparenza, nel ritmo di battute ininterrotte in crome e di un breve contrappunto emergente nell'accompagnamento, come una melodia lontana di un flauto di paese.

Al mattino, all'alba, sull'erba rugiadosa...
Andrò fresco la mattina a respirare,
E nell'ombra profumata, dove si affolla il lillà,
cercherò la mia felicità...

Nella vita, sono destinato a trovare la felicità da solo,
E quella felicità vive nei lillà;
Sui rami verdi, su cespugli profumati
La mia povera felicità fiorisce

"FIUME LILE", op. A. Pleshcheeva (da Heine) è un'elegante miniatura musicale. La melodia flessibile e capricciosa, per così dire, disegna i dettagli dell'acquarello contemplato: un giglio argentato dalla luce della luna sulla superficie dell'acqua del fiume, e gli abbellimenti ascendenti (decorazioni) nella parte del pianoforte sono una goccia notturna trasparente di foglie appoggiate vicino le banche delle filiali.

Il giglio di fiume, alzando la testa, guarda il cielo.
E la luna, innamorata dei raggi, la argenta tristemente...
E qui si abbandonò di nuovo timidamente alle acque azzurre.
Ma la luna, ancora pallida e languida, come un fantasma, brilla anche lì...

Questa affascinante registrazione del suono musicale è una manifestazione dell'abilità di Rachmaninov come compositore-colorista.

Tutti e tre i romanzi sono graziosi e sono acquerelli musicali leggeri: la melodia e la rappresentazione sottile sono così leggeri e trasparenti in essi.

Accompagnato dal tessuto musicale senza peso delle frasi, sembra “sospeso” nell'aria... La gamma dei “colori” musicali, la scelta dei mezzi espressivi è insolitamente ampia.

L'esecuzione delle opere del compositore è stata per noi un compito esecutivo molto serio e una grande responsabilità artistica.

Abbiamo padroneggiato solo una piccola parte dei lavori di S.V. Rachmaninov dal primo volume dei suoi romanzi, ascoltato più spesso in onda (alla radio). Tuttavia, ce n'erano anche di poco conosciuti: "River Lily", "Long in Love" e altri.

"Lilac" è una storia d'amore che ti permette di avere un'idea precisa dei testi di Rakhmaninov. La musica di quest'opera è naturale e semplice, caratterizzata da una combinazione di sentimenti lirici e immagini della natura. L'intero tessuto musicale della storia d'amore è melodioso e melodico. Frasi vocali calme e cantilenanti si susseguono naturalmente l'una dopo l'altra.

La storia d'amore "Non cantare, bellezza, davanti a me", che combina canzone ed elementi drammatici, è un vero capolavoro dei testi vocali di Rachmaninov degli anni '90. Il tema principale dell'opera, riflessivo e triste, appare per la prima volta nell'introduzione al pianoforte come una melodia di una canzone completata. Il La monotono ripetuto nel basso, il movimento cromatico discendente delle voci medie, insieme ai colorati cambiamenti delle armonie, conferiscono all'immagine musicale dell'introduzione un sapore orientale. Il culmine della storia d'amore arriva nella terza strofa, mentre è interessante notare che in questo lavoro c'è un secondo culmine nella ripresa.

"Spring Waters" (secondo le parole di F.I. Tyutchev) è una storia d'amore legata alle opere lirico-paesaggistiche di Rachmaninov e che rappresenta un'immagine della primavera russa. La parte vocale è dominata da motivi costruiti sui suoni di una triade maggiore, frasi ascendenti che terminano con un salto energico. La parte del pianoforte è molto significativa e gioca un ruolo importante nel creare l'atmosfera generale del pezzo che afferma la vita.

L'immagine musicale delle acque sorgive dal romanzo "Spring Waters" di S. V. Rachmaninov

Il romanzo "The Night is Sad" (secondo le parole di I. A. Bunin) - nuovo tipo Elegia russa. L'assenza della forma strofica tradizionale per il genere dell'elegia, l'introduzione di nuovo materiale tematico nella sezione centrale del romanzo e la presentazione recitativa introducono in esso alcuni segni di un monologo vocale. Molto interessante è anche la forma musicale di quest'opera, che può essere definita in tre parti, sebbene ciascuna delle parti non superi una frase. La storia d'amore si basa sullo sviluppo di due melodie, una delle quali si forma nella parte vocale e l'altra nella parte pianistica.

Per concludere la storia di Rachmaninov, un eccezionale direttore d'orchestra, pianista e compositore del 20° secolo, va notato che la sua eredità creativa è parte integrante della cultura artistica russa; le migliori opere per pianoforte, voce e sinfonia sono incluse nel fondo d'oro della musica classica russa.

Mechislav Karlovich

Il compositore, direttore d'orchestra e violinista polacco Mieczysław Karlowicz è nato nel 1876 in una famiglia di musicisti. Suo padre era un violoncello diplomato al Conservatorio di Bruxelles e sua madre era una cantante e pianista. Mieczysław ha iniziato a studiare musica all'età di cinque anni. Dal 1889 al 1895 studiò con il violinista S. Bartsevich e Z. Noskovsky (armonia), in seguito, mentre a Berlino, prese lezioni dal violinista e compositore G. Urban.

Karlovic è stato il primo dei suoi colleghi connazionali a dirigere tutti i suoi sforzi verso la creazione di musica sinfonica. Non c'erano praticamente tradizioni nazionali in quest'area, poiché i compositori polacchi del XIX secolo amavano principalmente i generi pianoforte (F. Chopin), violino (G. Wieniawski) e opera (S. Moniuszko), e le singole opere orchestrali erano solo passi verso l'emergere della scuola sinfonica polacca ("Fiaba" di Moniuszko).

Nel 1901 Karlovich tornò dalla Germania in patria. All'inizio del 1900 scrisse le sue opere più significative, tra cui il concerto per violino, "Century Songs" e "Lithuan Rhapsody". Oltre al lavoro creativo, il compositore era impegnato in attività esecutive e sociali attive.

Sebbene alcuni stati d'animo drammatici siano caratteristici delle opere di Karlovich, la sua musica stupisce gli ascoltatori con il suo sottile lirismo. La poesia simbolista ha avuto una grande influenza sul compositore. Le caratteristiche dell'estetica simbolista sono particolarmente evidenti nei commenti che accompagnano le partiture di alcune opere in programma del musicista. Ma i mezzi di espressione modernisti non hanno attratto Karlovich, e quindi le ultime tendenze, caratteristiche dell'arte a cavallo tra il XIX e il XX secolo, si sono riflesse solo nella selezione di trame e temi delle sue opere. La musica sorprendentemente sincera e chiara, melodiosa ed espressiva è associata alle tradizioni popolari della scrittura di canzoni in Polonia.

Tali sono molte delle famose opere di Karlovich. Tra questi c'è il suo Concerto per violino (1902), romanticamente ottimista ed entusiasta. L'impressione della forza e della fresca bellezza della giovinezza è creata da tutte e tre le sue parti (Allegro moderato, romance e finale). Questo concerto è diventato una delle opere più ottimistiche e affermative della vita del compositore.

Gli aspetti più interessanti del concerto per violino sono la ricchezza melodica e la melodiosità inerenti alla musica puramente slava. La capacità di combinare espressività e virtuosismo avvicina il lavoro di Karlovich alle opere di P. Tchaikovsky. Allo stesso tempo, il lavoro del musicista testimonia che è un degno successore della tradizione virtuosistica dell'arte del violino in Polonia, che ammirava i contemporanei di G. Wieniawski. Tra i vantaggi del concerto, scritto da Karlovich, ci sono qualità come continuità di sviluppo, chiarezza di forma, sorprendente compatibilità delle parti soliste e orchestrali. Inoltre, il lavoro mostra l'eccellente conoscenza di Karlovich di tutte le possibilità tecniche ed espressive di uno strumento come il violino, anche se non c'è nulla di sorprendente in questo: il musicista era un violinista meraviglioso che ha completato con successo il corso al conservatorio e ha eseguito perfettamente P Il concerto di Čajkovskij all'esame finale.

Il geniale talento di Karlovich si rivela anche nel genere di un poema sinfonico. The Returning Waves (1904), scritto nello spirito del simbolismo, racconta le esperienze di un uomo i cui giorni sono contati, ma i ricordi della sua precedente felicità continuano ad eccitarlo. Anche il trittico sinfonico "Century Songs", creato dal compositore nel 1904-1906, è intriso di uno stato d'animo triste. Si compone di tre parti: "The Song of Ages of Anguish", "The Song of Love and Death", "The Song of All-Being". E nel 1907 apparve un altro poema sinfonico: "Stanislav e Anna". Questo lavoro colpisce per la sua emotività ed espressività del suono orchestrale.

Va anche notato un'opera di Karlovich come "Rhapsody lituano" (1906), in cui il compositore si è rivolto al folklore lituano e bielorusso. La completezza dello sviluppo, la sottigliezza del trasferimento delle caratteristiche delle melodie popolari, la profonda divulgazione di immagini poetiche: tutto ciò rende la musica della rapsodia davvero incantevole.

Sebbene Karlovich abbia vissuto una vita breve (nel 1909, il compositore trentaduenne morì, sepolto da una valanga nei Tatra), il significato del suo lavoro, associato alle tradizioni della musica polacca, è molto grande.

Bela Bartok

Bela Bartok, il più grande compositore ungherese, uno dei classici del 20° secolo, è nato nel 1881 a Nagyszentmiklos (ora Synnikolaul Mare) in Romania. Suo padre era il direttore di una scuola agraria e sua madre era un'insegnante. Lei, notando le capacità musicali in suo figlio, gli diede le prime lezioni di pianoforte. Successivamente il ragazzo studiò con gli allora famosi musicisti F. Kersh e L. Erkel, e nel 1899 entrò all'Accademia Liszt di Budapest, dove migliorò le sue abilità pianistiche e studiò teoria della composizione.

Bela Bartok

Dopo essersi diplomato all'Accademia nel 1903, Bartok si dedicò all'arte popolare ungherese e fece regolarmente spedizioni nei remoti entroterra ungheresi, rumeni e slovacchi, dove registrò vecchie melodie popolari. Successivamente, ha usato il folklore più di una volta nelle sue opere.

Nel 1904 fu eseguita la prima grande opera di Bartók, il poema sinfonico Kossuth. Oltre a lei, a questo punto aveva scritto diversi brani per pianoforte, quartetti d'archi e suite orchestrali. Nel 1911, il compositore iniziò a lavorare all'opera Il castello del duca Barbablù, che riuscì a completare solo nel 1918, quando era già stato creato il balletto Il principe di legno. Dopo qualche tempo, appare il prossimo balletto-pantomima: "Meraviglioso mandarino".

Bartók non si limita alla composizione e agisce come pianista. Effettua tournée in molte grandi città in Europa e negli Stati Uniti, tra cui Mosca e Leningrado.

Nel 1907 Bartók divenne professore di pianoforte all'Accademia di musica di Liszt. Nel 1934 smise di insegnare e si concentrò completamente lavoro di ricerca nel campo del folclore e dell'etnografia. All'inizio della seconda guerra mondiale, il compositore si trasferì negli Stati Uniti. Tuttavia, la vita in una terra straniera è molto difficile: Bartok è molto solo, qui non ha né amici né ammiratori. Nel 1945 muore nel New York State Hospital for the Poor.

L'eredità creativa del compositore, oltre a queste opere, è rappresentata anche da due cantate, una sinfonia, musica per archi, percussioni e celesta, un concerto per orchestra, tre per pianoforte, due concerti per violino e viola, numerose composizioni strumentali da camera e per pianoforte , cori, cicli di canti per voce e pianoforte. Bartok ne possiede anche diversi opere scientifiche dal folclore.

Carlo Orff

Il compositore, direttore d'orchestra, insegnante tedesco Carl Orff è nato nel 1895 a Monaco di Baviera. All'età di cinque anni iniziò a imparare a suonare il pianoforte, il violoncello e l'organo. Successivamente ha studiato musica all'Accademia di musica di Monaco, dove i suoi mentori erano A. Beer-Walbrunn e P. Zilcher. In futuro, Orff ha preso lezioni dal famoso polifonista G. Kaminsky.

Nel 1915 - 1919 Orff fu direttore d'orchestra a Monaco, Mannheim, Darmstadt. All'Accademia di musica di Monaco, ha ricoperto la carica di professore di composizione.

Nel 1924, il musicista divenne uno dei fondatori della scuola di musica di Günteshul, dove creò il proprio sistema di educazione delle giovani generazioni con l'aiuto di musica, danza e esercizi di ginnastica. Orff è l'autore di un noto libro di testo per le scuole. Ha creato una serie di opere per coro di voci bianche e strumenti a percussione.

Un altro campo di attività di Orff è la direzione dei concerti della Società Bach. Nel 1955 il compositore ricevette una laurea honoris causa dall'Università di Tubinga.

Tra le opere più significative di Orff ci sono tre cantate teatrali ("Carmina Burana", "Catulli Carmina", "Trionfo di Afrodite"), opere musicali e drammatiche ("Luna", "Ragazza intelligente", "Bernuerin"). Le loro qualità principali erano il realismo dell'incarnazione e l'espressività della musica delle canzoni. Tale, ad esempio, è la cantata "Carmina Burana" (1936), il cui sottotitolo recita: "Canzoni profane per soli e cori con accompagnamento strumentale e immagini di scena".

Quest'opera si basa su testi tratti dall'autore dall'antica raccolta di canzoni "Karmina Burana", compilata nel XIII secolo e che si trova oggi nella volta di uno dei monasteri della Baviera. Questi canti allegri e allegri o pieni di ironia erano composti da scolari, monaci, artigiani e contadini. Usando magistralmente le intonazioni di vecchi brani, Orff dà loro un nuovo suono, mostra tutta la varietà di possibilità dell'interpretazione originale della diatonica. Di grande interesse è l'orchestra cantata, che il compositore aggiunse con due pianoforti e vari strumenti a percussione.

Sebbene la cantata dica che una persona non può resistere al destino e la sua vita dipende dai giri della ruota della fortuna, la sua musica, sorprendentemente fresca ed energica, crea un'atmosfera gioiosa e luminosa tra gli ascoltatori. Orff introduce nella cantata non solo intonazioni, ma anche frammenti di canti popolari, ma il suo lavoro non si trasforma in una stilizzazione.

L'espressività e la forza elementale dei Carmina Burana lo distinguono favorevolmente da Catulli Carmina (1943) e Trionfo di Afrodite (1951), scritti sulle parole di Catullo, Saffo ed Euripide, ma queste cantate hanno anche molte pagine accattivanti e luminose.

Tra le opere teatrali di grande interesse c'è "Clever Girl" (1942), creata sulla base della fiaba dei fratelli Grimm, un'opera ricca di umorismo vivace nello spirito di una rappresentazione farsa.

Carl Orff morì nel 1982.

Igor Fëdorovič Stravinskij

Uno dei più grandi musicisti del 20° secolo, Igor Stravinsky, è nato nel 1882 a Oranienbaum, vicino a San Pietroburgo. Suo padre, F. I. Stravinsky, era un cantante, solista del Teatro Imperiale Mariinsky.

Igor Fëdorovič Stravinskij

Il ragazzo ha mostrato le prime capacità musicali. All'età di 9 anni ha iniziato a imparare a suonare il pianoforte, prima con Snetkova e poi con Kashperova. Tuttavia, Stravinsky non ricevette un'educazione musicale professionale e all'età di 18 anni, su insistenza dei suoi genitori, entrò nella facoltà di giurisprudenza dell'Università di San Pietroburgo. Ma la sua attrazione per la musica non è svanita, e questo è tutto. tempo libero si dedicò allo studio di materie teorico-musicali.

Due anni dopo, rendendosi conto di aver bisogno di una consulenza professionale, Stravinsky si rivolse a Rimsky-Korsakov, che gli diede lezioni private nel periodo 1903-1905 e fornì anche al suo studente l'assistenza necessaria fino alla sua morte.

Le prime opere di Stravinsky, da lui scritte sotto la direzione di Rimsky-Korsakov, furono diversi brani per pianoforte, una cantata per il 60° anniversario di Rimsky-Korsakov, una suite per voce e orchestra "Il Fauno e la Pastorella", una sinfonia in Mi bemolle maggiore, Fantastic Scherzo. Diaghilev ha partecipato alla prima di quest'ultimo. Affascinato dal talento del giovane compositore, gli commissiona un balletto da mettere in scena nelle Stagioni russe a Parigi. Il risultato fu The Firebird (1910), poi Petrushka (1911) e ancora più tardi The Rite of Spring (1913). Queste composizioni hanno guadagnato una meritata popolarità nei circoli degli amanti della musica e hanno sventolato il nome del loro creatore con fama mondiale.

In quel periodo Stravinsky alternava il soggiorno in Russia con viaggi a Parigi. Nell'estate del 1914, cioè immediatamente prima dell'inizio della prima guerra mondiale, il compositore si recò in Svizzera, dove, a causa dello scoppio delle ostilità, dovette rimanere fino al 1918. Durante gli anni trascorsi in questo paese, Stravinsky scrisse l'opera L'usignolo (1914), La storia di un soldato (1918), che lui stesso definì "una fiaba su un soldato in fuga e un diavolo, letto, suonato e ballato. "

Il compositore non volle tornare in Russia, divenuta sovietica, e si trasferì a Parigi, dove visse fino al 1940. Nel 1919 ricevette un nuovo ordine da Diaghilev, che consisteva nel fatto che Stravinsky fu invitato a lavorare al perfezionamento della parte musicale del balletto "Pulcinella" basato sulla musica di Pergolesi.

Qualche tempo dopo, le opere di Stravinsky Il Moro (basato sul poema di Pushkin La casa di Kolomna) e l'Edipo Re furono rappresentate nella capitale della Francia. L'apparizione di quest'ultimo ha segnato l'inizio di una nuova fase nell'opera del compositore: il neoclassico, che ha sostituito il suo lavoro in una tradizione puramente russa.

Nel 1924 Stravinsky fece il suo debutto come pianista, eseguendo il suo Concerto per pianoforte con una banda di ottoni, diretta da Koussevitzky. Un anno dopo, Stravinsky si cimenta come direttore d'orchestra. Nel tempo libero compone musica per il teatro, ma si rivolge anche ad altri generi musicali: scrive una sinfonia per strumenti a fiato, suite per orchestra da camera, pianoforte e opere vocali. Presto apparvero i balletti di Stravinsky "Apollo Musagete", "Il bacio della fata", la famosa Sinfonia di Salmi sui testi latini dell'Antico Testamento.

L'inizio degli anni '30 fu segnato dalla comparsa di opere del compositore come il concerto per violino e orchestra e il concerto per due pianoforti. Nel 1933 - 1934 Stravinsky, commissionato dalla famosa ballerina Ida Rubinstein, insieme ad A. Gide, compose il melodramma Persefone. Quindi decide di accettare la cittadinanza francese, a seguito della quale vengono finalmente strappati i fili che ancora lo legano alla sua terra natale. Nello stesso periodo esce il suo libro autobiografico "Cronaca della mia vita".

Nel 1936 Stravinsky andò in tournée negli Stati Uniti. Il Metropolitan Opera ospita la prima del suo balletto Playing Cards, e lui stesso inizia a lavorare al concerto di Dumbarton Oaks, eseguito nel 1938 a casa dei clienti, i coniugi Bliss. Nello stesso anno tiene diverse lezioni con gli studenti dell'Università di Harvard.

L'anno 1940 fu segnato per Stravinsky dall'addio alla Francia e dal trasferimento negli Stati Uniti per la residenza permanente. Ora fa talvolta tournée in Europa, dove si esibisce come pianista e direttore d'orchestra. Nel 1962 festeggia solennemente il suo 80° compleanno, dopodiché decide finalmente di visitare l'URSS. Tiene concerti a Mosca e Leningrado, quindi torna negli Stati Uniti. Dopo altri cinque anni, termina le sue esibizioni, ma continua a lavorare come compositore. La sua vita finisce nel 1971 a New York.

L.Bakst. Costumi per il balletto di I. F. Stravinsky "L'uccello di fuoco"

L'eredità creativa di Stravinsky, oltre alle opere sopra menzionate, comprende l'opera The Rake's Progress basata su una serie di incisioni di J. Hogarth (1571), i balletti Orpheus (1948), The Cage (1951) e Agon (1957), sinfonie "In do" e "In tre movimenti", concerto in ebano per clarinetto solo e ensemble strumentale, "Padre nostro" per coro a cappella, "Inno sacro alla gloria del nome di San Marco", "Lamento del profeta Geremia", cantata "Sermone, parabola e preghiera", "Canti per i morti", un gran numero di opere minori.

È interessante notare che Stravinsky non ha uno stile specifico di scrittura musicale, il suo modo di lavorare è in continua evoluzione, motivo per cui è stato persino soprannominato un camaleonte. Tuttavia, tutte le sue composizioni sono esempi di vero artigianato.

Alfredo Casella

Il compositore, pianista, critico musicale e insegnante italiano Alfredo Casella è nato nel 1883. Ha ricevuto la sua educazione musicale al Conservatorio di Parigi. Ha studiato composizione sotto la guida di G. Faure, pianoforte - L. Diemer. La musica francese, il lavoro di R. Strauss e la conoscenza di G. Mahler hanno avuto una grande influenza sulla formazione del suo stile. La più famosa delle prime opere di Casella fu la rapsodia sinfonica "Italia" scritta nel 1909, che rifletteva il desiderio dell'autore di trasmettere immagini della vita a Napoli e in Sicilia. Il compositore ha incluso melodie popolari nella partitura dell'opera, apparendo in un ambiente orchestrale piuttosto pesante.

Nel 1912-1915 Casella fu direttore dei Concerti Popolari nella Sala del Trocadero. Nello stesso periodo ha insegnato pianoforte al Conservatorio di Parigi.

Nel 1915 il compositore si trasferì a Roma, dove divenne professore di pianoforte all'Accademia di Musica di Santa Cecilia. Con i concerti ha visitato molte città europee e americane.

Apparve a Roma la suite di Casella "Pagine della guerra" (1918), dedicata ai tragici eventi del nostro tempo. Da quel momento, le tendenze neoclassiche, appena percettibili nel precedente lavoro del musicista, sono aumentate in modo significativo. Sono particolarmente sentiti nella Partita per pianoforte e orchestra (1925), dove emerge il desiderio di costruttivismo dell'autore. Come molti compositori europei dell'epoca, Casella si rivolse costantemente alle tradizioni della prima musica italiana. Soprattutto fu attratto dall'arte dei secoli XVII-XVIII, in particolare le opere di A. Vivaldi e A. Scarlatti. Anche il lavoro di G. Rossini e A. Paganini ha avuto un'influenza significativa sul musicista. Nelle opere di Casella l'interesse per l'antichità si coniuga con il desiderio di utilizzare i mezzi espressivi dell'arte musicale moderna, ripensati dal compositore nelle sue opere teoriche ("L'evoluzione della musica alla luce della storia del cambiamento della cadenza", 1918; " Politonalità e Atonalità"). Ruolo importante l'arte popolare suona anche nella musica del compositore. Elementi di folclore sono ben visibili in molte delle opere di Casella.

Tra le opere più interessanti del compositore si ricordano il Concerto per orchestra d'archi (1927), nonché le suite Scarlattiana per pianoforte e 32 strumenti ad arco (1926) e Paganiniana (1942), che sono liberi adattamenti dei celebri maestri della musica italiana arte. In queste opere, oltre che nella già citata Partita per pianoforte e orchestra, Casella si rivolge al neoclassicismo. Tendenze neoclassiche si fanno sentire anche nel concerto per archi, pianoforte, timpani e percussioni (1943). Questo concerto, creato appositamente per l'Orchestra da Camera di Basilea, è caratterizzato da un'armonia strutturale e da un'armoniosa combinazione di generi di danza e vecchie versioni del concerto grosso.

Tra le opere più significative di Casella, realizzate per il teatro, vanno ricordate La donna serpente (1931), che incarna le immagini dell'opera dei bufali italiani, l'opera Il racconto di Orfeo, i balletti Il monastero veneziano (1913), La brocca (1924). Il compositore è l'autore della messa solenne "For Peace" (1944), tre sinfonie, "Heroic Elegy" (1916), concerti, romanzi, opere teatrali, di cui undici per bambini.

Casella ha preso parte attiva alle attività della Società Internazionale di Musica Contemporanea. Le opere del compositore venivano spesso eseguite in festival organizzati da questa società in vari paesi.

Il compositore italiano morì nel 1947.

Sebbene le opere di Casella non siano uniformi nel loro significato, il musicista, che ha svolto un ruolo enorme nel risveglio delle tradizioni nazionali, occupa un posto degno nella storia dell'arte musicale italiana.

Heitor Vila Lobos

Heitor Vila-Lobos, compositore, direttore d'orchestra, insegnante e folklorista brasiliano, è nato il 5 marzo 1887 a Rio de Janeiro. La sua attrazione per la musica si è manifestata piuttosto tardi. All'età di 16 anni si interessò al folklore e viaggiò molto per il paese, registrando vari canti popolari.

Nel 1923 Vila-Lobos si recò a Parigi, dove studiò diligentemente le discipline musicali. Lì ha incontrato Ravel, Prokofiev e altri compositori. L'amicizia con loro ha giocato un ruolo importante nello sviluppo del suo lavoro.

Realizzandosi come compositore, Vila-Lobos, nel frattempo, ha trovato il tempo per esibirsi in concerti come direttore d'orchestra, dirigendo l'esecuzione delle proprie composizioni e della musica dei suoi contemporanei.

Nel 1931 Vila-Lobos fu nominato commissario del governo per l'educazione musicale in Brasile. Gli va dato il dovuto: ha fatto molto bene al suo Paese, ricoprendo un incarico così importante. Fondata Vila Lobos scuole di musica e studi corali in molte città brasiliane, hanno sviluppato un sistema di educazione musicale per bambini. Nel 1945, su sua iniziativa, ebbe luogo l'apertura dell'Accademia brasiliana di musica, di cui fu presidente permanente.

Insieme ai compiti del commissario, Vila-Lobos ha continuato a fare tournée e ha visitato concerti in diversi paesi Sud America, negli Stati Uniti, Londra, Parigi, Roma, Lisbona, ecc. È stato grazie a lui che il mondo ha appreso della musica brasiliana unica, rappresentata dal compositore.

La vita di Vila Lobos terminò nel 1959 a Rio de Janeiro. Il suo patrimonio creativo è un enorme numero di opere appartenenti a vari generi. Tra questi, prima di tutto, vorrei segnalare le opere Aglaya, Eliza, Izat, Malasarte, Yerma; operetta "Maddalena"; 15 balletti; gli oratori "Vidpura" e "Song of the Earth"; suite corale "Scoperta del Brasile"; Massa; 12 sinfonie; 2 sinfonie; 18 poemi sinfonici; 5 concerti per pianoforte e 2 per violoncello, composizioni strumentali da camera e per pianoforte. L'opera più famosa del compositore è "Brazilian Dunes" per voce con un insieme di strumenti.

Vila-Lobos possiede anche l'opera in sei volumi "A Practical Guide to the Study of Folklore".

Boguslav Martinu

Il compositore ceco Bohuslav Martinu è nato nel 1890. La prima opera significativa del giovane musicista fu la "Czech Rhapsody" per orchestra (1918). Nel 1923 Martin si recò a Parigi, dove iniziò a studiare con A. Roussel. Dopo aver completato gli studi, è rimasto in Francia, anche se non ha mai interrotto i legami con la sua terra natale. Le nuove tendenze nell'arte non lo aggiravano, il compositore era interessato al neoclassicismo, al jazz, ecc. Martina fu fortemente influenzata dalla sua conoscenza con I. Stravinsky e A. Honegger.

Ma gradualmente il compositore ha sviluppato il proprio stile. Le opere del musicista sono state eseguite con successo a Parigi e Praga, anche se non tutti gli ascoltatori hanno accettato il suo lavoro. Alcuni consideravano la sua musica troppo audace e persino audace.

Negli anni '30 apparvero numerose opere di Martinu, a testimonianza del grande interesse del loro autore per i motivi cechi. Tra questi ci sono il balletto Shpalichek (1932), le opere Plays about Mary (1934) e Theatre Outside the Gates (1936), basate su elementi folcloristici.

Tra le opere più significative di questo periodo vi sono l'opera Giulietta (1937) e il Doppio Concerto per due orchestre d'archi, pianoforte e timpani (1938). La loro musica rifletteva gli stati d'animo inquietanti che percorrevano l'Europa, che era sull'orlo della seconda guerra mondiale. Martinou scrisse poi: “Tutto scomparve a portata di mano, i pensieri non trovarono risposta o sostegno da nessuna parte. Sono andati da qualche parte nel nulla, come se il vuoto che si era aperto attirasse tutta l'umanità".

Lo stesso compositore scrisse il libretto di "Juliet", riferendosi al racconto di J. Neve. L'azione si svolge in una città fantastica, i cui abitanti non ricordano il loro passato e non distinguono la realtà dalla finzione. Michel, un giovane che sta cercando la sua amata, si ritrova in una strana città. Trova la ragazza, ma la sua Giulietta, caduta sotto il potere del magico incantesimo della città, non riesce più a liberarsi. Incapace di separarsi dalla sua amata, Michelle rimane in questo mondo folle e mostruoso.

L'intera azione di "Juliet" è composta da piccole scene, le parti vocali sono basate sul recitativo. L'opera ha caratteristiche di psicologismo, l'ascoltatore entra in empatia con i personaggi che vivono in un mondo irreale e misterioso. Il sottile talento artistico di Martin aiuta qui, la sua capacità di portare energia vitale e dinamica nell'atmosfera ovviamente fantastica dell'azione dell'opera. L'idea di "Juliet" è rivelata dalle parole dello stesso compositore, che ha scritto: "È una lotta disperata per il possesso di qualcosa di stabile che possa fungere da supporto: realtà, memoria, coscienza. È quest'ultimo che si rivela rotto, messo in situazioni tragiche in cui Michel deve lottare per mantenere la propria stabilità e sanità mentale. Vale la pena arrendersi e rimarrà in questo mondo senza memoria, senza tempo, per sempre. In immagini surreali, il compositore ha cercato di trasmettere emozioni e sentimenti reali che appaiono come risultato di una dolorosa instabilità della coscienza. In questo Martinu era vicino a B. Bartok e A. Honegger, la cui musica rifletteva anche una premonizione allarmante di una catastrofe imminente.

Dal 1941 il compositore è negli Stati Uniti. Nel 1953 tornò in Europa. Martinu ha vissuto in Francia, Italia, Svizzera. Sebbene non abbia mai dimenticato le sue radici ceche, molti anni trascorsi lontano dalla sua terra natale non hanno potuto non influenzare il suo lavoro, poliedrico e controverso. Quasi tutti i generi e le varietà sono rappresentati nell'eredità di Martin. Il musicista non ha mai obbedito a determinati sistemi e tendenze, è riuscito a mantenere la sua originalità e individualità.

Le migliori opere di Martin sono state create negli ultimi vent'anni della sua vita. In questo periodo il compositore scrisse sei sinfonie, gli Affreschi e le Parabole di Piero della Francesca per orchestra, le opere Arianna e Mirandolina, Le passioni greche e altre.

Martinou si è rivolto per la prima volta al genere della sinfonia già in uso età adulta. Scrive poi: "Quando qualcuno affronta il problema della creazione della prima sinfonia, involontariamente diventa particolarmente nervoso e serio ..." Queste parole esprimono le esigenze del compositore su se stesso e sul suo lavoro.